¡Que bien se siente estar de vuelta! Hace mucho tiempo que no escribo una reseña para un álbum, he dedicado estos diasmesesaños de mi vida en disfrutar de la música para mi y platicar de mi experiencia con las personas que me rodean y he aprendido mucho de mis amigos y familiares acerca de lo que ellos opinan de la música que les gusta.
He pasado por muchos cambios en mi persona en este último año, inicié una relación de pareja con la mujer mas hermosa del mundo, fortalecí los lazos con mis mejores amigos (tanto los del pasado como los del futuro), he cerrado ciclos que me tenían atado a un pasado fantasmal que solo hacía eco en mis oidos; así también he asistido a un puñado de conciertos que me han cambiado la vida tanto de música popular como académica, siendo el mas impactante el concierto de Arvo Pärt el pasado 19 de octubre en Guanajuato.
Poder estar ante la majestuosa presencia de uno de los compositores mas importantes de toda la historia musical me hizo recordar la belleza de compartir música por el simple hecho de compartirla, recordé el enorme placer que siento en mi alma cuando escribo lo que ocurre en mi mente y corazón cuando escucho las notas que humedecen mis sentimientos a través de mis oidos. Así que, aquí voy a presentarles uno de los discos que mas llamó mi atención este año.
Se trata de un ambicioso proyecto en el que varios artistas (en su mayoría de mi total agrado) decidieron hacer su «tributo» a Philip Glass, otro de los minimalistas mas importantes. Para hablar de este álbum primero quiero dar la impresión que deja en mi la preciosa e hipnotizante música de Philip Glass.
Ya he compartido otras obras de minimalistas por este medio, si la memoria no me falla ya se dijo que la característica principal del minimalismo es la repetición junto con el casi nulo movimiento armónico (a excepción del maestro John Adams), gracias a ese detalle es que el minimalismo ha encontrado un campo fértil en la música popular y desde su aparición ya no se puede distinguir cual de «las dos músicas» es la que sirve de influencia y cual de receptor.
Philip Glass es uno de los expertos en el concepto de esta corriente musical, escuchar sus obras significa visitar otro planeta y aprender su lenguaje sin ningún problema, el minimalismo de Glass en un ejemplo gráfico sería como ver una gotera constante, el agua cae de manera repetitiva hasta que nos hipnotiza y en el momento menos esperado aparece un chorro del vital líquido que se vuelve majestuoso ante nuestra percepción. Me impresiona como para muchas personas este concepto les parece tonto y obsoleto, porque yo lo encuentro delicioso.
Ahora, tengo que recalcar que yo soy una de esas personas que no le agrada mucho la idea del «remix» (ya en la música popular, mucho menos en la académica) y lo único que llamó mi atención de este proyecto, al principio, fue la selección de músicos que aparece en el proyecto: Beck (quien tengo entendido es el líder detrás de todo el proyecto), Cornelius, Dan Deacon, Nosaj Thing, Jóhann Jóhannsson, Peter Broderick, Pantha Du Prince, Tyondai Braxton, Amon Tobin, Memory Tapes, My Great Ghost y Silver Alert, todos eligieron distintas obras del maestro Glass y las llevaron a su mundo, las revisaron y crearon una versión nueva y fresca. No es que la obra de Glass lo necesitara, sus obras son de por si novedosas y entretenidas al cerebro para escuchar, lo que si me hacía falta escuchar era un homenaje de este calibre. Magnífico!
REWORK_
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Esta «micro»obra del gran Arvo Pärt es un viajesote, en corto tiempo. Consta de seis pequeños movimientos donde el mas largo solo dura alrededor de 45 segundos, esta versión es una variación para piano aunque no se para que instrumento sea la original.
Es muy probable que te recuerde a otros de sus trabajos, sobre todo al precioso «Fur Alina» o al magnífico «Spiegel Im Spiegel», tiene elementos muy parecidos a dichas obras, aunque la diferencia es que esta obra tiene una introducción o algo así en los primeros tres movimientos, donde casi no se usa la mano izquierda, a partir del cuarto movimiento aparece el tema con el que termina la pequeña obra, un tema que me gusta muchísimo, el quinto y sexto movimiento son variaciones de ese mismo tema aunque mas que variaciones son la representación de una de las características principales del minimalismo: LA SUMA DE ELEMENTOS EN EL CLIMAX.
Hermosaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaa obra <3
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Dentro del inmenso catálogo de obras de Steve Reich se sabe que Tehillim es una de las mas «raras» en el sentido que se aleja del estilo que suele reconocerse en sus otras obras, para empezar es la primera en la que explícitamente muestra su interés por su ascendencia judía (Tehillim significa «Salmo» en hebreo), escrita en 1981 y utiliza textos de cuatro salmos, para cuatro voces femeninas, ensamble de maderas, ensamble de percusión (con una selección característica de Reich como marimba, vibráfono y utilizando otros como crotales, maraca y aplausos), dos órganos eléctricos, dos violines, una viola, un cello y un contrabajo. La diferencia con sus otros trabajos radica principalmente en una especie de «mímica minimalista» hacia la música de concierto occidental, aunque no se separa completamente del minimalismo y se apoya directamente en sus fundamentos mas importantes.
La otra obra del archivo, Tres Movimientos para Orquesta, fue escrita en 1986 y su instrumentación es ensamble de maderas, ensamble de metales, percusión (dos vibráfonos, dos marimbas, un tamborsote de esos que no se como se llaman), dos pianos y ensamble de cuerdas. Los tres movimientos son interpretados sin interrupciones, se combina un pulso rápido con un ritmo armónico y logran un efecto muy interesante de color musical, sugiriendo la imagen de la luz que se filtra en el lento movimiento de las nubes.
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Este compositor es otro show. Nació en Munich el 22 de Diciembre al parecer en 1940 y después emigró a Canadá, creo que estudió Filosofía en la Universidad de Winnipeg pero después eligió una carrera en la música, quizás la mezcla de estas dos le llevo a desarrollar tanto sus ideas como su técnica musical ya que tiene profundas bases filosóficas. Su técnica en el piano lo llevó a desarrollar un estilo con bases del minimalismo pero que lo llevá a otra dirección, este estilo en inglés le llaman «CONTINOUS MUSIC» y que no me atrevo a traducirlo al español por falta de conocimiento, apenas ayer me enteré de su existencia y apenas escuché solo esta obra llamada LA VOZ DE LOS ÁRBOLES.
Pues resulta que la Continous Music es un estilo muy parecido al minimalismo, es decir la repetición de una frase y la leve suma de otros elementos paulatinamente creando un efecto como hipnótico y relajante; una de las características distintas de esta corriente creada (al parecer) por Melnyk es que las frases que se repiten son extremadamente complicadas y rápidas, ya sea haciendo arpegios de una octava en cada tiempo o arpegiando «acordes rotos» usando ambas manos en el piano, por lo que he leido del compositor también tiene obras para otros instrumentos usando ese mismo principio e inspirado profundamente en la obra del gran Terry Riley.
En esta obra Lubomyr hace uso de su gran técnica, escribiendo para dos pianos y tres tubas. Me gustó muchísimo, en ningún momento los sonidos se atropellan o se opacan, siempre se encuentran en parsimoniosa comunión sirviendo uno de enlace para el otro, las tubas crean una base melódica a manera de bajo y creo que le añaden algo mas de emociones; los arpegios de los pianos me dejaron boquiabierto por la rápidez, la nitidez del sonido, lo «fácil» que hacen que se escuche, y porque creo que cumplen el propósito del compositor, ya que según dice esta música debe acercar al escucha a una experiencia mística o algo así al ubicarlo en un estado de trance, después de un rato de escuchar cada «movimiento» me hizo sentir extrañamente bien. Me recordó mucho al trabajo de Steve Reich pero con una perspectiva mas emocional o incluso mas misticona, como mezclarlo con las ideas espirituales de Arvo Pärt. Como datos curiosos, Melnyk tiene el récord en velocidad al tocar el piano, según su sitio en internet ha tocado 19.5 notas en 1 segundo en cada mano y también tiene el récord de la persona que mas notas ha tocado en una hora.
Esta obra fue creada para un Ballet y fue grabada en la primera mitad de los 80’s. Voy a buscar mas trabajos de Melnyk porque ya soy su fan.
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Este trabajo de Steve Reich me impactó, poco a poco estoy entendiendo esa frase de «Steve Reich warped my fragile little mind». Esta obra, llamada así en memoria de Daniel Pearl el periodista judío que en el 2002 fue asesinado por radicales Islamistas, fue terminada en el 2006 y la encargó el padre de Pearl para la fundación Pearl y fue estrenada el mismo 2006 como parte de la retrospectiva de la obra de Reich en su cumpleaños no. 70.
Daniel Variations está compuesta para dos voces siendo una soprano y un tenor, cuatro pianos, clarinetes, cuarteto de cuerdas y algunos instrumentos de percusión (asi es, otra vez marimbas). Está dividida en cuatro movimientos, en el primer y tercer movimientos utiliza textos bíblicos del Libro de Daniel y algunas palabras del mismo Daniel Pearl; el movimiento armónico entre los distintos ensambles instrumentales es la clave de esta obra y se vuelve muy rica para escucharla y diferenciar las distintas repeticiones y los cambios de figuras rítmicas en las voces.
El archivo que les pongo aquí también tiene otra obra llamada Variations for Vibes, Pianos & Strings, esa es del 2005 y es una interesante obra en forma de danza para tres cuartetos de cuerda, cuatro vibráfonos y dos pianos. Se sabe que es una danza ya que tiene tres movimientos, el primero es rápido, el segundo es lento y el tercero es rápido, esta característica es notable de las Suites las cuales son formas musicales compuestas por muchas danzas; claro que al escuchar una danza minimalista puede causar un cortocircuito mental ya que si las comparamos con Suites Barrocas, Clásicas o Románticas es muy difícil apreciar la parte de «danza» pero recordemos que para apreciar del todo una forma musical tenemos que verla desde su punto filosófico del que parte (en este caso ya hablamos con anterioridad las bases del minimalismo).
Si ya bajaste «Come Out» de Reich, publicado hace unos dias en este tu blog, entonces ahora te aseguro que la música del compositor se te hará mucho mas digerible y fácil de entender. FELIZ FIN DE SEMANA :D.
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Einstein on the Beach
Philip Glass es otro de los compositores minimalistas, es uno de los mas famosillos de toda la bola sobre todo por su trabajo en el campo de música para películas, ya hace algunos ayeres publiqué por acá su trabajo para la película El Ilusionista, aunque ese soundtrack no muestra mucho de su estilo como minimalista.
Pues bien, he aquí la ópera Einstein en la playa estrenada en julio de 1976, obviamente escrita y orquestrada por Philip Glass, también participó el director Robert Wilson en algunos detalles del diseño de la puesta en escena y también fue el director dentro del teatro cuando fue estrenada. La obra contiene algunos escritos del poeta Christopher Knowles, Samuel M. Johnson y la coreógrafa/bailarina Lucinda Childs, sin embargo el libreto es algo que trataremos mas adelante.
Esta ópera pertenece (o medio pertenece) a una trilogía que Glass dedicó a personajes cuya vida cambio el rumbo de la historia, en esta obviamente el personaje central es Einstein, después le siguió Satyagraha vagamente basada en Gandhi y la que cerró la trilogía fue la ópera Akhnaten basada en el faraón Amenhotep IV.
Esta obra tiene un ligero giro en su estructura, Glass no quería estropear la figura histórica de Einstein al meterlo en algún tipo de trama, a su vez Wilson compartió esta idea ya que ambos pensaban que debía mostrarse al personaje de manera que el público hiciera su propio argumento y conexión haciendo la interpretación de la ópera un acto de subjetivismo puro. Entonces, ¿que carajos hacer con el libreto?, pues decidieron que los cantantes pronunciaran números, el nombre de las notas y algunos pequeños fragmentos de poemas de los autores ya antes mencionados. Curiosamente, esto de usar figuras musicales y números como libreto quedó perfecto ya que combina con el legado de Einstein hacia la humanidad, es decir en los números.
Notarás que en el mp3 aparecen varios archivos con nombres raros, por ejemplo «Knee», pues Glass utilizó estas «escenas» de la obra como unión entre un acto y otro, es decir las escenas tituladas «Knee» son interludios que al igual que las rodillas sirven de conjunción entre una parte y otra. Las tres escenas principales: Train, Trial y Spaceship, aluden a las hipótesis de Einstein acerca de su teoría de la relatividad y la teoría del campo unificado.
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Nixon en China
Si a estas alturas la música minimalista te parece extraña, espera a que escuches la ópera minimalista.
«Nixon in China» es una ópera de tres actos terminada en 1987 por el compositor gringo John Adams con libreto de Alice Goodman. El tema, como lo dice el título, es la visita del expresidente estadounidense Richard Nixon a China ocurrida en 1972; en esta visita Nixon conoció a Mao Zedong y otros oficiales chinos.
La Academia de Música de Brooklyn, la Houston Grand Opera y el Centro de Artes John F. Kennedy encargaron la ópera a Adams y se estrenó el 22 de octubre de 1987 precisamente en el Houston Grand Opera.
La temática envuelve a seis personajes: Nixon, su esposa, su traductor y consejero Henry Kisinger y Jiang Qing, Mao Zedong y su consejero cercano Zhou Enlai. Los títulos de cada escena son bastante específicos acerca de lo que ocurre con los diálogos, en el primer acto se desenvuelve en la llegada de Nixon a China y los acontecimientos cercanos a dicho suceso, el segundo acto se enfoca directamente a la esposa Pat Nixon y un tour que se avienta alrededor de China y el último acto trata acerca de la última noche que pasan en China y como reflexionan los personajes acerca de su pasado.
La música es minimalismo a todo lo que da, sin embargo la música de Adams se diferencía sustancialmente del demás minimalismo por su constante juego con dinámicas musicales mas elaboradas y ricas en movimiento armónico y velocidad rítmica, las partes etiquetadas como «beginning» en el mp3 son el equivalente a las oberturas de una ópera de otros periodos, o sea la parte instrumental que da inicio al acto o a la escena y que suponea una cálida bienvenida a la escena, en la obertura del primer acto las cuerdas establecen una especie de «escalerita» muy agradable y los demás instrumentos hacen otra figura rítmica en la que algunos instrumentos acompañan las notas de las cuerdas y otros se limitan a repetir su parte. Cuando los diálogos entran a escena se vuelve bastante interesante, yo nunca había escuchado ópera minimalista y esta se lleva las palmas por su creatividad y la manera tan compleja de entrelazar el tema con la música e incluso hay pequeñas partes corales.
Y así como en las obras minimalistas los elementos se van agregando en el clímax, en esta ópera sucede lo mismo e incluso las distintas ideas esparcidas a lo largo de cada escena se suman en algunas otras escenas, abre bien tus oidos y dale una escuchada.
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Arvo Pärt es otro de los compositores minimalistas mas importantes, lo conocí gracias a la talentosísima soprano mexicana Sheila López, me recomendó escuchar su Spiegel im Spiegel y desde entonces estoy muy agradecido de haber conocido a tan talentosa y bella mujer. La obra de Arvo Pärt se le suele clasificar en varios periodos pero todas siempre tienen el propósito de tocar la parte humana que no podemos explicar, llámese espíritu, alma o mente.
Las obras del disco son:
De Profundis es un trabajo magnífico para coro de voces masculinas, es decir tenor, contra-tenor, barítono y grave, también para órgano y precusión. La terminó en 1980 y algunos textos están cantados en latín, basados en algunos salmos bíblicos; al ver los nombres de cada sección nos damos cuenta que se trata de una misa ya que tiene partes como el Kyrie que es algo así como Gloria a Dios, Gloria, Credo etc. Para Arvo Pärt, la voz humana es el instrumento perfecto y en esta obra la música recuerda mucho a la música coral medieval y renacentista pero con la bella intervención del minimalismo (y las características que mencionábamos en el post anterior), este estilo medievalón cuasi-minimalista fue llamado por Pärt como «tintinnabuli» y se basa en que una voz canta tres notas de algún acorde de preferencia mayor y la otra voz se mueve de manera diatónica creando un efecto musical de velocidad lenta y al igual que las obras de Reich al final se acomodan en una sola linea.
Seven Magnificat Antiphons se terminó en 1988, está cantada en alemán; es considerada como una de las obras maestras de Tintinnabuli, esta obra también es coral y está basada en los rezos llamados Antiphons de la liturgia Cristiana, estos rezos creo que se hacen dias antes de la pascua en las horas de la tarde o algo así la neta no estoy muy enterado de los rituales cristianos ortodoxos. La obra coral es exquisita y sorprendentemente cálida, el color que nace de la música de esta obra provoca un estado de atemporalidad debido a que al fondo se utiliza una base drone, es decir una nota que se mantiene a lo largo de toda la pieza y que sirve como referencia tonal para los demás instrumentos, en este caso las demás voces del coro.
Magnificat es parecida a la anterior pero es otra obra, también hace uso de drones (en Sol y en Do) y es para coro mixto. Está cantada en latín y está basada en textos de salmos de los que tampoco tengo idea de que hablan; tiene un color un poco mas oscuro pero en el sentido misterioso o al menos eso me provoca, sin embargo sigue siendo de esas obras cuya finalidad es poner al escucha en un estado de no-tiempo en la búsqueda de tranquilidad espiritual.
Beatitudes es para coro o solistas y órgano, la terminó en 1990 y está cantada en inglés, basada en los textos bíblicos de San Mateo 5, 3-12. Las beatitudes son las bendiciones que supuestamente Cristo le dió a sus discípulos en «El sermón de la montaña» de Mateo y «El sermón de la montaña» de Lucas; básicamente habla de lo que pasará con la gente buena onda después de que mueran, dice que:
* Para el pobre, de él será el reino de los cielos
* Para los que sufren, serán confortados
* Al hambriento, lo van a llevar al McDonalds del cielo
* Y a los que fueron perseguidos o ejecutados por buscar causas justas, también se les entregará el reino de los cielos.
Supongo que estos últimos y los pobres van a entrar en conflicto cuando vean que van a tener que compartir su premio.
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Steve Reich se está convirtiendo en uno de mis idolazos, de hecho la música minimalista rápidamente se ganó mi corazón cuando escuché poquito de la obra de Arvo Pärt y con la hermosa Sinfonía no. 3 de Gorecki, sin embargo las raices de estos compositores se encuentran en las obras de un grupo de compositores estadounidenses que en los años 60 comenzaron el movimiento musical conocido como minimalismo, basado en las mismas estructuras del minimalismo arquitectónico pero aplicado en la música, es decir música que carece de elementos ornamentales complejos, la obra «In C» (es decir En Do) de Terry Riley es considerada como la primera obra musical minimalista, las características principales del minimalismo son:
* Repetición, loop o secuencia
* Suma de elementos sonoros en el desarrollo de la obra, se agregan gradualmente
* Casi nulo movimiento armónico
* Ecstasys o punto cumbre.
Steve Reich nació el 3 de octubre (dia de San Gerardo xD) de 1936 en Nueva York, sus padres se divorciaron y pasó mucho tiempo entre Nueva York y California; a los 14 años comenzó a estudiar música académica después de escuchar música del periodo barroco y periodos anteriores, así como música del siglo XX, después estudió percusiones con Roland Kohloff con el propósito de tocar Jazz, después estudió en la universidad de Cornell y se graduó en Filosofía. Un año después estudió composición de manera privada con Hall Overton y después entró a Juilliard para trabajar con William Bergskma y Vincent Persichetti, después asistió al colegio de Mills en Oakland California, donde estudió con los mismísimos Luciano Berio y Darius Milhaud, este último integrante del famoso grupo de los Seis de Francia (creado por Erik Satie) y ganó su maestría en composición. Su obra es parte fundamental del minimalismo junto con Terry Riley, Phillip Glass, John Adams, Arvo Pärt y Henryk Gorecki, también son considerados minimalistas en cierto nivel Cartel Burmwell y Yann Tiersen (wtf).
El disco contiene:
Come out (1966). De los famosos «experimentos» con cintas magnéticas y discuros, sale el enigmático Come Out. Se dice que este trabajo se le encargó a Reich para interpretarse en una especie de fiesta que se llevó a cabo debido al juicio que se «re-realizó» al grupo llamado «Los seis de Harlem», seis muchachos acusados de asesinato en los disturbios de Harlem de los cuales solo uno había sido culpable. Se le encargó a Reich la obra y se le dió absoluta libertad creativa, Truman Nelson fue el que encargó la obra y le entregó a Reich una serie de cintas que contenían grabaciones de los testimonios de los muchachos implicados en el juicio.
Utilizó la cinta de Daniel Hamm, uno de los involucrados e inocente, en la cinta Hamm dice «i had to like, open up the bruise and let some of the blood bruise come out to show them» refiriéndose a que tuvo que herirse a sí mismo un poco para que los policías le brindaran atención médica, la cual le querían negar alegando que sus heridas no parecían lo suficientemente profundas; Reich re-grabó la parte que dice «come out to show them» y las toca al unísono al principio y poco a poco se van desfasando (toque característico de la música de Reich en su primera etapa), lentamente las dos voces se convierten en una especie de efecto reverb como de doble eco, después en algo así como un canon, después las dos voces se convierten en cuatro dejando un mensaje incomprensible solo con el ritmo y el tono de la voz.
Piano phase (1967). Esta obra es para dos pianos pero también puede tocarse en dos marimbas. Esta obra es el primer intento de Reich de utilizar su técnica de «doble faseo» de sus obras Come out y de It’s Gonna Rain pero esta vez aplicado en los instrumentos en vivo, los trabajos de faseo de Reich generalmente tienen dos lineas musicales idénticas las cuales empiezan tocando al mismo tiempo y de manera sincronizada, pero lentamente se desfasan cuando una toca ligeramente mas rápido que la otra. En esta obra tiene a dos pianistas tocando la misma secuencia y al poco tiempo uno toca mas rápido de manera que cuando el primero toca la primera nota el segundo pianista está tocando la cuarta o segunda nota y después se regresa a la velocidad anterior, logrando un extraño efecto musical. Después de hacer distintas variaciones de la dinámica anterior, ambos pianistas terminan al unísono.
It’s Gonna Rain (1965). La misma idea que Come Out, la fuente de It’s Gonna Rain es un discurso de un predicador religioso afroamericano llamado Brother Walter, en el que habla acerca del apocalipsis. Ese discurso fue grabado en San Francisco en el Union Square; la obra empieza con la historia de Noé y las repeticiones comienzan cuando dice «it’s gonna rain», según leí por ahí dicen que este descubrimiento surgió debido a las fallas tecnológicas de aquella época ya que Steve Reich usó dos grabadoras Wollensak con la misma grabación, una de ellas perdió sincronía con la otra y Reich empezó a experimentar con los diferentes cambios de faseo y al final las alineó de nuevo, como podemos ver por las fechas un año mas tarde realizó Come Out.
Four Organs (1970). Para cuatro órganos electrónicos y maracas, los cuatro órganos exponen un acorde de Re, Mi, Fa#, Sol#, La y Si con un La de bajo, después poco a poco se va diseccionando el acorde y la duración del mismo aumenta poco a poco, empezando en algo parecido a un compás de 1/8.
La música minimalista tiene otros matices que apreciar, un buen maestro y amigo me dijo que para apreciar la música en su totalidad primero tenemos que escucharla sin utilizar los juicios de valor que le damos a la música que ya nos gusta con anterioridad, el minimalismo es música de nuestro tiempo y es muy atacada por su aparente falta de sentido, sus elementos como la repetición son considerados aburridos y nefastos, sin embargo te invito a que le eches una escuchada ya que los siguientes trabajos que iré publicando con el paso del tiempo están basados en estas primeras obras de Reich, trabajos como el de John Adams o el de Phillip Glass, incluso las magníficas obras de Arvo Pärt y Hénryk Gorecki.
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Philip Glass es un músico / compositor gringo nacido el 31 de enero de 1937. Es uno de los compositores contemporaneos mas importantes, su prolífica obra incluye óperas, música para teatro, ocho sinfonías, ocho conciertos, sonatas, cuartetos de cuerda y soundtracks para películas, de las cuales tres han sido nominadas al óscar.
Su mayor influencia, o mejor dicho el compositor que dejó una gran estampa en su obra es Steve Reich con su trabajo de Piano Phase y su minimalismo cuya estructura se basa en la repetición y la creación de nuevas formas de interpretar música.
Según leí en una página a Glass no le gusta ser clasificado como minimalista, y por lo que he escuchado en este soundtrack no quiso limitarse a esa etiqueta e hizo uso de muchas otras corrientes y las mezcló en un solo estilo y surgió un bello trabajo para una película que ni he visto completa. En sus otros trabajos para pelícuñas parece que prefiere la música íntima interpretada por un pequeño ensamble, en este trabajo la música se escucha mas ostentosa y cargada de drama sin dejar los elementos Glass-escos como en The Orange Tree o The Secret Plot.
El «detalle» que le encuentro es que si escuchas una canción al azar, enseguida te sales del contexto total del álbum y es muy difícil reconocerlo como un disco de Philip Glass, es en su totalidad que los sellos característicos de su música aparecen flotando.
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En este disco, los míticos cuartetos para cuerda 1 y 2 de Henryk Górecki son interpretados por los también míticos Kronos Quartet. Estos dos cuartetos son considerados como parte del pináculo compositivo lleno de misticismo del repertorio de Górecki, según dicen tienen muchos elementos de Bartok y hacen del minimalismo y el modernismo una mezcla extraña y oscura.
El cuarteto 1 se llama «Already it is dusk» y consta de un solo movimiento laaaaaargo y oscuro, misterioso, al principio me recuerda poquito a su Sinfonía 3 pero puuuuuuuuuuuuuuuuuuuuum de repente los instrumentos atacan como lo recuerdo en películas de terror y otra vez vuelve la calma, casi imperceptibles aparecen a lo lejos como también lo hace Arvo Pärt en algunos de sus trabajos.
El cuarteto 2 se llama Quasi una fantasia y se compone de cuatro movimientos parecido a muchos de los cuartetos para cuerda nacidos en el romanticismo, sin embargo no hay mucho romanticismo en su estructura. El primer movimiento es totalmente lento y meditativo, cuando lo escucho me viene a la mente un cazador acechando a su presa en la oscuridad; el segundo movimiento tiene unos stacatos y el violín haciendo el papel de solista, es muy curioso que los stacatos de cuerda suenan mas tenebrosos y el violín suena alegre y caluroso hasta cierto punto. El tercer movimiento es un adagio que me recuerda al primer cuarteto, también me parece oscuro y meditativo, los sonidos son casi imperceptibles; el cuarto movimiento es un allegro, por lo que puedes esperar velocidad y agilidad, de este movimiento la velocidad se mezcla con algo de ansiedad y esperanza a la vez o al menos esas sensaciones me produce, tiene pocos momentos de tranquilidad y meditación y es la manera perfecta para cerrar el cuarteto.
Para añadirle mas misticismo y belleza, están interpretados por el maravilloso Kronos Quartet. Feliz inicio de semana.
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Dataplex
Por ahí enterrado en las profundas capas de música experimental se puede apreciar los cambios rítmicos en la música de Ryoji Ikeda en este disco lanzado en el 2005. Es un disco taaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaan denso que estuve a punto de despedirme de mis audífonos, el glitch percusivo mezclado con el bajo hacen de este experimento sonoro algo hermoso.
Y lo mejor de todo es que se presentará el miércoles 20 de mayo (día del psicólogo xD) en el Teatro Degollado como invitado en el Festival de Mayo a realizarse este año en mi bella Guadalajara.
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Tabula Rasa
Trabajos para Piano
Sinfonías 1 -3 y concierto para chelo
Ya que musiteka va estar out por un tiempo voy a aprovechar para meterle mas discos por acá. Tabula Rasa es un concierto doble para dos violines orquesta y piano y en ese disco vienen otras obras de Pärt como Fratres (que tambén viene en el disco del Kronos Quartet que subí anteriormente), el canto en memoria de Benjamin Britten, Summa (trabajo para instrumentos de cuerda) y otras, las sinfonías pues como su nombre lo dice son trabajos orquestrales y en los trabajos de piano viene Fur Alina y otra pieza compuesta de movimientos muy pequeños.
En estas obras se muestran las distintas caras del trabajo de Arvo Pärt, desde el minimalismo post-modernista y la música sacra que lo caracterizó en su primer periodo musical.
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if only a sweet surrender to the nights to come be true
Este es el disco debut de Esmerine, lanzado el 2 de junio del 2003. La diferencia principal con el otro disco que ya publiqué aquí (Aurora) es que este disco carece de guitarras y carga toda la atención en el poderoso chelo y las percusiones, incluso se escucha una marimba por ahí haciéndola de campana agregando una atmósfera mas de música de cámara.
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Sinfonía No. 1 «1959»
Gorecki se ha convertido en una figura para seguir de cerca, al menos para mí. Su trabajo empezó como algo exclusivo de los gueyes obsesionados con la música académica de la mitad de 1950, hasta que llegó su Sinfonía 3 que logró acercarse a nosotros los que no sabemos nada de nada.
La sinfonía 1 no es como la 3, lo que escucho en la 1 es una idea musical mas palpable, mas temperamental, con una intensidad mas instintiva que emocional, si aún estamos comparando ambas sinfonías. Creo que la conforman instrumentos de cuerda, percusiones, piano y clavecín.
Todas las semillas de belleza auditiva que hacen de su música algo HERMOSO se encuentran en esta sinfonía no. 1 «1959», yo conocí primero la sinfonía 3 y después la sinfonía 1 pero me habían recomendado hacerlo al revés para poder ubicar que elementos de esta sinfonía evolucionaron y fueron incluidos en la 3.
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Sinfonía 3.
Me están doliendo los dedos porque hoy me golpeé una mano y este disco me va ahorrar la pena de teclear muchas letras. Solo diré «ES DE LOS MAS HERMOSOS DISCOS QUE HE ESCUCHADO EN TODA MI EXISTENCIA» y ya.
Y voy a poner una carita así :D
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the blue notebooks
Parecen azules los paisajes que pinta este disco. En este disco en particular se nota la influencia de los compositores Arvo Part, Phillip Glass, Steve Reich e incluso Brian Eno; las cuerdas repetitivas de Glass y la atmosferización de Eno con algunos toques sutiles de electrónica escondidos pero no ocultos.
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Nuage
Lanzado en diciembre del 2007, similar a Peter Broderick o Goldmund, Sylvain Chauveau nos trae este disco de música instrumental con el piano como eje principal. Contó con las colaboraciones de Maitane Sebastián, Martina Rodríguez, Pierre Yves Macé y Franck Dematteis.
Piano, violín, viola y guitarra eléctrica, los instrumentos que le dieron forma a las ideas musicales que Sylvain Chauveau plasmó. Su idea es la de cierto aire de romance mezclado con drama, al mismo tiempo que abraza la idea de la nostalgia; según se dice por ahí está basado en dos soundtracks de películas de Sebastian Betbeder.
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24 postcards in full colour
La música de Max Richter me dejó en un estado de felicidad/tristeza desde la primera vez que lo escuché. Este, su cuarto álbum, es un trabajo cuya resonancia radica principalmente en el manejo emocional en diversas etapas del disco, los instrumentos fueron ejecutados de manera precisa, la textura de las canciones se vuelve una con los títulos de cada canción, los detalles pequeños maximizan los detalles grandes.
Estos 24 tracks muestran un todo conciso y maduro, siendo el trabajo mas «coherente» que Max Richter nos ha entregado.
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Alina
Directamente de la década de los 90 llegó este disco del compositor Arvo Pärt de Estonia. La parte minimalista de su trabajo está completamente ejemplificada en este disco, que logra establecer el conjunto perfecto entre piano e instrumentos de cuerda inspirados en el post-modernismo y dejando de lado la horrenda etiqueta «Música del mundo».
Tengo que decir que este disco me conmovió, lo escucho y no logro salir de la burbuja atmosférica que crea.
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Corduroy Road
Proyecto del multi-instrumentista Keith Kennif. Fue estudiante del Berklee Music College mientras grabó material en diversos proyectos, los cuales llamaron la atención de muchos críticos, dichos proyectos fueron Helios, Deaf Center, lanzó un disco debut bajo el seudónimo de Unomia (considerado uno de los mejores del 2004).
Corduroy Road es un hermoso ensamble de piano, influenciado por el gusto de Kennif hacia la guerra civil de Estados Unidos. Es difícil compararlo con otros compositores, sobre todo en este trabajo donde el piano es el principal actor, quizás con el trabajo de piano de Brian Eno. Imprescindible este disco en tu colección, no se como no lo escuché antes.
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Float
Peter Broderick es un músico, cuya especialidad es el piano, que ha pasado gran parte de su carrera como colaborador de otras bandas. Solo su piano, algún violín y chelo, alguna voz por ahí es lo que se escucha en este disco cargado de minimalismo emocional.
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The walk home on Ashland
Hermosa mujer estadounidense que nos presenta este Ep que consta de 5 tracks, los cuales se caracterizan por tener una intensa gama de emociones filtradas dentro de los sonidos ambient que produce al experimentar con diversos instrumentos. Algo parecido a Marsen Jules, el track «Floating» se vuelve adictivo si no tienes cuidado.
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Herbstlaub
Impresionante disco lleno de atmósferas electrónicas de este impresionante artista alemán. Herbstlaub me abrió los oidos a una serie de emociones difíciles de explicar a quienes no han escuchado este disco o a Marsen Jules en general. No solo usa su laptop y un teclado, sino que también lo acompañan un cuarteto de cuerdas quienes se encargan de aumentar el sentido emocional de cada una de sus piezas. Increíble!!
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Kurr
Has de cuenta Sigur Rós, también son de Islandia y su propuesta pffffff te «lleva» al primer contacto con tus oídos.
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la vida sin musica es una mierda 