Arvo Pärt

16 noviembre 2009 at 16:55 (minimalismo) ()

3483469215_41109b7db5_b

De Profundis, Seven Magnificat Antiphones, Magnificat y Beatitudes

Arvo Pärt es otro de los compositores minimalistas mas importantes, lo conocí gracias a la talentosísima soprano mexicana Sheila López, me recomendó escuchar su Spiegel im Spiegel y desde entonces estoy muy agradecido de haber conocido a tan talentosa y bella mujer. La obra de Arvo Pärt se le suele clasificar en varios periodos pero todas siempre tienen el propósito de tocar la parte humana que no podemos explicar, llámese espíritu, alma o mente.

Las obras del disco son:

De Profundis es un trabajo magnífico para coro de voces masculinas, es decir tenor, contra-tenor, barítono y grave, también para órgano y precusión. La terminó en 1980 y algunos textos están cantados en latín, basados en algunos salmos bíblicos; al ver los nombres de cada sección nos damos cuenta que se trata de una misa ya que tiene partes como el Kyrie que es algo así como Gloria a Dios, Gloria, Credo etc. Para Arvo Pärt, la voz humana es el instrumento perfecto y en esta obra la música recuerda mucho a la música coral medieval y renacentista pero con la bella intervención del minimalismo (y las características que mencionábamos en el post anterior), este estilo medievalón cuasi-minimalista fue llamado por Pärt como “tintinnabuli” y se basa en que una voz canta tres notas de algún acorde de preferencia mayor y la otra voz se mueve de manera diatónica creando un efecto musical de velocidad lenta y al igual que las obras de Reich al final se acomodan en una sola linea.

Seven Magnificat Antiphons se terminó en 1988, está cantada en alemán; es considerada como una de las obras maestras de Tintinnabuli, esta obra también es coral y está basada en los rezos llamados Antiphons de la liturgia Cristiana, estos rezos creo que se hacen dias antes de la pascua en las horas de la tarde o algo así la neta no estoy muy enterado de los rituales cristianos ortodoxos. La obra coral es exquisita y sorprendentemente cálida, el color que nace de la música de esta obra provoca un estado de atemporalidad debido a que al fondo se utiliza una base drone, es decir una nota que se mantiene a lo largo de toda la pieza y que sirve como referencia tonal para los demás instrumentos, en este caso las demás voces del coro.

Magnificat es parecida a la anterior pero es otra obra, también hace uso de drones (en Sol y en Do) y es para coro mixto. Está cantada en latín y está basada en textos de salmos de los que tampoco tengo idea de que hablan; tiene un color un poco mas oscuro pero en el sentido misterioso o al menos eso me provoca, sin embargo sigue siendo de esas obras cuya finalidad es poner al escucha en un estado de no-tiempo en la búsqueda de tranquilidad espiritual.

Beatitudes es para coro o  solistas y órgano, la terminó en 1990 y está cantada en inglés, basada en los textos bíblicos de San Mateo 5, 3-12. Las beatitudes son las bendiciones que supuestamente Cristo le dió a sus discípulos en “El sermón de la montaña” de Mateo y “El sermón de la montaña” de Lucas; básicamente habla de lo que pasará con la gente buena onda después de que mueran, dice que:

* Para el pobre, de él será el reino de los cielos

* Para los que sufren, serán confortados

* Al hambriento, lo van a llevar al McDonalds del cielo

* Y a los que fueron perseguidos o ejecutados por buscar causas justas, también se les entregará el reino de los cielos.

Supongo que estos últimos y los pobres van a entrar en conflicto cuando vean que van a tener que compartir su premio.

Permalink 2 comentarios

Steve Reich

16 noviembre 2009 at 1:34 (minimalismo) ()

Steve+Reich+reich3

 

Vol. I de su boxset titulado “EARLY WORKS”

 

Steve Reich se está convirtiendo en uno de mis idolazos, de hecho la música minimalista rápidamente se ganó mi corazón cuando escuché poquito de la obra de Arvo Pärt y con la hermosa Sinfonía no. 3 de Gorecki, sin embargo las raices de estos compositores se encuentran en las obras de un grupo de compositores estadounidenses que en los años 60 comenzaron el movimiento musical conocido como minimalismo, basado en las mismas estructuras del minimalismo arquitectónico pero aplicado en la música, es decir música que carece de elementos ornamentales complejos, la obra “In C” (es decir En Do) de Terry Riley es considerada como la primera obra musical minimalista, las características principales del minimalismo son:

* Repetición, loop o secuencia

* Suma de elementos sonoros en el desarrollo de la obra, se agregan gradualmente

* Casi nulo movimiento armónico

* Ecstasys o punto cumbre.

Steve Reich nació el 3 de octubre (dia de San Gerardo xD) de 1936 en Nueva York, sus padres se divorciaron y pasó mucho tiempo entre Nueva York y California; a los 14 años comenzó a estudiar música académica después de escuchar música del periodo barroco y periodos anteriores, así como música del siglo XX, después estudió percusiones con Roland Kohloff con el propósito de tocar Jazz, después estudió en la universidad de Cornell y se graduó en Filosofía. Un año después estudió composición de manera privada con Hall Overton y después entró a Juilliard para trabajar con William Bergskma y Vincent Persichetti, después asistió al colegio de Mills en Oakland California, donde estudió con los mismísimos Luciano Berio y Darius Milhaud, este último integrante del famoso grupo de los Seis de Francia (creado por Erik Satie) y ganó su maestría en composición. Su obra es parte fundamental del minimalismo junto con Terry Riley, Phillip Glass, John Adams, Arvo Pärt y Henryk Gorecki, también son considerados minimalistas en cierto nivel Cartel Burmwell y Yann Tiersen (wtf).

El disco contiene:

Come out (1966). De los famosos “experimentos” con cintas magnéticas y discuros, sale el enigmático Come Out. Se dice que este trabajo se le encargó a Reich para interpretarse en una especie de fiesta que se llevó a cabo debido al juicio que se “re-realizó” al grupo llamado “Los seis de Harlem”, seis muchachos acusados de asesinato en los disturbios de Harlem de los cuales solo uno había sido culpable. Se le encargó a Reich la obra y se le dió absoluta libertad creativa, Truman Nelson fue el que encargó la obra y le entregó a Reich una serie de cintas que contenían grabaciones de los testimonios de los muchachos implicados en el juicio.

Utilizó la cinta de Daniel Hamm, uno de los involucrados e inocente, en la cinta Hamm dice “i had to like, open up the bruise and let some of the blood bruise come out to show them” refiriéndose a que tuvo que herirse a sí mismo un poco para que los policías le brindaran atención médica, la cual le querían negar alegando que sus heridas no parecían lo suficientemente profundas; Reich re-grabó la parte que dice “come out to show them” y las toca al unísono al principio y poco a poco se van desfasando (toque característico de la música de Reich en su primera etapa), lentamente las dos voces se convierten en una especie de efecto reverb como de doble eco, después en algo así como un canon, después las dos voces se convierten en cuatro dejando un mensaje incomprensible solo con el ritmo y el tono de la voz.

Piano phase (1967). Esta obra es para dos pianos pero también puede tocarse en dos marimbas. Esta obra es el primer intento de Reich de utilizar su técnica de “doble faseo” de sus obras Come out y de It’s Gonna Rain pero esta vez aplicado en los instrumentos en vivo, los trabajos de faseo de Reich generalmente tienen dos lineas musicales idénticas las cuales empiezan tocando al mismo tiempo y de manera sincronizada, pero lentamente se desfasan cuando una toca ligeramente mas rápido que la otra. En esta obra tiene a dos pianistas tocando la misma secuencia y al poco tiempo uno toca mas rápido de manera que cuando el primero toca la primera nota el segundo pianista está tocando la cuarta o segunda nota y después se regresa a la velocidad anterior, logrando un extraño efecto musical. Después de hacer distintas variaciones de la dinámica anterior, ambos pianistas terminan al unísono.

It’s Gonna Rain (1965). La misma idea que Come Out, la fuente de It’s Gonna Rain es un discurso de un predicador religioso afroamericano llamado Brother Walter, en el que habla acerca del apocalipsis. Ese discurso fue grabado en San Francisco en el Union Square; la obra empieza con la historia de Noé y las repeticiones comienzan cuando dice “it’s gonna rain”, según leí por ahí dicen que este descubrimiento surgió debido a las fallas tecnológicas de aquella época ya que Steve Reich usó dos grabadoras Wollensak con la misma grabación, una de ellas perdió sincronía con la otra y Reich empezó a experimentar con los diferentes cambios de faseo y al final las alineó de nuevo, como podemos ver por las fechas un año mas tarde realizó Come Out.

Four Organs (1970). Para cuatro órganos electrónicos y maracas, los cuatro órganos exponen un acorde de Re, Mi, Fa#, Sol#, La y Si con un La de bajo, después poco a poco se va diseccionando el acorde y la duración del mismo aumenta poco a poco, empezando en algo parecido a un compás de 1/8.

La música minimalista tiene otros matices que apreciar, un buen maestro y amigo me dijo que para apreciar la música en su totalidad primero tenemos que escucharla sin utilizar los juicios de valor que le damos a la música que ya nos gusta con anterioridad, el minimalismo es música de nuestro tiempo y es muy atacada por su aparente falta de sentido, sus elementos como la repetición son considerados aburridos y nefastos, sin embargo te invito a que le eches una escuchada ya que los siguientes trabajos que iré publicando con el paso del tiempo están basados en estas primeras obras de Reich, trabajos como el de John Adams o el de Phillip Glass, incluso las magníficas obras de Arvo Pärt y Hénryk Gorecki.

Permalink Dejar un comentario

:O

7 noviembre 2009 at 23:26 (Uncategorized)

Como lo habrás notado ha pasado algo de tiempo desde la última publicación, en este momento estoy haciendo una lista de los 100 discos que mas me gustaron de la década comprendida entre el 2000 y el 2009, por lo que me ha faltado tiempo de compartir por acá pero mañana pondré mucha mas música minimalista y un poco de nacionalismo, y romanticismo :D

Permalink Dejar un comentario

Modest Petróvich Mussorgsky

20 octubre 2009 at 3:01 (nacionalismo, piano) ()

mussorgsky

Cuadros de una exposición

Tenía un chiiiiiiiiiiiiiingo sin publicar discos peeeeero me he encontrado con mucha mucha mucha mucha música que estoy ansioso de compartir y dialogar con ustedes. Hace algún tiempo atrás hablamos del nacionalismo y de su inicio en Rusia con el grupo de los cinco, pues bien, Mussorgsky es uno de esos cinco.

Nació el 21 de marzo de 1839 y murió el 28 de marzo de 1881, su obra mas famosa es la ópera Boris Godunov, sin embargo otras de sus obras se han convertido en composiciones famosas a lo largo de los años, en especial esta, los cuadros de una exposición.

La historia del por qué las compuso está bien bonita, se dice que en febrero de 1874 Mussorgsky asistió a una exposición de obras de su difunto amigo Victor Hartmann, un pintor célebre que murió a la edad de 34 años en 1873. Los dos había desarrollado una amistad basada en el interés que ambos tenían en crear arte basado en el folclor e historia rusos, es decir los dos tenían mentalidad nacionalista y para entender un poco mas acerca de esto tendríamos que revisar la basta historia de Rusia, no conozco mucho pero solo se que el nacionalismo se dió en gran parte como movimiento político en oposición al Zar que no recuerdo su nombre, ese guey AMABA la influencia de Europa occidental en específico de Francia y su arte, por lo que los artistas nacionalistas comenzaron a notar la falta de festejo hacia su propio sentido nacional y su obra se enfocó a acentuar su historia a través de celebraciones artísticas y, en este caso, composiciones musicales. Pronto se extendió por todo el mundo y es bastaaaaaaaaante interesante lo que ocurre en el nacionalismo de cada país.

En fín, volviendo a los cuadros de una exposición, se supone que cada movimiento de la obra representa uno de los cuadros de la exposición, hay un movimiento que se llama Promenade que se repite en cinco ocasiones y según eso ese movimiento representa al observador caminando de un cuadro a otro, se me hace muy curioso porque todas las veces que se repite es la misma frase musical pero en algunas ocasiones es mas rápida en otras es mas lenta y creo que cambia de tonalidad pero de eso no estoy muy seguro. Los movimientos son:

Gnomus: Era un bosquejo de Hartmann con un “cascanueces” con cara como de diablito con cáscaras de nuez en su boca. Desgraciadamente el diseño original desde hace mucho se perdió y nunca he visto fotitos ni nada de ese bosquejo.

The Old Castle: Está tiene un detalle muy curioso, porque parece dar la impresión de no solo estar viendo la pintura sino también estar dentro del castillo con alguien haciendo música al fondo o en una habitación siguiente. Como su nombre original está en italiano (Vecchio Castello) supongo que el castillo en la pintura era uno de dicho país.

Tuileres: Esta pintura tenía a unos niños jugando en los jardines de Tuileres en Paris. Se supone que mas que jugando, los niños estaban discutiendo algo después de un juego.

Bydlo: Es una palabra polaca que significa “ganado”, según dicen Hartmann pasó un mes en Polonia y dibujó muchos viñedos y esta pintura representaba un arado jalado por burros en un paisaje un tanto lodoso.

Ballet of the chicks in their shells: Esta pintura representa unos como pollitos tratando de salir de sus “prisiones-cascarones”.

Two Polish Jews, one rich and the other poor: Está es muuuy representativa ya que tiene dos temas musicales, uno muy pomposo y lento, como decimos en mi casa “Muy farolón”, y el otro a base de corcheas en 3 representando al pobre.

Limoges, the market place: Hartmann pasó algún tiempo en Limoges, Francia, donde pintó mucho, alrededor de 150 pinturas, casi todas enfocadas en la catedral de Limoges pero también algunas en el mercado, según dicen la imagen que representa este movimiento tenía a unas mujeres chismorreando en la plaza principal cerca del mercado.

Tiene otros tres movimientos, Catacombs, The Hut on fowl’s legs y The Great Gate of Kiev, pero para hacerlo mas interesante escúchalos y dame tu opinión de ellos. Ah por cierto son para piano, pero Maurice Ravel le hizo una orquestación exquisita a toda la obra y ya la conseguí :D

Permalink 6 comentarios

Stan Getz & João Gilberto

4 octubre 2009 at 1:05 (jazz) (, )

Getz-gilberto

Getz/Gilberto

Este disco es legendario por si solo, es el disco de jazz que mas tiempo permaneció en las listas de popularidad mundiales y el que mas copias vendió, unió a grandes personalidades del jazz y de la bossa nova como Stan Getz, João Gilberto, Astrud Gilberto y Antonio Carlos Jobim.

Alrededor de 1964 Stan Getz contacta a João Gilberto para unir fuerzas creativas, Gilberto es uno de los principales precursores de la samba y la bossa nova como la conocemos hoy, también contactaron al célebre compositor Antonio Carlos “Tom” Jobim quien a su vez también comparte el trono con Gilberto en cuanto al “padrinazgo” del género. Los trabajos de saxofón en el jazz de Getz ya lo habían llevado a trabajar con la samba en otras ocasiones, sin embargo este disco propulsó la popularidad de la samba a nivel internacional y los hizo acreedores de 3 grammys.

Agregándole un aire de sensualidad, Astrud Gilberto (en ese entonces esposa de João Gilberto) cantó en las famosísimas Girl From Ipanema y Corcovado. Además participó Sebastião Neto en el bajo y Milton Banana (AJJAJAJAJA) en las percusiones.

Por todos lados te puedes encontrar con este disco y reseñas del mismo que digan “ESENCIAL”, opino exáctamente lo mismo. Hasta el dia de hoy, le he prestado este disco a casi todos mis amigos, todos con gustos musicales bastante diferentes, y sieeeeeeeeeeeeeeeeeeempre les gusta a todos; es como el Sgt. Pepper’s Lonely hearts club band de la Bossa nova y la samba actual, creo que desde el compás, las escalas y la instrumentación, pasando por el registro de voz, son cosas que heredaron a las generaciones que le siguieron.

Y por algo sobrevive a nuestros dias

Permalink 1 comentario

Penguin Cafe Orchestra

29 septiembre 2009 at 23:23 (contemporaneo, experimental) ()

MusicFromThePenguinCafe(AlbumCover)

(no son mexicanos pero me gustó mucho)

Music From the Penguin Cafe

Nunca me había encontrado un grupo cuya música fuera tan difícil de comparar y categorizar, siempre hay una o dos tres bandas que me recuerdan a otras en cuanto las escucho pero el caso del Penguin Cafe Orchestra me tomó mucho tiempo tratar de encontrar algo similar ya que me parece que nunca había escuchado algo tal cual la propuesta de esta banda.

Su fundación se dió en el año 1972 en la mente del músico, guitarrista, compositor y arreglista Simon Jeffes de Crawley, Sussex en Inglaterra nacido en el año 1949 y falleció en 1997. Su formación musical se dió con la guitarra clásica y el piano, así como el estudio de teoría musical en Chiswick Polythecnic, tenía la intención de estudiar música académica pero sintió que no era su rama por lo que decidió embarcarse en aprender y tocar música por sus propios métodos y durante su carrera escolar conoció a Helen Liebmann una chelista que se convirtió en la cofundadora del Penguin Cafe Orchestra y quien también ha hecho trabajos de investigación en el terreno de la terapia musical.

Durante la existencia de la banda Jeffes y Liebmann fueron los miembros base y tuvieron muchísimos colaboradores y acompañantes en vivo y en el estudio; el inició de la banda surgió después de que Jeffes comió pescado pasado y mientras estuvo enfermo tuvo una “visión” (o alucinación) recurrente en la que veía un edificio con diversos personajes que le transmitían una vida “sin corazón ni sentimientos” y bueeeeno la historia está muy pacheca y no le entiendo muy bien (vease su página penguincafe.com).

Esta belleza que pongo en tus manos y oidos es su primer disco, el productor ejecutivo (o el del dinero) fue nada mas y nada menos que el mismísimo legendario BRIAN ENO y los metió a su sello experimental llamado Obscure, una pequeña división de E.G. (King Crimson, T. Rex, Roxy Music). Me ha costado mucho trabajo tratar de definir a que se parece esta música o ponerle una etiqueta, para empezar se trata de algo parecido a una orquesta de cámara con violines, violas, chelos y contrabajos, en algunos tracks aparece el clavecín, también tiene guitarra y bajos eléctricos, guitarras acústicas, algunas intervenciones vocales ocasionales cortesía de Emily Young, un ukelele, un piano eléctrico, participaron los miembros originales del PCO: Simon Jeffes, Helen Leibmann, Steve Nye y Gavin Wright, junto con la mencionada Emily Young y Neils Rennie.

Me recuerda muchísimo al trabajo de muchas bandas de Constellation records en específico A Silver Mt. Zion y Godspeed You! Black Emperor, la gran diferencia es que aquí trabajan con un enfoque mas orientado a la experimentación y a la creación de música “como de cámara” y no tienen una filosofía tan “expresionista” o pesimista como las dos bandas mencionadas.

Está bien loco el disco, tiene una canción muuuuuy intensa que me produce sentimientos encontrados llamada “The sound of someone you love who’s going away and it doesn’t matter” pero creo que es la única con la capacidad de hacer llorar de todo el catálogo del Penguin Cafe Orchestra, todas las demás canciones suenan muy alegres e igual de interesantes. La curiosa Zopf está dividida en siete movimentos y cada uno es tan diferente del otro como la noche del dia, incluso hay una que suena bastaaaaaante a música mexicana. Este disco es un Epic Win!!

Permalink Dejar un comentario

Carlos Chávez

18 septiembre 2009 at 14:00 (mexicana, nacionalismo)

Carlos Chavez

Xochipilli, Suite para cuarteto doble, Tambuco, Energía y Toccata

Hace como dos mil años que no publico nada y es uno de los meses mas importantes jojojo hoy no fui a trabajar porque ayer me chingué unas burrias de champiñón y me mantuvieron en estado zombie desde ayer.

Carlos Chávez fue uno de los músicos / compositores mexicanos que impulsaron el movimiento nacionalista, no se mucho de su vida y en la escuela apenas vamos a ver música del siglo XX y estoy en contra de usar información de wikipedia, así que lo poco que se de Carlos Chávez es que nació el 13 de junio de 1899 y falleció el 2 de agosto de 1978, de entre sus maestros destaca Manuel M. Ponce, también fue periodista y esto le ayudó a expresar sus opiniones a manera de columnas, fundó o formó parte de la fundación de la Orquesta Sinfónica de México, fue de los primeros músicos en hablar acerca de la música electrónica en un texto que escribió en Nueva York, fue director de orquesta e incluso dirigió una que Arturo Toscanini era el director principal.

En este disco vienen sus obras Xochipilli, Suite para doble Cuareto, Tambuco, Energía y Toccata. Estas obras son como una “hipótesis” de como sería la música de nuestras naciones pre-invasión española, obviamente traducidas en el lenguaje de la música europea; estas hipótesis acerca de la música han llegado a la conclusión de que hay dos grandes categorías de la música de nuestro continente pre-colombinas: música para festivales sagrados y música con una carga poética-lírica enfocadas al placer del observador o escucha.

Xochipilli es una obra estilo concierto que nos lleva dentro de la mente de Carlos Chávez hacia lo que él mismo considera música Azteca sagrada, la obra que mas me gusta de este disco es la toccata para ensamble de percusión, creo que el objetivo de esta obra es encontrar la historia escondida en la percusión porque según varios estudios de sociología en México se ha intentado demostrar que el sonido de tambores nos activa ciertas zonas cerebrales como resultado de algún tipo de instinto histórico escondido en la mezcla de sangre que tenemos los mexicanos de hoy.

Bueno, sigo enfermo y ya me enfadé de escribir, viva México :D

Permalink 1 comentario

Parece que la cagué xD

6 septiembre 2009 at 18:45 (ey ya te digo)

Jejejeje pues resulta que en los dos últimos post tenía al revés los enlaces para el disco, es decir en el de “Música del Virreinato” puse el disco “Música indígena de México” y viceversa, pero ya lo corregí, jejeje.

Permalink Dejar un comentario

Música Indígena de México

6 septiembre 2009 at 18:34 (mexicana, regional)

música indígena de méxico (mapa)

Música indígena de México

Hace algún tiempo una amiga me regaló este disco que es el producto de una gran labor de parte del INAH, realizaron la producción de algunos discos recopilatorios de la música indígena que ha sobrevivido a nuestros dias. Obviamente no se abarca todas las disciplinas de esta música, las naciones indígenas utilizaban música para un sin fín de eventos desde religiosos hasta recreativos, al paso del tiempo y con la nefasta conquista se agregó el uso de escalas y escritura europea, los instrumentos también jugaron un papel determinante en el sonido mexicano ya que adoptamos como nuestros el violín, la guitarra y el famosísimo tololoche, una variación del contrabajo europeo.

El disco viene con un texto que también incluí en el archivo Rar que dice:

Se presenta una muestra de la música y danza practicada por
15 distintos grupos indígenas del país.
Si bien vale la pena una aclaración: bajo el rubro de
“música indígena” existen multitud de estilos, de propósitos
y de tradiciones históricas.
Un objetivo de este fonograma es hacer evidentes los elementos
comunes y las sustanciales diferencias de la música seleccionada.
Otro objetivo es hacer que el escucha se acerque a una porción
del patrimonio musical y dancístico indígena que está como se sabe,
indisolublemente asociado a las prácticas religiosas.

El disco tiene música de las culturas Zapoteca, Nahua, Mixteco de la Costa, Totonacas, Huirraricas (conocidos como Huicholes también), entre otros. El mapa de arriba muestra las zonas de donde se encuentran dichas regiones indígenas.

La de los huirraricas está bieeeeeen locochona, suena muy parecido a la música del ritual del peyote. VIVA MÉXICOOOOOOOOOOU

Permalink Dejar un comentario

Música del Virreinato de Nueva España

5 septiembre 2009 at 17:43 (barroco, mexicana) (, , , , , , , , )

Front

Volúmen 5 (mediafire)

Pues ya es septiembre, el mes de fiestas patrias en México, uno de los paises mas chingones de todo el mundo y la cuna de la conquista española en América +_+. La llegada de los españoles marcó el fin de toda una larga historia de naciones cuya tecnología y cultura fue destruida y masacrada por la horda de conquistadores, a pesar de esto lo que México es hoy se lo debemos al encontronazo entre ambos mundos y las innumerables luchas que se dieron en los años posteriores.

Leer libros de historia es muy engañoso ya que (citando a mi maestra de sexto de primaria) “El que gana es el que escribe la historia”, la objetividad en muchas ocasiones es nula y es muy difícil tener una idea exacta de como era la vida en tiempos de la colonia. Pero no todo está perdido, quizás la máquina del tiempo mas confiable la encontramos en el arte, todas las obras tienen un alto contenido histórico y nos muestran como era la vida en aquellos dias y como la veían sus autores, esto nos regresa al tema de la subjetividad pero tenemos la ventaja de que los artistas no siempre hacían esto de manera consciente, ellos solo querían interpretar lo que veían y eso nos acerca un poco mas a la realidad.

La música de mi pais está olvidada por nostros mismos, los mexicanos que solo nos acordamos de ser mexicanos en dias como hoy que juega la selección de fútbol (VAMOS MEXICOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOO) y poco nos interesa nuestra propia historia, quizás por eso siempre cometemos los mismos errores. A veces pienso que el México colonial que nos presentan en  los libros de texto dista mucho del que en realidad ocurrió, ni el oro era tan brillante ni la mierda tan apestosa, prueba de eso está en la música de esta época mexicana.

Es necesario resaltar que muchos de los compositores eran criollos o españoles que viajaron al recién descubierto continente a probar suerte o a “evangelizar” gente, por lo que básicamente nos invadieron con su arte también y poco a poco suprimieron las expresiones artísticas que ya existían antes de que vinieran a chingar. La verdadera conquista de América vino después de 1525, cuando nos impusieron su religión, su arte, sus enfermedades, su filosofía racista y sus costumbres, cuando nos convencieron que los extranjeros son mas importantes que nuestros compatriotas, cuando nos convencieron que nuestras creencias eran bárbaras, cuando les creimos que eran nuestros dueños.

En este disco viene mucha música que aún se encuentra en las catedrales de Puebla, México y Oaxaca. Suena mucho a la música medieval europea con algunos tintazos de renacimiento, aquí es donde encontré la música de Don Juan de Lienas el que es probablemente el primer músico nacido en territorio mexicano después de la conquista de América.

Como es mes patrio, intentaré subir música de compositores mexicanos. Viva México.

Permalink 7 comentarios

Frédéric Chopin

31 agosto 2009 at 10:19 (piano, Romanticismo) ()

chopin12

Concierto para piano y orquesta no. 2 op. 21 en fa menor y 24 preludios op. 28

Frédéric Chopin, nacido en Zelazowa Wola, Polonia, el 1 de marzo de 1810, fallecido en París el 17 de octubre de 1849. Su casa donde pasó su infancia estaba a unos 60 kilómetros de Varsovia, su padre era Nicholas Chopin quien era francés con ancestros polacos y era maestro de francés y literatura francesa, su madre fue Tekla Justyna Kryzanowska provenía de la nobleza polaca. Poco después tuvieron que trasladarse a Varsovia porque a Nicolás le ofrecieron trabajo como profesor de francés en el Liceo de Varsovia.

Frédéric tenía tres hermanas mayores, Ludwika, Izabella y Emilia, la hermana mayor fue su primera maestra de piano, después notaron que tenía mucho talento y lo inscribieron con el maestro Wojciech Zywny.

Poco después escribió su primer trabajo, una polonesa en sol mayor. Bueno su biografía es muy extensa y tengo mucha hueva, a grandes rasgos su carrera se vió eclipsada pero a la vez beneficiada por los constantes conflictos bélicos en la Europa del siglo XIX y su salud siempre fue frágil, desde que abandonó Polonia jamás volvió a pisar suelo polaco y vivió casi todo el tiempo en París, curiosamente se dice que fue el mismo pueblo polaco quien juntó el dinero necesario para sacarlo del país antes que estallaran los conflictos.

La obra de Chopin es el Romanticismo en su máximo esplendor, aunque solo escribió obras para piano tiene dos conciertos para piano y orquesta, su obra también antecede al nacionalismo que poco tiempo después fue el fervor de la música. Como datos curiosos, no le gustaba tocar para grandes audiencias y prefería tocar para gente que estudiara música o para grandes pianistas, algo curioso ya que a las grandes masas era mas fácil “engañar” que tocar para puros tijeritas. También se dice que su música, en específico sus polonesas, llenaron de valor a los polacos un siglo después en los levantamientos armados contra la invasión nazi.

El concierto para piano no. 2 en realidad es el primero que escribió pero el segundo en publicarse, por eso se le quedó la numeración dos. Consiste de tres movimientos: Maestoso, Larghetto y Allegro Vivace, este concierto es el mas “famoso” de sus dos conciertos para piano porque pareciera que se inclina mas a seguir sus instintos desde el primer movimiento y no caer en la “trampa” de estructurar los otros dos a medida del primero; sin embargo me dijeron que Chopin no era muy bueno para orquestar y por eso se dedicó a obras para piano únicamente, incluso hay rumores que sus amigos le ayudaban a terminar sus orquestaciones.

Los preludios son piezas musicales breves, que por lo general sirven de introducción a movimientos mas complejos y mas largos, su origen se dió cuando al nombre “preludio” se le adjudicaba a las pequeñas improvisaciones que hacían los músicos para comprobar que sus instrumentos estuvieran afinados, después se escribieron varios también de carácter improvisacional como introducción a grandes obras, después Johann Sebastián Bach escribió el monumental “clave bien temperado” y las formas de preludio y fuga alcanzan su máxima cumbre.

Los preludios para piano de Chopin se encuentran catalogados en el Op. 28 y el Op. 45, y otro de ellos es póstumo. Este disco trae los del Op. 28, son piezas breves de entre treinta segundos hasta cinco minutos de duración, y cada uno está escrito en una tonalidad distinta.

Los compuso entre 1835 y 1839, el último año lo pasó en Mallorca en una isla supuestamente para evitar el invierno parisino, sin embargo el frío les llegó pesado y para acabarla de chingar el piano de Chopin llegó muy tarde y tuvo que usar uno todo madreado parecido al mio jajajaja. Se publicaron en 1839 y empezó un debate bien ñoño acerca de la controversial estructura de los preludios, se les consideraban muy cortos y hubo quienes los llamaron solo “bosquejos” de un trabajo a medias; ahora sabemos que estos preludios eran trabajos completos por si solos y que cada uno opera como un envase emocional de la situación de Chopin y por esta característica no se les puede considerar Preludios como tales, sino que marcaron un cambio significativo en esta forma musical ya que dejaron de ser trabajos introductorios a obras y los convirtió en trabajos terminados por sí mismos. Y bastante difíciles.

Permalink 1 comentario

Ludwig Van Beethoven

30 agosto 2009 at 10:00 (clasico, Romanticismo) ()

beethoven

Oberturas de Beethoven (rapidshare)

Beethoven solo compuso una ópera, Fidelio, la que hace algunos ayeres puse por acá, pues bueno la obertura de esa ópera tuvo cuatro versiones, tres Leonoras y un Fidelio jeje,  ya que con el paso del tiempo y las exigencias del público Beethoven tuvo que modificarla y de manera curiosa algunas versiones solo se tocaban en ciertas regiones de Europa, algo parecido a lo que Mozart hacía con muchas de sus composiciones al hacerlas “a la medida” tanto de los músicos como del público cuando las circunstancias así lo pedían.

Sus otras oberturas son Prometeo op. 43, Coriolanus op. 62, la gloriosa Egmont op. 84, Las ruinas de Atenas op. 113 y Onomastica op. 115, cada una cargada de dramatismo, energía Beethovenesca, gloriosos estruendos, belleza, poesía auditiva, heroismo.

Prometeo. Es la obertura del Ballet del mismo nombre, se interpretó por primera vez en 1801 en en el teatro imperial de Hof, Vienna; está hecha de creo tres movimientos unidos, creo que son un Adagio y dos Allegros.

Las ruinas de Athenas. Esta obertura fue escrita en 1811 para la inauguración del teatro de Pesth en Alemania, tiene como fuente literaria el trabajo de Kotzebue llamado “el vuelo de Bela” que creo es como un relato de la vida de un rey de Hungría. La tocaron el 9 febrero de 1812 y para celebrar la tendencia de ese tiempo, Beethoven hizo algunas modificaciones características de la música Grecorromana.

Corolianus. Escrita en 1807 y estructurada para convertirla en la introducción de “La tragedia de Collin” de 1802, tuvo un “éxito taquillero” espectacular, tiene una temática de heroismo y circula en la historia de una consciencia partida en pedazos.

Egmont. Fue (por cierto ¿”fué” lleva acento?”) escrita en 1810 y forma parte de la puesta en escena de la tragedia de Goethe que lleva el mismo nombre. Esta es una de mis composiciones favoritas de Beethoven y es considerada una de sus obras mas chingonas y ricas en imágenes de esas que empiezan con sonidos y nos proponen escenas; la parte de la introducción tiene la forma de un baile español lento y simboliza a los invasores españoles, después evoluciona para representar al pueblo conquistado.

La obra de Goethe está cargada de los ideales que movían a Beethoven, relata la pelea del guerrero belga Conde Egmont (1522 – 1568) contra el invasor español Duque de Alba. A pesar de estar bajo amenaza de arresto si no cumplía las órdenes, Egmont decide no escapar y mantener sus ideales de libertad, sus maricas compatriotas huyen y Egmont se convierte en prisionero y es condenado a muerte a pesar de los esfuerzos de su “amiguilla” Klärchen, quien se ve cara a cara con su fracaso y decepción y se suicida. La obra termina con Egmont llamando a la lucha por la independencia por última vez antes de morir, y su muerte como mártir se vuelve una victoria contra la opresión.

Onomastica. Es la única obertura de Beethoven que no fue escrita para el teatro, de hecho no fue escrita para ninguna ocasión en específico, Beethoven le puso título y dijo “es adaptable para cualquier circunstancia y apropiada para tocarse en conciertos”.

Permalink Dejar un comentario

Fernando de la Mora

29 agosto 2009 at 10:03 (mexicana, tenor) ()

mora

Amor Eterno

Fernando De La Mora es un tenor mexicano que se ha encargado de reinventar muchos clásicos de la música mexicana. Para empezar las canciones del disco están chingonsísimas, el resultado de la intervención de Fernando de la Mora fueron 17 canciones orgásmicas que solo falta que les prendan unas velitas para canonizarlas.

pFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFF discazo!!! Me gustó mucho porque no suena a esas transcripciones de música mexicana que terminan sonando a música europea, el toque nacional quedó impregnado del talento del tenor. BRAVOOOOOOOOOOO!! Por cierto estará en tierras Jalisciences en el festival este de mariachis y eso. Iría pero está muy caro :(

Permalink 1 comentario

Varios

28 agosto 2009 at 16:31 (barroco, clasico, piano, Romanticismo) (, , , , , , , , , , , )

for elise

Für Elise, my first recital

Este disco está bien chido, es una selección de varias composiciones para piano de diversos composistores del barroco, clásico y romántico en su mayoría. Por la portada parece un disco inocente y como “para aficionados” pero al ver los intérpretes de las obras pfffffffff me quito el sombrero para el que juntó a todos esos pianistas, desde Marta Argerich hasta Willhelm Kempf y Daniel Barenboim; otro punto a favor de este disco es que tiene muchas obras que ya había escuchado antes pero no sabía quien era el autor. Las obras que contiene son:

Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Bagatelle in A minor, WoO 59 -“Für Elise”
1) Poco moto [4:03]
interpretada por Anatol Ugorski

Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
2) Prelude and Fugue in C (WTK, Book I, No.1), BWV 846 [3:26]
interpretada por Wilhelm Kempff


Felix Mendelssohn (1809 – 1847)

Lieder ohne Worte, Op.62

3) No. 6 Andante grazioso in A “Spring Song” [2:08]

interpretada por Daniel Barenboim

Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Piano Sonata No.14 in C sharp minor, Op.27 No.2 -“Moonlight”
4) 1. Adagio sostenuto [6:01]
interpretada por Wilhelm Kempff

Robert Schumann (1810 – 1856)
Kinderszenen, Op.15
5) 1. Von fremden Ländern und Menschen [1:51]
6) 7. Träumerei [2:59]
interpretada por Martha Argerich


Waldszenen, Op.82
7) 7. Vogel als Prophet [2:57]
interpretada por Maria João Pires

Claude Debussy (1862 – 1918)
Suite bergamasque
8) 3. Clair de lune [5:08] $ 1.29
interpretada por Alexis Weissenberg

Frédéric Chopin (1810 – 1849)
12 Etudes, Op.10
9) No. 3 in E “Tristesse” [3:59]
interpretada por Tamás Vásáry

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Piano Sonata No.11 in A, K.331 -“Alla Turca”
10) 3. Alla Turca (Allegretto) [3:41]
interpretada por Maria João Pires

Franz Liszt (1811 – 1886)
Liebestraum No.3 in A flat, S.541 No.3
nach einem Gedicht von Ferdinand Freiligrath
11) Notturno III: O lieb, so lang du lieben kannst Poco Allegro, con affetto [4:35]
interpretada por Daniel Barenboim

Georges Bizet (1838 – 1875)
Jeux d’enfants, Op.22
12) 6. Trompette et tambour [2:07]
13) 2. La toupie [0:57]
14) 12. Le bal [1:39]
interpretadas por Alfons Kontarsky, Aloys Kontarsky

Johannes Brahms (1833 – 1897)
16 Waltzes, Op.39
15) 15. in A flat [1:41]
interpretadas por Aloys Kontarsky, Alfons Kontarsky

Claude Debussy (1862 – 1918)
Children’s Corner
16) 1. Doctor Gradus ad Parnassum [1:49]
interpretada por Alexis Weissenberg

Franz Schubert (1797 – 1828)
4 Impromptus, Op.90, D.899
17) No.2 in E flat: Allegro [4:39]
interpretada por Daniel Barenboim

Frédéric Chopin (1810 – 1849)
18) Waltz No.6 in D flat, Op.64 No.1 -“Minute” [1:53]
interpretada por Jean-Marc Luisada

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
19) 12 Variations in C, K.265 on “Ah, vous dirai-je Maman” [7:47]
interpretada por Clara Haskil

Edvard Grieg (1843 – 1907)
Lyric Pieces, op.57
20) 6. Heimweh [4:19]
interpretada por Emil Gilels

Permalink Dejar un comentario

Magdalena Kozena

27 agosto 2009 at 10:00 (Arias, opera) ()

magdalena

French Arias

Ayer tuve uno de esos dias, fue un dia muy estresante en el trabajo por lo que decidí disminuir el estrés que sentía y puse este disco en la oficina, todo iba bien hasta que el neanderthal que tengo como patrón grita a lo largo de la oficina: “QUITEN ESA CHINGADERAAAAAAAAAAAAAAAAAAA”.

Yo se que cada cabeza es un mundo y todos tenemos derecho a una opinión en absolutamente todos los temas, y tenemos derecho a que se nos respete esa opinión y estar libres de juicios morales. Pero en ese preciso momento me di cuenta que mi patrón es un guey bieeeeeeeeeeeeeeeen pendejo, se le ocurrió catalogar como “chingadera” al aria “les tringles des sistres tintaient” del acto 2 de la ópera Cármen de Georges Bizet, hasta el dia de ayer había escuchado muuuuuuuuuuchísimas formas en que alguien se exprese de la música clásica y de las óperas, he escuchado gente que dice que no le gusta, que le aburre, que le parecen gritos, que le da risa, que no le entiende, que le parece de snobs, pero nuuuuuuuuuuuuuunca había escuchado algo así, fue como ver un pedazo de mierda burlarse del atardecer.

En fin, este disco fue grabado en el 2003 por la orquesta de cámara Mahler, con Magdalena Kozena y dirigida por Marc Winowski. Son quince Arias de óperas de diversos compositores y no conozco a la mayoría, tooodas están en idioma francés y Magdalena Kozena nos presume su talento alcanzando notas muy difíciles.

Permalink 4 comentarios

Muzio Clementi

26 agosto 2009 at 16:30 (clasico, piano) ()

clementi

Sonatinas para piano

Muzio Clementi fue un músico y compositor nacido en Roma el 24 de enero de 1752, falleció el 10 de marzo de 1832 y fué el primer compositor que dedicó su obra específicamente para el piano (o para el clavecín, el abuelito del piano).

Hijo del platero italiano Nicolo Clementi y la suiza Magdalena Kaiser, desde los siete años comenzó su formación musical y a los trece años ya era organista de la iglesia de su localidad. En 1766 un guey llamado Sir Peter Beckford se interesó en el talento musical de Muzio y ofreció patrocinar sus estudios a cambio de que se trasladase a Inglaterra a su mansión, en esta etapa de su vida Clementi se enfoca en el estudio del clavecín. En 1770 se presenta frente una audiencia por primera vez y todo mundo se sorprendió por sus habilidades y empezó su fama de boca en boca; en 1774 sale de la tutela de Beckford y se dirige a Londres donde empieza su carrera como concertista y en algunas ocasiones como director desde el piano, después sirve un pequeño periodo para la corte de un rey.

En 1781 empieza una gira por casi toda Europa, de corte en corte, para presentar su trabajo de sonatas para piano, en una de las cortes que aterriza es en la de Jose II donde se le invita a un “duelo” contra Wolfgang Amadeus Mozart, supuestamente el duelo terminó como un empate, sin embargo esto era muy común ya que la creciente ola de músicos alemanes empezaba a adquirir un estado de rivalidad contra los músicos italianos que por mucho tiempo siempre habían sido considerados de la misma manera que en el futbol los brasileños son elogiados y alabados.

Este disco contiene algunos de los trabajos para clavecín (harpsichord en inglés), unas sonatas para piano y unas sonatinas para piano. Son de las mas famosas de su repertorio y conviene ponerles mucha atención ya que tienen casi toda la rigurosa estructura del periodo clásico y ayudan mucho para después compararlas con otros compositores de otros periodos y lograr diferenciar un estilo de otro.

Permalink Dejar un comentario

Philip Glass

25 agosto 2009 at 12:59 (minimalismo, Soundtracks) ()

philip-glass

The Illusionist Soundtrack

Philip Glass es un músico / compositor gringo nacido el 31 de enero de 1937. Es uno de los compositores contemporaneos mas importantes, su prolífica obra incluye óperas, música para teatro, ocho sinfonías, ocho conciertos, sonatas, cuartetos de cuerda y soundtracks para películas, de las cuales tres han sido nominadas al óscar.

Su mayor influencia, o mejor dicho el compositor que dejó una gran estampa en su obra es Steve Reich con su trabajo de Piano Phase y su minimalismo cuya estructura se basa en la repetición y la creación de nuevas formas de interpretar música.

Según leí en una página a Glass no le gusta ser clasificado como minimalista, y por lo que he escuchado en este soundtrack no quiso limitarse a esa etiqueta e hizo uso de muchas otras corrientes y las mezcló en un solo estilo y surgió un bello trabajo para una película que ni he visto completa. En sus otros trabajos para pelícuñas parece que prefiere la música íntima interpretada por un pequeño ensamble, en este trabajo la música se escucha mas ostentosa y cargada de drama sin dejar los elementos Glass-escos como en The Orange Tree o The Secret Plot.

El “detalle” que le encuentro es que si escuchas una canción al azar, enseguida te sales del contexto total del álbum y es muy difícil reconocerlo como un disco de Philip Glass, es en su totalidad que los sellos característicos de su música aparecen flotando.

Permalink Dejar un comentario

Henryk Górecki

25 agosto 2009 at 1:12 (minimalismo) (, )

gorecki

Cuartetos para cuerda 1 y 2

En este disco, los míticos cuartetos para cuerda 1 y 2 de Henryk Górecki son interpretados por los también míticos Kronos Quartet. Estos dos cuartetos son considerados como parte del pináculo compositivo lleno de misticismo del repertorio de Górecki, según dicen tienen muchos elementos de Bartok y hacen del minimalismo y el modernismo una mezcla extraña y oscura.

El cuarteto 1 se llama “Already it is dusk” y consta de un solo movimiento laaaaaargo y oscuro, misterioso, al principio me recuerda poquito a su Sinfonía 3 pero puuuuuuuuuuuuuuuuuuuuum de repente los instrumentos atacan como lo recuerdo en películas de terror y otra vez vuelve la calma, casi imperceptibles aparecen a lo lejos como también lo hace Arvo Pärt en algunos de sus trabajos.

El cuarteto 2 se llama Quasi una fantasia y se compone de cuatro movimientos parecido a muchos de los cuartetos para cuerda nacidos en el romanticismo, sin embargo no hay mucho romanticismo en su estructura. El primer movimiento es totalmente lento y meditativo, cuando lo escucho me viene a la mente un cazador acechando a su presa en la oscuridad; el segundo movimiento tiene unos stacatos y el violín haciendo el papel de solista, es muy curioso que los stacatos de cuerda suenan mas tenebrosos y el violín suena alegre y caluroso hasta cierto punto. El tercer movimiento es un adagio que me recuerda al primer cuarteto, también me parece oscuro y meditativo, los sonidos son casi imperceptibles; el cuarto movimiento es un allegro, por lo que puedes esperar velocidad y agilidad, de este movimiento la velocidad se mezcla con algo de ansiedad y esperanza a la vez o al menos esas sensaciones me produce, tiene pocos momentos de tranquilidad y meditación y es la manera perfecta para cerrar el cuarteto.

Para añadirle mas misticismo y belleza, están interpretados por el maravilloso Kronos Quartet. Feliz inicio de semana.

Permalink 2 comentarios

Bill Evans

23 agosto 2009 at 4:12 (jazz, piano) ()

Sundayatthevillagevanguard

Sunday at the Village Vanguard

Bill Evans fue un pianista estadounidense de jazz, nació en 1929 y falleció en 1980. Su obra es una intensa muestra del jazz instrumental con base en el virtuosismo y en la improvisación, llevando a la música mas allá de sus límites. Las influencias mas importantes en la música de Bill Evans son el impresionismo de Maurice Ravel y Claude Debussy, esto hizo que tanto su música como la de compositores posteriores a Evans mantuvieran algunos cortes de la música europea logrando fusiones bastante interesantes con gente como Herbie Hancock, Brad Mehldau o Keith Jarret.

Este disco es de 1961, se grabó en vivo a lo largo de cinco sesiones, es la última presentación en vivo con el Bill Evans Trio de ese tiempo con Bill Evans en el piano, Scott LaFaro en el bajo y Paul Motian en la batería, diez dias después de su grabación LaFaro muere en un accidente automovilístico.

Me gusta mucho la idea de “jazz impresionista” de los temas de Bill Evans, lo destacable es que usa temas de otros compositores y hace variaciones que resultan una explosión de talento y destreza, en particular la versión de My Man’s gone now original creo de George Gershwin. Perfecto para el domingo :D

Permalink 1 comentario

Don Juan de Lienas

9 agosto 2009 at 20:42 (barroco) ()

Salve I, II, III y IV

La figura de Don Juan de Lienas está llena de misterio, si lo que he leido y escuchado es cierto entonces es probable que estemos ante el primer compositor mexicano que data de la época de la colonia española en México. El gran problema es que solo he escuchado estos salves que supuestamente son de su obra, sin embargo es muuuuy difícil encontrar información acerca de Don Juan de Lienas (mas adelante pondré mis teorías) y a estas alturas su existencia me es tan probable como su no-existencia.

Lo que he “descubierto”, entre comillas porque lo leí en algún lugar de internet, es que vivió entre los siglos XVI y XVII en la actual Ciudad de México, el primer dato relevante y sorprendente (para mí) viene directamente en su nombre con el prefijo “Don” ya que en la época colonial así se le llamaba a los descendientes de la realeza azteca, lo cual no solo nos habla de que es el primer mexicano que hace música barroca sino que también nos habla del trato que los españoles le daban a la realeza indígena.

Según la información que encontré, sus partituras se encuentran en los archivos del Convento del Carmen de la Cd. de México y en Chicago (ve tu a saber que putas hacen allá) y parece que fueron escritas para ser cantadas en el Convento de la Encarnación fundado en la Cd. de México en 1595. Supuestamente la otra parte de su obra se encuenra en el Convento del Carmen, lo que hace suponer que fue maestro de capilla de ahí, eso sería otro dato muy interesante porque si lo comparamos con otros compositores legendarios ese puesto era codiciado por ellos.

Estos “Salve” son composiciones para voz, alcanzo a distinguir tres voces pero seguramente son mas, no se si es un solo Salve en cuatro movimientos o cuatro Salve por separado, por cierto el Salve es una forma musical que surgió a principios del renacimiento gracias a la contrarreforma protestante y ya se permitía usar voces de mujeres en los coros.

Y para finalizar un pequeño comparativo, se cree que Don Juan de Lienas vivió entre los siglos XVI y XVII, Johann Sebastian Bach vivió entre los siglos XVI y XVII, Johann Cristoph Pachelbel nació a mediados del siglo XVII, Georg Friedrich Händel en 1685, Henry Purcell en 1659, François Couperin en 1668, Antonio Vivaldi en 1678. Esto quiere decir que sus contemporáneos europeos no eran cualquiera, no he escuchado toda la obra de Don Juan de Lienas (y de verdad espero escucharla) pero creo que no les pide nada a sus contrapartes europeas.

Permalink 5 comentarios

4 agosto 2009 at 5:46 (Uncategorized)

Descanza en paz Miriam

Permalink 2 comentarios

Igor Stravinski

1 agosto 2009 at 15:21 (contemporaneo) ()

stra

Suites para ballet vol. 3 (dirigidas por él mismo)

Ígor Fiódorovich Stravinski nació el 17 de junio de 1888 en Oranienbaum Rusia y falleció en Nueva York el 6 de abril de 1971. Su obra es un ejemplo curioso de lo que pasa cuando un talentoso compositor vive a lo largo del surgimiento de distintas formas musicales, cuando hablamos de apreciación musical muchos como yo tenemos la tendencia a hablar de un estilo o género de manera evolutiva, es decir pensamos que la música de hace 300 años es menos “algo” que la música de hace 100 años; Stravinski maneja muchísimas corrientes en su obra y creo que es la primera vez que logro entender que la apreciación musical debe estar basada en el conocimiento del contexto social, económico y cultural del compositor así como sus ideales fundamentales.

Stravinski fue hijo de un cantante de ópera y estuvo a su cuidado así como del de su hermana, estudió derecho pero lo abandonó para estudiar composición. Fue alumno de Nikolai Rimsi-Korsakov, ahí nomás, en este periodo escribió Feu d’artifice, que le dió un poco de fama y fue cuando le encargaron que escribiera El Pájaro de Fuego (obra que está en el cd).

En 1910 viaja a París, la primera vez que sale de Rusia, para asistir al estreno de su obra Pájaro de Fuego por un ballet ruso, mientras permaneció en París escribió Petrushka (que también está en el CD) y La consagración de la primavera, de esta se dice que el dia de su estreno fue rechazada al punto en que el público asistente provocó un desmadre y en el segundo acto tuvo que intervenir la policía para calmar a la gente, tal cual concierto 90ero de los Guns N’ Roses.

Algo que nos habla de la personalidad de Stravinski es su amor por el arte, según dicen se consumía por conocer nuevas obras de arte sobre todo en la literatura y en la pintura, por ahí escuché que en su obra Pulcinella (que también está en el CD) colaboró con Pablo Picasso pero no se en que sentido se dió la colaboración. Estuvo casado dos veces y uno de sus hijos también fue compositor, Soulima Stravinski, quien no es muy conocido por la abrumadora fama de su padre, gran complejo de Edipo.

Los ballets que vienen en el CD tienen como característica común que son para orquestas grandes. Mientras que el Pájaro de Fuego y Petrushka son de su primer periodo compositivo al que llaman “primitivo” o “ruso” en el que hace uso de un nacionalismo ruso y de manera extravagente, Pulcinella se encuentra en su segundo periodo compositivo o Neoclásico en el que “regresa” a los elementos Mozartianos y Johannsebastianbachianos, es decir dividir su obra en movimientos con nombres italianos, reglas musicales estrictas y contrapunto.

Primer dia de agosto :D tenía mucho sin publicar nada, espero les guste

Permalink 4 comentarios

Ricardo Castro

19 julio 2009 at 20:13 (mexicana, piano, Romanticismo) ()

ricardo castro

Algunos trabajos para piano (mediafire)

Algunos trabajos para piano (rapidshare)

En el año 1864 en Nazas, Durango, nace Ricardo Castro Herrera, hijo del político Vicente Castro y de María de Jesús Herrera. Sus primeros años los vivió en Durango, de donde se tiene el acta de nacimiento y registro de sus primeros años como estudiante, cuando tenía seis años empezó sus estudios de música con el maestro Pedro H. Ceniceros. En 1879 se translada con su familia a la Ciudad de México para que estudiara el bachillerato pero por alguna razón a la edad de 13 años lo inscriben en el Conservatorio Nacional de Música y toma clases de Juan Salvatierra y Manuel Ituarte y toma clases de Armonía y Composición con nada mas y nada menos que Melesio Morales, quien es el estandarte de la ópera mexicana.

En 1882 empieza su carrera como concertista y compositor antes de terminar su carrera, en 1883 concluye su primera Sinfonía en Do Menor la cual se estrenó hasta 1988 81 años después de su muerte. En 1884 viaja a Nueva Orleans y participa en una exposición y después realiza una gira en Chicago, Filadelfia, Washington y Nueva York, ese mismo año el gobierno mexicano seleccionó algunas de sus obras para mandarlas a Venezuela para celebrar el primer centenario del nacimiento de Simón Bolívar.

En 1896 se estrena la sala de conciertos de la casa Wagner, hoy conocida como Sala Sahiaeffer, y se le encomienda a Ricardo Castro el concierto de apertura. También en 1896 se estrena en el Teatro Renacimiento su ópera “Atzimba”. En 1900 escribió una serie de artículos musicales para periódicos de la Ciudad de México y en 1902 realizó una gira por varias ciudades de México y visitó la ciudad mas bella de todo el universo o sea Guadalajara en septiembre de ese año en el hermoso Teatro Degollado.

En 1903 el gobierno lo becó y viajó a Europa donde aparte de estudiar también tocó en Leipzig, Roma, París, Berlín, Londres, Bruselas y Milán. El responsable de otorgarle esta beca fue Justo Sierra, a quien Castro le dedicó dos obras: Tema Variado y Suite.

A su regreso en 1906 fue nombrado Director del Conservatorio Nacional de Música y Declamación por Justo Sierra. Asumió el cargo el 1 de enero de 1907 y falleció el 26 de noviembre de ese año a causa de una pulmonía, tenía 43 años.

Su música se considera del periodo Romantico tardío e incluso algunas de sus obras se les considera impresionistas por la influencia Debussyana que presentan. Desgraciadamente la historia de mi pais ha perjudicado a la difusión y conocimiento de la obra de Castro, pocos años después de su muerte estalló la Revolución Mexicana y los mil y un personajes que ascendieron al poder en los años consecuentes rechazaban rotundamente cualquier cosa que recordara a Porfirio Diaz, quien siempre promulgó el arte y la cultura y se mostró a favor de la difusión de las disciplinas artísticas.

Es triste saber que la partitura de Atzimac está perdida, que es muy raro que alguien interprete sus obras, que en Europa es mas conocida su obra que en su pais de origen, es un problema inmenso encontrar discos con su música y me ha costado mucho trabajo hacerme de algo de su obra.

El archivo contiene los estudios para piano 1 y 2 Op. 20, un minueto y el famoso Vals Capricho.

Permalink 6 comentarios

Alexander Borodin

18 julio 2009 at 4:29 (nacionalismo) ()

borodin

Cuarteto para cuerdas 1 y 2


Alexander Borodin es otro ruso que impulsó el nacionalismo. Se dedicó mas a la química que a la música y aún así compuso música que trascendió fronteras y épocas, como miembro del grupo de los cinco de Rusia.

Es imposible no amar estos dos cuartetos para cuerdas, me imagino que Borodin también sufría los ajetreos diarios del trabajo, con la diferencia que cuando volvía a casa no prendía la televisión ni se ponía a chatear sino que componía música como desestresante, pfffff eso es hermoso!.

El primer cuarteto data de 1897, parece un homenaje directo a Beethoven ya que tiene un esitlo muy clásico característico del primer periodo compositivo de Beethoven. Dos años después escribe el segundo cuarteto y comienza a surgir el nacionalismo en sus composiciones para cuerda, la música rusa fluye en los sonidos y sirvió como semilla para trabajos futuros de compositores como Shostakovich

Permalink 2 comentarios

Ludwig Van Beethoven

13 julio 2009 at 20:49 (Romanticismo) ()

fidelio

fidelio3176

Fidelio Primera parte


Fidelio Segunda parte


La ópera de Beethoven, tuvo tres versiones, la primera conocida solo como Leonore (1805), la segunda versión se llamó Leonore, order der Triumph der echelichen Liebe (1806) y la que conocemos hoy llamada Fidelio (1814).

Esta versión consta de dos actos, las dos primeras versiones tenían tres actos; dentro del catálogo de Beethoven se le considera el punto cumbre de su “segundo periodo” de composición donde prácticamente ya se separó de la influencia del clasicismo y en sus propias manos comienza la transición hacia el romanticismo.

La historia está inspirada en una narración de un tal Jean Nicolas Bouilly que no tengo idea quien fue, la idea principal de la obra es la libertad y la persecusión de la justicia basada en los ideales de una persona, un tema que Beethoven siempre buscó plasmar en sus obras y por lo que admiro mucho su trabajo.

Leonore, disfrazada de hombre y llamándose a sí misma Fidelio, intenta entrar a la prisión a la que fue enviado su esposo por Don Pizarro, un gobernador hijo de la chingada que le tiene preso por ser enemigo político, no se atreve a matarlo pero prefiere debilitarlo poco a poco sin darle comida. La historia se pone loca cuando Leonore, en su intento de entrar a la cárcel, se inmiscuye en la vida de un carcelero llamado Rocco, el cual tiene una hija llamada Maezelline que se enamora de Fidelio pensando que es hombre y rompe un compromiso matrimonial con un tal Jaquino.

Don Pizarro recibe una carta avisándole de una inspección sorpresa a su cárcel, se asusta y decide matar a Florestán el esposo de Fidelio eeerrmm perdón Leonore. Como Rocco será uno de los encargados de cavar las tumbas, Fidelio junto con Maezelline lo convencen de que deje salir a los prisioneros a ver la luz una vez mas, todo parece salir acorde al plan pero Don Pizarro llega y se frustran sus planes. Todo esto en el acto I.

En el acto II, Rocco y Fidelio bajan a la prisión a cavar la tumba, Florestán está todo pirata por la falta de alimento y cuando ve a Fidelio se ondea y piensa que es su esposa en forma de ángel y se desmaya, Leonore / Fidelio lo reconoce y va a darle consuelo, llega Don Pizarro a escena para matar a Florestán todo desesperado pero Fidelio dice “eeeeeh putooooooos en realidad soy Leonoreeeeeeeeeeeeeeee” y todos se quedan con cara de WTF!!!! y en ese instante llegan los de inspección y descubren el desmadre que tiene Don Pizarro en su cárcel.

Leonore y su esposo se abrazan y se aman y se besan, Don Pizarro es encarcelado  y todo mundo le celebra a Florestán por haberse casado con la mujer mas valiente del universo y nadie menciona nada de la confusión con la hija de Rocco jajaja. Estuve investigando y se dice que está basado en un hecho real ocurrido en Francia en la época culera que le siguió a la Revolución Francesa.

Esta obra plasma la sensación del triunfo de la libertad y la justicia sobre la opresión y la corrupción, agregándole a la ecuación el factor “amor incondicional”, me gusta mucho que Beethoven siempre siguió esta temática en sus trabajos o al menos en los poquitos que conozco. No todas las óperas terminan en desgracias o en tragedias irónicas, se puede decir que esta es la primera ópera romántica y un parteaguas en la vida personal de Beethoven.

Permalink Dejar un comentario

César Cui

3 julio 2009 at 20:24 (nacionalismo) ()

cui

25 preludios para piano

En Rusia, creo que antes que en ningún otro lado, surgió un movimiento muuuuy interesante que tuvo eco en todo el mundo y que hablaba de festejar y celebrar las raices propias, hacer arte influenciado por la identidad que evolucionó desde el pasado histórico del país propio, nació el NACIONALISMO.

César Antonovich Cui, nacido en Vilna en 1835 y muere en Petrógrado en 1918, fué uno de los promotores de dicho movimiento en Rusia a mediados del siglo XIX. Se le conoce como uno de los integrantes del llamado “grupo de los cinco” de los que subiré música también.

César Cui fué militar y llegó a ser Teniente General de Ingenieros, lo que nos sugiere que le agarraba la onda a las matemáticas. Los que saben dicen que nunca tomó lecciones de música, a no ser de algunas lecciones de armonía y contrapunto, por lo que todo lo demás que sabía de música lo aprendió por si solo.

Aunque su música, o mejor dicho lo poquito que he escuchado de su obra, no parece tener muchos elementos de la música rusa, a pesar de que dicen que le encantaba hacer críticas a los músicos que estaban fuertemente influenciados por la música de otros paises.

En estos 25 preludios para piano, se nota su amor por las composiciones pequeñas, algunos son un poco repetitivos para mi gusto pero eso es lo interesante ya que la misma idea musical poco a poco la arregla hasta lograr resultados bastante interesantes. FELIZ VIERNES :D

Permalink 3 comentarios

Ludwig Van Beethoven

27 junio 2009 at 14:54 (clasico, Romanticismo) ()

Cover

Mandolina, violín y piano

Pues resulta que por ahí de 1706 Beethoven compuso 4 obras para mandolina, la sonatina en mi bemol mayor y el adagio probablemente influenciado por su amigo Wenzel Krumpholz. La sonatina en do mayor y el andante con variazioni están dedicados a la condesa Josephine Ciary de Praga quien supuestamente tocaba muy chido la mandolina además de ser cantante.

El adagio y las sonatinas constan de un solo movimiento mientras que el andante tiene dos: el andante y la variazioni. En este disco también metieron Seis aires nacionales con variaciones Op. 105, compuestas entre 1816 y 1818 originalmente para voces, en esta variación el piano toma el rol principal y el violín la hace de acompañante de manera curiosa ya que en estas obras hace el trabajo que en otras ocasiones hace el chelo, es decir marca los sonidos que sirven de acompañamiento que el chelo usa como linea de bajo.

Las seis danzas alemanas no tienen número en el catálogo no se por que (ojalá alguien sepa y comente), se escribieron en 1795 o 1796 aunque se duda de su autenticidad como obras de Beethoven sin embargo aparecen (o eso dicen) en el cuaderno de Beethoven junto con un borrador de su Aria/Concerto “Ah, Perfido”. Las seis danzas alemanas supuestamente fueron compuestas para nosotros los amateurs y son fáciles de interpretar (jajajaja yo sufro con los ejercicios ahora con esto lloraría). De nuevo el piano toma el rol principal y el violín lo acompaña teniendo un rol un poco mas importante ya que toca casi lo mismo que el piano y a la misma velocidad con un poco menos de arreglos.

Está bien bonito el disco, y mas bonita la música, como que ya se me está haciendo costumbre publicar algo cada semana y eso está muy mal, intentaré poner mas cosas sobre todo ahorita que ando Beethoventraumado, saludooooos y feliz fin de semana.

Permalink 1 comentario

Ludwig Van Beethoven

20 junio 2009 at 0:43 (Romanticismo) ()

Hoy por fín entendí la 5ta. sinfonía de Beethoven, ya se de que se trata.

Cuando yo tenía como 9 años se inundó mi casa, cada que llega el temporal de lluvias todos los de mi cuadra nos ponemos a temblar porque el agua de lluvia que baja de otras colonias se acumula en mi colonia y causa muchos estragos, pero cuando yo tenía alrededor de 9 años el agua fue demasiada y rompió el vidrio (que ahora lo sustituye una pared de concreto) y se metió a mi casa destruyendo muchas cosas de gran valor, entre las que se encontraban mis fotos de la infancia y el primer libro que leí.

Después del desmadre vino lo peor, el lodo atascó la entrada y nadie podia salir y nadie podia entrar, la puerta estaba atorada por el lodo acumulado y piedras que aterrizaron mientras venían de paso. Haciamos un esfuerzo por quitar el lodo y las piedras, mis vecinos de aquel entonces se sumaron a la ayuda así como unos bomberos y a pesar de eso la tarea parecía demasiado grande y no se podía abrir la puerta, mientras todo eso pasaba yo observé mi casa destrozada cubierta de lodo e impregnada de un olor asqueroso.

En ese entonces vivía una pareja de viejitos exactamente frente a mi casa, el esposo era un señor muy amigable y sieeeeempre sonreía, tenía un trailer afuera de su casa, manejaba un firebird, usaba camisas a cuadros y tenía unos lentes rockeros. Su esposa siempre fue un misterio, era raro verla en la calle porque tenía una enfermedad de la que me enteré hasta que falleció, era una persona muy amigable pero para mí era difícil entenderla porque no platicaba mucho y cuando hablaba era de música. Lo que siempre recuerdo de ella era que en las tardes tocaba piano y en ese momento mi cuadra se convertía en una cámara en la que ella daba un recital para los que no entendiamos ni madres que ocurría.

Ese dia, mientras el mundo exterior intentaba rescatarnos, ella veía todo desde su ventana, yo la vi a través de mi ventana y levanté mi mano para saludarla, ella se alejó de la ventana y enseguida se escuchó a todo volumen los “sol sol sol mi bemooooooooooooooooooooooooool fa fa fa reeeeeeeeeeeeee” de la quinta sinfonía de Beethoven. Para mí fue lo mas extraño y grosero que alguien había hecho en lugar de responder mi saludo, pero lo mas raro fue que la puso completa y hasta que nos rescataran de la cueva que antes llamábamos casa.

Nunca volví a platicar con esa señora, creo que la volví a ver pocas veces hasta su funeral. Siempre le tuve mucho respeto, pero hoy entendí por que hizo eso de poner la 5ta sinfonía en ese momento que parecía inadecuado, Beethoven dijo que las primeras notas del primer movimiento simbolizan al destino llamando a la puerta, que por mas que intentas escapar de sus garras sieeeeempre te alcanza y no puedes hacer nada, hasta que tu decides luchar y tomar al destino por el cuello y decirle “CHINGA TU MADREEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEE MI VIDA ES MIAAAAAAAA Y DE NADIE MAAAAAAAAAAAAAAAAS”-

En los últimos minutos del penúltimo movimiento, el sonido se percibe como si estuviera detrás de una pared, como si el sonido estuviera encarcelado y busca un pequeño orificio por donde escapar. El cuarto movimiento está unido al final del tercer movimiento y justo cuando empieza el sonido escapa de manera explosiva y fulminante, se aprecia el triunfo, la victoría sobre lo imposible, se nota que Beethoven quiso decir “GANAMOOOOOOOOOOS GANAMOOOOOOS LO LOGRAMOOOOOOOOOOOOOOS”.

Hoy me di cuenta que mi vecina quiso mandarnos un mensaje a través de la música, la mejor (y quizás única) manera en que sabía comunicarse, con la 5ta. sinfonía nos dijo “no se preocupen amigos, vamos a triunfar y sacarlos de ahí”. Por eso eligió la 5ta. sinfonía, por ese pequeño detalle del sonido aprisionado, por el triunfo del escape y la gloria de la victoria. Gracias señora Helena, yo siempre me acuerdo de usted.

Y por si la quieres escuchar, la 5ta sinfonía de Beethoven la encuentras por acá.

Saludos y feliz fin de semana.

Permalink 6 comentarios

Pyotr Ilyich Tchaikovsky

17 junio 2009 at 20:10 (Romanticismo) ()

tchaikovsky

Piano Concerto No. 1 Op. 23

Nacido en Rusia el 7 de mayo de 1840, Tchaikovsky fue un compositor del periodo Romántico. Su obra es de las mas conocidas ya que han sido utilizadas para muchísimas cosas como películas, documentales, caricaturas, obras de teatro, comerciales etc.

Empezó sus estudios en música a los 22 años en contra de los deseos de su familia, de alguna manera su música se conservó aparte del movimiento nacionalista ruso del “grupo de los cinco” logrando un estilo romántico y rebelde a las tradicionales reglas musicales de aquel entonces.

El concierto para piano no. 1 es todo un ejemplo de los enigmas y secretos que guarda en sus composiciones, la primera parte del primer movimiento es la mas conocida (aunque yo la acabo de escuchar hace apenas dos semanas) y esa primera parte tiene una estructura muy extraña. Tratándose de un concierto para piano, se espera que el piano sea el solista y el que proponga la idea musical y la orquesta le siga o le responda de acuerdo a las notas de esa idea musical, pero al principio lo que tenemos es un piano que acompaña a la orquesta con acordes de terceras y cuartas  y que mas adelante “rompe” los acordes y forma arpegios CHINGONSÍSIMOS y veloces que siguen cargados del mismo dramatismo.

El misterio sigue mientras el concierto avanza, ya que no se vuelve a tocar esa primera idea musical y la música avanza a otro nivel, como si la parte introductoria del primer movimiento fuera algo fuera del universo del concierto y todo lo demás se entrelaza entre si. Como dato curioso, existe la leyenda que este concierto fue dedicado a Rubinstein y que, al negarse éste a tocarlo por considerarlo muy difícil, Tchaikovsky cambió la dedicatoria y pidió a otro guey que hiciera la parte “solista”.

Muy muy muy muy muy bonito, mi maestro de apreciación nos puso el primer movimiento hace dos semanas y quedé encantado, espero te guste también.

Permalink 1 comentario

Ludwig Van Beethoven

12 junio 2009 at 19:37 (clasico, piano) ()

Sonata para piano no. 2 Op. 2 no. 2


Sonata para piano no. 3 Op. 2 no. 3

Otras sonatas para piano del mago Beethoven. Estoy como enfermo y no puedo pensar con mucha claridad asi que por lo pronto me voy a aguantar las ganas de escribir algo acerca de las sonatas o de otra cosa referente a ellas porque no puedo usar bien mi cerebro, ya tenía una semana sin poner nada. Después pongo la poquita info que se acerca de estas. Feliz fin de semana

Permalink Dejar un comentario

« Previous page · Next page »