¡Que bien se siente estar de vuelta! Hace mucho tiempo que no escribo una reseña para un álbum, he dedicado estos diasmesesaños de mi vida en disfrutar de la música para mi y platicar de mi experiencia con las personas que me rodean y he aprendido mucho de mis amigos y familiares acerca de lo que ellos opinan de la música que les gusta.

He pasado por muchos cambios en mi persona en este último año, inicié una relación de pareja con la mujer mas hermosa del mundo, fortalecí los lazos con mis mejores amigos (tanto los del pasado como los del futuro), he cerrado ciclos que me tenían atado a un pasado fantasmal que solo hacía eco en mis oidos; así también he asistido a un puñado de conciertos que me han cambiado la vida tanto de música popular como académica, siendo el mas impactante el concierto de Arvo Pärt el pasado 19 de octubre en Guanajuato.

Poder estar ante la majestuosa presencia de uno de los compositores mas importantes de toda la historia musical me hizo recordar la belleza de compartir música por el simple hecho de compartirla, recordé el enorme placer que siento en mi alma cuando escribo lo que ocurre en mi mente y corazón cuando escucho las notas que humedecen mis sentimientos a través de mis oidos. Así que, aquí voy a presentarles uno de los discos que mas llamó mi atención este año.

Se trata de un ambicioso proyecto en el que varios artistas (en su mayoría de mi total agrado) decidieron hacer su “tributo” a Philip Glass, otro de los minimalistas mas importantes. Para hablar de este álbum primero quiero dar la impresión que deja en mi la preciosa e hipnotizante música de Philip Glass.

Ya he compartido otras obras de minimalistas por este medio, si la memoria no me falla ya se dijo que la característica principal del minimalismo es la repetición junto con el casi nulo movimiento armónico (a excepción del maestro John Adams), gracias a ese detalle es que el minimalismo ha encontrado un campo fértil en la música popular y desde su aparición ya no se puede distinguir cual de “las dos músicas” es la que sirve de influencia y cual de receptor.

Philip Glass es uno de los expertos en el concepto de esta corriente musical, escuchar sus obras significa visitar otro planeta y aprender su lenguaje sin ningún problema, el minimalismo de Glass en un ejemplo gráfico sería como ver una gotera constante, el agua cae de manera repetitiva hasta que nos hipnotiza y en el momento menos esperado aparece un chorro del vital líquido que se vuelve majestuoso ante nuestra percepción. Me impresiona como para muchas personas este concepto les parece tonto y obsoleto, porque yo lo encuentro delicioso.

Ahora, tengo que recalcar que yo soy una de esas personas que no le agrada mucho la idea del “remix” (ya en la música popular, mucho menos en la académica) y lo único que llamó mi atención de este proyecto, al principio, fue la selección de músicos que aparece en el proyecto: Beck (quien tengo entendido es el líder detrás de todo el proyecto), Cornelius, Dan Deacon, Nosaj Thing, Jóhann Jóhannsson, Peter Broderick, Pantha Du Prince, Tyondai Braxton, Amon Tobin, Memory Tapes, My Great Ghost y Silver Alert, todos eligieron distintas obras del maestro Glass y las llevaron a su mundo, las revisaron y crearon una versión nueva y fresca. No es que la obra de Glass lo necesitara, sus obras son de por si novedosas y entretenidas al cerebro para escuchar, lo que si me hacía falta escuchar era un homenaje de este calibre. Magnífico!

REWORK_

Five Tango Sensations

Me parece que ya habíamos hablado con anterioridad del nacionalista argentino Ástor Piazzolla así como del Kronos Quartet, tanto el compositor como el cuarteto parecían estar en un universo paralelo a pesar de estar tan cerca, fue hasta el año de 1987 que Robert Hurwitz (productor ejecutivo del cuarteto) invitó a Piazzolla a un concierto del Kronos Quartet. Después del evento, Piazzolla pasó tras el escenario para felicitarlos e intercambiar teléfonos, después de unos dias David Harrington llamó a Piazzolla quien ya tenía escritas las partituras de los cinco tangos, desde entonces el cuarteto usa las hojas originales.

Creo que grabaron una parte en el álbum “Winter was hard” que ya había publicado por acá hace algunos años, pero su estreno se llevó a cabo con Piazzolla tocando junto con el Kronos Quartet, ese dia Piazzolla confesó haber escrito estos tangos con el propósito de tocar con el cuarteto. Fueron escritos después que Piazzolla sufriera una enfermedad muy grave, según sus palabras estos tangos son “una despedida musical a la vida” y los títulos nos llevan directamente a las emociones que el compositor quería transmitir. Curiosamente, dejó al final “Fear”.

Preludios para la ópera “Peter Grimes”:

Amanecer

Domingo en la mañana

Luz de luna

Tormenta

Benjamin Britten fue un compositor británico nacido el 22 de noviembre de 1913 en Lowestoft (ni idea donde queda eso) que de manera compleja contribuyó a los cambios impactantes que sufrió la música de principio del siglo XX junto con Igor Stravinsky y los demás compositores que surgieron en el romanticismo tardío. Britten estudió desde muy pequeño con Frank Bridge y después ingresó al Conservatorio Real de Música en 1930. Sus inicios se vieron en componer música para cine, lo que a su vez le llevó a conocer poetas y escritores quienes fueron una gran influencia para su música, al estallar la segunda guerra mundial emigra hacia Canadá y Estados Unidos donde encuentra un ambiente idóneo para seguir componiendo música.

Su biografía me la reservo ya que no cuento con mas datos, su obra musical es casi desconocida para mi a excepción de estos preludios y la ópera completa de Peter Grimes. Estos cuatro movimientos también suelen ser tocados por separados ya que se les puede considerar una “mini” suite y hace algunas semanas la Orquesta Filarmónica de Jalisco las interpretó en el último concierto de la primera temporada del año, ya que la temática de los conciertos fue el agua.

La ópera Peter Grimes fue escrita y estrenada en 1945, el libreto fue escrito por Montagu Slater, basándose en el poema The Borough (La aldea) de George Grabbe (1819). Básicamente y a muy grandes rasgos se trata de la vida de Peter Grimes, un personaje solitario que prefiere mantenerse alejado de la sociedad, la cual a su vez al notarle diferente lo ataca y persigue buscando cualquier pretexto, al final Peter Grimes se suicida y todos son felices. La música empleada para la ópera es muy difícil de clasificar en un solo género, característica muy notable de la música del siglo XX donde el eclecticismo es factor esencial así como la “explosión” de diversas formas musicales, estilo y estética musicales, pero algo muy notable es que la música de los preludios “habla” y describe el paisaje que abre cada acto de la ópera, los títulos nos dan la guía para saber que es lo que debemos esperar de la música y lo que nos está narrando.

6 bagatelas para quinteto de viento

György Ligeti fue un compositor de Transilvania, Rumania que falleció en el 2006, se hizo famoso cuando su música apareció en películas, especialmente en 2001: A Space Oddyssey, The Shining y Eyes Wide Shut de Stanley Kubrick.

Esta obra es para quinteto de viento, compuesta en 1953 originalmente se pretendió que fueran 12 para piano pero en algún momento entre 1952 y 1953 Ligeti decidió transportarlas para el quinteto de viento compuesto por clarinete, oboe, flauta transversal, fagot y trompeta. Con excepción de la segunda y quinta bagatela, las demás son rápidas, con notas esparcidas casi todo en staccato para después acentuar con sonidos mas profundos y potentes, esta composición nos muestra a un Ligeti “economizando” el sonido pero maximizando los momentos de intensidad.

Sinfonía no. 5

1er movimiento

2do movimiento

3er movimiento

4to movimiento

Franz Schubert, nació el 31 de enero de 1791 y falleció el 19 de noviembre de 1828, nació en Austria muy cerca de Viena en una familia de escasos recursos económicos, su padre fue maestro y su madre había sido ama de casa. Su primera experiencia con la música fue con su padre que le enseñó los elementos básicos de solfeo, después bajo el mando de Antonio Salieri entró al coro que ahora es conocido como “el de los niños cantores de Viena” y Franz Schubert entró a estudiar de manera formal tanto interpretación como composición musical.

A pesar de haber muerto tan joven su obra es enorme, cuenta con óperas, Lieds, sonatas, 9 sinfonías, música de cámara y para piano. Su música no fue apreciada hasta mucho tiempo después de su muerte, que fue redescubierto por gente como Felix Mendelssohn, Frans Liszt y Robert Schumann. Toda su vida tuvo problemas económicos y no fue muy reconocido por sus contemporáneos.

Schubert era admirador de Mozart y Beethoven (mas o menos sus contemporáneos) y en su música se aprecian los “tributos” que rinde a sus héroes compositores, la sinfonía no. 5 es el caso de Mozart. Compuesta de cuatro movimientos, Schubert rinde tributo al color musical de Mozart, al respeto a la forma que su orientación clásica le exigía (a Mozart), a las tonalidades que mas le gustaba usar y al uso extraordinario de las notas mas agudas.

Primer post, después de casi un año. Pude poner los movimientos en mediafire por separado. A disfrutar y feliz dia para todos.

Debo decir que estoy muy orgulloso de estar detrás de este proyecto ya que en los otros blogs musicales que participo JAMÁS me encuentro con comentarios tan atinados, participativos y nutritivos como los que ustedes aportan aquí. Desgraciadamente el año pasado entré a una de esas relaciones de pareja que te piden mucho tiempo y poco me quedaba para mí y mis pendejadas personales, esa situación ya se terminó pero ahora tengo el problema de que mi nuevo proveedor de servicios de internet LEASE INFINITUM es lo mas lento que existe en el universo, el ejemplo mas claro fue al intentar re-subir algunos archivos caidos, por ejemplo la sinfonía 5 de Beethoven me tomó menos de media hora y con mi nuevo proveedor me dice que tardará 2 HORAS!! es exagerado el tiempo que tarda!

Entonces, a lo que voy es que los posts tardarán un poco mas en llegar al blog debido a la lentitud de mi conexión, también cambiaré el host de los archivos a megaupload.com ya que ahí duran un poco mas que en mediafire. Solo espero que sigamos juntos en este viajesote digital de la música, “la mas alta de todas las filosofías” diría nuestro querido Beethoven.

Y sin mas, les deseo un excelente fin de semana. Nos leemos pronto.

La noche de los Mayas

Silvestre Revueltas es uno de los pocos mexicanos cuya obra es reconocida en el extranjero como “productos de la mente de un genio”, un hombre con una vida intensa y breve, que compusó música muy tarde en su carrera y aún así nos dejó música que apenas podemos apreciar y entender, un compositor que escribió para ser entendido y apreciado por generaciones futuras.

Nació el 31 de diciembre de 1899 en Santiago Papasquiaro, Durango y falleció el 5 de octubre de 1940 en la Ciudad de México; estudió violín y dirección orquestal tanto en México como en Estados Unidos, tuvo una relación muy estrecha con el músico, director y compositor Carlos Chávez, hasta su ruptura profesional la cual llevó a Revueltas a crear otra orquesta, la amistad con Carlos Chávez lo llevó a participar en casi todos sus proyectos incluido en la revista musical en la que se encargaban de traer noticias de Europa hacia México, este curioso proceso incluía Europa-Guadalajara-Cd. de México, a través de la tecnología de entonces. También se sabe que era aficionado a las bebidas alcohólicas, tanto que por eso murió :( . Su entorno familiar es por demás interesante, con muchos artistas y pensadores que llevaron al país a tomar una posición política/filosófica distinta a la que ya se tenía en la primera mitad del siglo XX.

Esta obra, La noche de los mayas, es una de sus mas famosas obras orquestales, es nacionalismo mexicano puro con muchos elementos del “modernismo” característico del siglo XX, para su composición utilizó elementos característicos de la música folklórica mexicana pero a un extremo muy interesante, por ejemplo en el último movimiento utiliza sonidos que chocan entre sí simulando a las bandas de pueblo todas desafinadas. La historia que cuenta La Noche de los Mayas es muy interesante, gira alrededor de la vida de una muchacha de la nación Maya, ella se enamora de un guey de su ciudad justo antes de ser elegida como la próxima virgen a ser sacrificada por el bien de su pueblo.

Empieza, en el primer movimiento, con un guey siendo sacrificado en la imagen de Chac Mool, probablemente un prisionero de guerra, la música con que abre es muy interesante ya que dramatiza la escena de una manera muy mexicana, el siguiente movimiento “platica” musicalmente la escena en que la joven coquetea con su galán a pesar de que ya saben que la van a sacrificar, el tercer movimiento es un dia normal en la vida de los mayas y sus diversas costumbres, el último movimiento es BASTANTE peculiar ya que en esta parte de la historia un curandero/brujo/shamán le da unas raíces alucinógenas a la joven y a lo largo de la primera sección la música simboliza el viajesote que se pone con las hierbas, incluso se supone que alucina con un Dios Maya en una especie de malviaje y al final, cuando sale del trance, la sacrifican.

Esta obra fue escrita para la película del mismo nombre, la cual pasa casi desapercibida ante la majestuosa obra de Revueltas. En esta década, donde los mexicanos estamos “celebrando” 200 años de “libertad” y “profundo sentido de identidad nacional”, la música de Revueltas es la mejor opción para recordar que tan mexicanos podemos ser los mexicanos.

Variaciones de “Healing of Arinushka” para piano

Esta “micro”obra del gran Arvo Pärt es un viajesote, en corto tiempo. Consta de seis pequeños movimientos donde el mas largo solo dura alrededor de 45 segundos, esta versión es una variación para piano aunque no se para que instrumento sea la original.

Es muy probable que te recuerde a otros de sus trabajos, sobre todo al precioso “Fur Alina” o al magnífico “Spiegel Im Spiegel”, tiene elementos muy parecidos a dichas obras, aunque la diferencia es que esta obra tiene una introducción o algo así en los primeros tres movimientos, donde casi no se usa la mano izquierda, a partir del cuarto movimiento aparece el tema con el que termina la pequeña obra, un tema que me gusta muchísimo, el quinto y sexto movimiento son variaciones de ese mismo tema aunque mas que variaciones son la representación de una de las características principales del minimalismo: LA SUMA DE ELEMENTOS EN EL CLIMAX.

Hermosaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaa obra <3

Poema Tonal para Orquesta “Así Habló Zarathustra”, Op. 30

Richard Strauss es uno de muchos compositores que vivieron el periodo romántico tardío y que a principios del siglo XX se movieron a distintas corrientes gracias a los enormes avances musicales de Richard Wagner y y Arthur Shopenhauer. Antes de que Strauss tuviera contacto con la música y tratados de dichos compositores, su música era mas parecida a lo hecho por Schumann o Mendelssohn, hasta que en algún punto de su vida conoce a Alexander Ritter quien lo lleva a esa música y lo invita a cambiar su “dirección artística”.

De esa nueva dirección nacieron sus poemas tonales, en 1896 escribió este. Un poema tonal o poema sinfónico es una forma musical orquestal cuya temática gira alrededor de una obra de arte ya sea de la literatura, pintura u otra disciplina artística, el asunto es que el compositor se inspira y trata de plasmar el mismo placer estético de la obra pero de manera musical. Para esta obra se basó en la aclamada obra de Nietzsche del mismo nombre, cada sección lleva el nombre de algún tema principal del ensayo y se supone que tenemos que imaginar al personaje principal en su “debate” tal y como sucede en el libro.

La obra, como dijimos, está dividida en nueve secciones con los nombres de algunos capítulos importantes del libro, solo existen tres partes donde el silencio es evidente. El tema de la introducción es famosísimo por haber sido utilizado por Stanley Kubrick en su chingonsísima película 2001; una característica espectacular de esta obra es la obvia mezcla del romanticismo tardío y los distintos elementos de la música que poco a poco avanzaba a otros niveles usando recursos como temas sin resolución, disonancias, la participación de dos “personajes” principales: El Universo y la Humanidad, cada uno representado por acordes, cosa novedosa en aquel entonces.

La última sección, llamada “Canción del deambulante nocturno”, ha creado una serie de controversias en cuanto a su significado y sus mensajes escondidos, muchas personas dicen que la manera en que los acordes luchan y el que representa al universo “gana” al final significa que Strauss interpretó la lectura como “la humanidad es pasajera, el universo prevalece” sin embargo al final el acorde que representa al universo queda inconcluso, no le da resolución final, como diciendo que la “solución” expuesta por Nietzsche no llegaba a un final tampoco. Wow.