Astor Piazzolla & Kronos Quartet

13 julio 2011 at 21:56 (nacionalismo, siglo XX, tango)

Five Tango Sensations

Me parece que ya habíamos hablado con anterioridad del nacionalista argentino Ástor Piazzolla así como del Kronos Quartet, tanto el compositor como el cuarteto parecían estar en un universo paralelo a pesar de estar tan cerca, fue hasta el año de 1987 que Robert Hurwitz (productor ejecutivo del cuarteto) invitó a Piazzolla a un concierto del Kronos Quartet. Después del evento, Piazzolla pasó tras el escenario para felicitarlos e intercambiar teléfonos, después de unos dias David Harrington llamó a Piazzolla quien ya tenía escritas las partituras de los cinco tangos, desde entonces el cuarteto usa las hojas originales.

Creo que grabaron una parte en el álbum “Winter was hard” que ya había publicado por acá hace algunos años, pero su estreno se llevó a cabo con Piazzolla tocando junto con el Kronos Quartet, ese dia Piazzolla confesó haber escrito estos tangos con el propósito de tocar con el cuarteto. Fueron escritos después que Piazzolla sufriera una enfermedad muy grave, según sus palabras estos tangos son “una despedida musical a la vida” y los títulos nos llevan directamente a las emociones que el compositor quería transmitir. Curiosamente, dejó al final “Fear”.

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Benjamin Britten

19 abril 2011 at 18:26 (siglo XX) ()

Preludios para la ópera “Peter Grimes”:

Amanecer

Domingo en la mañana

Luz de luna

Tormenta

Benjamin Britten fue un compositor británico nacido el 22 de noviembre de 1913 en Lowestoft (ni idea donde queda eso) que de manera compleja contribuyó a los cambios impactantes que sufrió la música de principio del siglo XX junto con Igor Stravinsky y los demás compositores que surgieron en el romanticismo tardío. Britten estudió desde muy pequeño con Frank Bridge y después ingresó al Conservatorio Real de Música en 1930. Sus inicios se vieron en componer música para cine, lo que a su vez le llevó a conocer poetas y escritores quienes fueron una gran influencia para su música, al estallar la segunda guerra mundial emigra hacia Canadá y Estados Unidos donde encuentra un ambiente idóneo para seguir componiendo música.

Su biografía me la reservo ya que no cuento con mas datos, su obra musical es casi desconocida para mi a excepción de estos preludios y la ópera completa de Peter Grimes. Estos cuatro movimientos también suelen ser tocados por separados ya que se les puede considerar una “mini” suite y hace algunas semanas la Orquesta Filarmónica de Jalisco las interpretó en el último concierto de la primera temporada del año, ya que la temática de los conciertos fue el agua.

La ópera Peter Grimes fue escrita y estrenada en 1945, el libreto fue escrito por Montagu Slater, basándose en el poema The Borough (La aldea) de George Grabbe (1819). Básicamente y a muy grandes rasgos se trata de la vida de Peter Grimes, un personaje solitario que prefiere mantenerse alejado de la sociedad, la cual a su vez al notarle diferente lo ataca y persigue buscando cualquier pretexto, al final Peter Grimes se suicida y todos son felices. La música empleada para la ópera es muy difícil de clasificar en un solo género, característica muy notable de la música del siglo XX donde el eclecticismo es factor esencial así como la “explosión” de diversas formas musicales, estilo y estética musicales, pero algo muy notable es que la música de los preludios “habla” y describe el paisaje que abre cada acto de la ópera, los títulos nos dan la guía para saber que es lo que debemos esperar de la música y lo que nos está narrando.

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György Ligeti

19 marzo 2011 at 10:16 (siglo XX)

 


6 bagatelas para quinteto de viento

 

György Ligeti fue un compositor de Transilvania, Rumania que falleció en el 2006, se hizo famoso cuando su música apareció en películas, especialmente en 2001: A Space Oddyssey, The Shining y Eyes Wide Shut de Stanley Kubrick.

Esta obra es para quinteto de viento, compuesta en 1953 originalmente se pretendió que fueran 12 para piano pero en algún momento entre 1952 y 1953 Ligeti decidió transportarlas para el quinteto de viento compuesto por clarinete, oboe, flauta transversal, fagot y trompeta. Con excepción de la segunda y quinta bagatela, las demás son rápidas, con notas esparcidas casi todo en staccato para después acentuar con sonidos mas profundos y potentes, esta composición nos muestra a un Ligeti “economizando” el sonido pero maximizando los momentos de intensidad.

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Silvestre Revueltas

2 mayo 2010 at 13:03 (mexicana, nacionalismo, siglo XX)

La noche de los Mayas

Silvestre Revueltas es uno de los pocos mexicanos cuya obra es reconocida en el extranjero como “productos de la mente de un genio”, un hombre con una vida intensa y breve, que compusó música muy tarde en su carrera y aún así nos dejó música que apenas podemos apreciar y entender, un compositor que escribió para ser entendido y apreciado por generaciones futuras.

Nació el 31 de diciembre de 1899 en Santiago Papasquiaro, Durango y falleció el 5 de octubre de 1940 en la Ciudad de México; estudió violín y dirección orquestal tanto en México como en Estados Unidos, tuvo una relación muy estrecha con el músico, director y compositor Carlos Chávez, hasta su ruptura profesional la cual llevó a Revueltas a crear otra orquesta, la amistad con Carlos Chávez lo llevó a participar en casi todos sus proyectos incluido en la revista musical en la que se encargaban de traer noticias de Europa hacia México, este curioso proceso incluía Europa-Guadalajara-Cd. de México, a través de la tecnología de entonces. También se sabe que era aficionado a las bebidas alcohólicas, tanto que por eso murió :( . Su entorno familiar es por demás interesante, con muchos artistas y pensadores que llevaron al país a tomar una posición política/filosófica distinta a la que ya se tenía en la primera mitad del siglo XX.

Esta obra, La noche de los mayas, es una de sus mas famosas obras orquestales, es nacionalismo mexicano puro con muchos elementos del “modernismo” característico del siglo XX, para su composición utilizó elementos característicos de la música folklórica mexicana pero a un extremo muy interesante, por ejemplo en el último movimiento utiliza sonidos que chocan entre sí simulando a las bandas de pueblo todas desafinadas. La historia que cuenta La Noche de los Mayas es muy interesante, gira alrededor de la vida de una muchacha de la nación Maya, ella se enamora de un guey de su ciudad justo antes de ser elegida como la próxima virgen a ser sacrificada por el bien de su pueblo.

Empieza, en el primer movimiento, con un guey siendo sacrificado en la imagen de Chac Mool, probablemente un prisionero de guerra, la música con que abre es muy interesante ya que dramatiza la escena de una manera muy mexicana, el siguiente movimiento “platica” musicalmente la escena en que la joven coquetea con su galán a pesar de que ya saben que la van a sacrificar, el tercer movimiento es un dia normal en la vida de los mayas y sus diversas costumbres, el último movimiento es BASTANTE peculiar ya que en esta parte de la historia un curandero/brujo/shamán le da unas raíces alucinógenas a la joven y a lo largo de la primera sección la música simboliza el viajesote que se pone con las hierbas, incluso se supone que alucina con un Dios Maya en una especie de malviaje y al final, cuando sale del trance, la sacrifican.

Esta obra fue escrita para la película del mismo nombre, la cual pasa casi desapercibida ante la majestuosa obra de Revueltas. En esta década, donde los mexicanos estamos “celebrando” 200 años de “libertad” y “profundo sentido de identidad nacional”, la música de Revueltas es la mejor opción para recordar que tan mexicanos podemos ser los mexicanos.

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Arvo Pärt

20 marzo 2010 at 15:03 (minimalismo, piano, siglo XX) ()

Variaciones de “Healing of Arinushka” para piano

Esta “micro”obra del gran Arvo Pärt es un viajesote, en corto tiempo. Consta de seis pequeños movimientos donde el mas largo solo dura alrededor de 45 segundos, esta versión es una variación para piano aunque no se para que instrumento sea la original.

Es muy probable que te recuerde a otros de sus trabajos, sobre todo al precioso “Fur Alina” o al magnífico “Spiegel Im Spiegel”, tiene elementos muy parecidos a dichas obras, aunque la diferencia es que esta obra tiene una introducción o algo así en los primeros tres movimientos, donde casi no se usa la mano izquierda, a partir del cuarto movimiento aparece el tema con el que termina la pequeña obra, un tema que me gusta muchísimo, el quinto y sexto movimiento son variaciones de ese mismo tema aunque mas que variaciones son la representación de una de las características principales del minimalismo: LA SUMA DE ELEMENTOS EN EL CLIMAX.

Hermosaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaa obra <3

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John Cage

14 marzo 2010 at 23:21 (aleatoria, avant-garde, siglo XX) ()

Concierto “25 años en retrospectiva”

Esta grabación se hizo alrededor de 1958 en Nueva York, un grupo de excelentes músicos interpretaron varias obras de John Cage, uno de los compositores mas célebres de Estados Unidos, un compositor cuya obra desafió (y sigue desafiando) los estándares de la música por doquier.

La música de John Cage es de las mas difíciles de entender “a la primera” para mí, por lo general necesito que alguien me explique que intentó decir con cada obra, de hecho cada concierto de música de Cage tenía casi por necesidad que ser antecedida por una conferencia del mismo compositor para explicar la razón de cada elemento de la obra a interpretarse. Solo falta leer los antecedentes para desarrollar la famosísima y controversial Sonata 4:33

Las muchas frases célebres que John Cage nos dejó han servido para abrirle la cabeza y las orejas a muchas personas con mentes y apreciaciones limitadas como a mi, suena a cliché pero la música de John Cage me ayuda a salir de mi pequeño y limitado mundo y me permite acceder al mundo de otros sin llevar conmigo mis prejuicios y leyes morales. Espero haga lo mismo por ti.

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Sofia Asgatovna Gubaidulina

6 febrero 2010 at 15:59 (contemporaneo, siglo XX) ()

Cuarteto para cuerdas 1, 2 y 3, trío para cuerdas

Otra mujer compositora que cautiva a cualquiera, su música resalta la necesidad del ser humano por encontrar otro enfoque de vida cuando lo que conocemos ya no nos es suficiente para explicarnos que ocurre alrededor de nosotros. Sofia Gubaidulina nació en Rusia el 24 de octubre de 1931, vivió los periodos sociales mas críticos de dicha nación y se cree que por eso su música se volvió mas “espiritual” o “mística”, buscando una válvula de escape a la realidad social.

Sus obras por lo general tienen ensambles nada ordinarios, como percusión y saxofón, instrumentos japoneses, variaciones con insrumentos electrónicos y coros, creo que de su basta obra estos cuartetos y trio son los únicos con instrumentación “ordinaria”. Creo que el trio para cuerda se hace llamar “Danish Quartet” por lo que quizás ese sea el cuarteto no. 4 sin embargo no estoy seguro de este dato, no están divididos en movimientos sino que en una sola sentada se toca cada uno; son ricos en el juego con la tensión y la disonancia al estilo de los cuartetos de cuerda de Gorecki, cada uno inicia con elementos característicos diferentes, uno con pizzicatos, otro con un volumen pianissimo y el otro con leves staccatos, el trio para cuerdas si está dividido en movimientos. Feliz Sábado.

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Bun-Ching Lam

18 enero 2010 at 3:55 (contemporaneo, siglo XX) ()

…Like Water

Siguiendo en la línea de mujeres compositoras, en esta ocasión revisaremos el trabajo de una compositora que por falta de un mejor término diré “sigue con nosotros”. Nació en 1954 en Macao, China, según su sitio dice que desde los 7 años estudió piano y a los 15 dió su primer recital; se graduó como intérprete de piano en la Universidad de Hong Kong y ganó una beca en la Universidad de California, su currículum estudiantil es bastante amplio y es muy noche como para ahondar en eso, me da flojera así que pasemos directamente a la obra “…Like Water”.

Según tengo entendido esta obra es para vibráfono, violín, viola, piano y percusiones; su estructura es distinta a lo poco que he visto en música académica ya que consta de al parecer cuatro movimientos, los dos primeros movimientos están divididos a su vez en 7 secciones y los dos últimos movimientos son solo “un track” o un movimiento en sí. Como ya habíamos dicho, la música “moderna” o actual tiene infinidad de estilos, corrientes y clasificaciones y cada semana sale una forma nueva de hacer música por lo que a veces es muy difícil clasificar las obras o hablar de ellas en su totalidad, con “…Like Water” pasa lo mismo ya que la música de esta obra tiene muchísimos rasgos que no puedo describir en su totalidad y me falta saber mucho mas de muchas cosas para poder hablar con plena tranquilidad, sin embargo alcanzo a notar que la atonalidad forma parte de la propuesta de esta obra, también el uso de “atmósferas” o pasajes en los que el sonido es apenas perceptible, quizás la repetición también es un factor importante de lo que ocurre pero tomando en cuenta la corta duración de cada sección es difícil apreciar si esa era la intención.

Según las palabras de la compositora, esta obra es algo así como una metáfora musical, es decir que la música representa un tema en específico, en este caso el tema es el agua y sus diversos estados “sobre todo el hielo, el vapor y la niebla.”

Por cierto, la compuso en 1995 y creo que la etiqueta “Siglo XX” nos servirá un poco otra vez. Feliz inicio de semana.

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Marion Bauer

15 enero 2010 at 0:26 (modernismo, siglo XX)

Diversas Obras

Otra mujer compositora que debería ser mas famosa y mas reconocida a nivel mundial, no solo ella sino el grupo de compositores con el que se le “asocia” han sido eclipsados por la generación siguiente de compositores en los que se encuentra el famoso Aaron Copland y Ruth Crawford, compositora que incluso tuvo una relación estrecha con Bauer.

Marion Bauer nació el 15 de agosto de 1882 en un lugar llamado Walla Walla en Washington Gringolandia, y falleció el 9 de agosto de 1955 en otro lugar llamado South Hadley en Massachussetts del mismo país, sus padres eran emigrantes y venían de Francia. (ADVERTENCIA: La información que sigue la saqué de varias fuentes de internet que aseguran a su vez obtener información de biografías de la compositora, no se que tan confiables sean) Su educación musical comenzó con su hermana mayor Emilie Frances, quien a su vez era una pianista con estudios profesionales en música, alrededor de 1903 las dos hermanas viajan a Nueva York donde Emilie Frances se convirtió en escritora de crítica musical en la publicación “Musical Leader”, en dicha ciudad Marion Bauer estudió con un compositor prolífico llamado Henry Holden Huss cuya música tenía características mas tradicionalistas; años después viajó a París y su maestra fue Nadia Boulanger en una especie de intercambio de conocimientos, Boulanger enseñaba armonía y a su vez Bauer le enseñaba inglés, mientras que un tal Raoul Pugno fue su maestro de piano. Después en Berlín estudió contrapunto con Paul Ertel e ingresó al conservatorio de París siendo su maestro André Gedalge; puros nombres desconocidos para mí xD.

Ya, aquí termina la información de internet, lo que si se es que fundó o cofundó una especie de asociación llamada “American Music Guild” enfocada obviamente a apoyar y preservar la música de dicha nación, también se convirtió en escritora de la misma publicación en la que su hermana había participado antes, escribió algunos libros referentes a la música moderna y su apreciación, también fue maestra en la universidad de Nueva York y entró a la  Executive Board of the League of Composers, algo así como los super amigos pero en compositores. Desde la década de 1920-1930 hasta su muerte publicó muchas de sus obras y fueron interpretadas sobre todo en Nueva York, se dice que en verano se ponía el casco de la creatividad y trabajaba como loca en una colonia llamada Macdowell donde conoció a otras mujeres compositoras como Ruth Crawford Seeger, Amy Beach, Mabel Daniels y Miriam Gideon. Algunas personas dicen que Bauer pertenece a un grupo de compositores al que llaman “la vanguardia olvidada” en los que se encuentran Frederick Jacobi, Emerson Whithorne, Louis Gruenberg, y Albert Stoessel, suponen que la siguiente generación de compositores los eclipsó y quedaron en el olvido, sin embargo su música fue una de las mayores fuerzas motoras para que la música abarcara otros caminos como el de la música atonal o de 12 tonos.

En el archivo se incluyen seis de sus obras: Lamento para un tema africano Op. 20a. de 1927, Concertino para Oboe, Clarinete y Cuerdas Op. 32b de 1939-43, Trio Sonata No. 1 para Flauta, Cello y piano Op. 40 de 1944, Suite Sinfónica para Cuerdas op. 33 de 1940, Duo para Oboe y Clarinete op. 25 de 1932 y el “American Youth Concerto” op. 36 de 1943. Estas obras son muy interesantes ya que son una muestra casi exacta de la trancisión de la música impresionista hacia los primeros acercamientos de la música disonante del siglo XX, sus características se encuentran entre estos dos estilos; tienen movimientos armónicos constantes y agradables, su estilo de composición tiene muchas características tradicionalistas sobre todo en la estructura de cada obra y a su vez en las secciones de cada movimiento de dicha obra.

Música muuuuy muuuuy pero muuuuy interesante, nada complicada de escuchar y muy intrigante para descifrar, es un enigma aún mas grande que su música no sea tan famosa como debiera porque en términos mas humanos al menos estas obras me gustaron mucho y se me hicieron muuuuuuuy chingonas. Ya desde el siglo XIX la música comenzó a ser mas difícil de clasificar y sin embargo todavía se podía hacer, el siglo XX se caracteriza por la aparición de muchas corrientes en un mismo periodo histórico, ¿como llamarle a la música de Marion Bauer? yo no sé, le puse modernismo basado en la aparición histórica y todo eso pero la verdad no se.

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Germaine Tailleferre

12 enero 2010 at 0:04 (siglo XX) ()

Sonata para Arpa

Oh si! Hay muchísimas mujeres en la historia de la música cuyas obras crearon un inmenso impacto en la disciplina como la conocemos el dia de hoy, a pesar de haber tantas mujeres compositoras y que sus obras tengan tantos elementos como sus “contrapartes” masculinos, no tienen el reconocimiento al nivel de otros compositores “de cajón”. Es una gran pena pero nuestros tiempos han cambiado, cada vez mas personas nos interesamos por la música y las infinitas propiedades favorables que nos ofrece. Según me he ido encontrando con compositoras y sus obras, he notado que por lo menos se tiene registro de mujeres en la música desde la época medieval, mas adelante haré un registro de la información que he recabado y sobre todo trataré de publicar la música que tengo.

Una de las compositoras clave dentro de la música del siglo XX es definitivamente Germaine Tailleferre, nació el 19 de abril de 1892 en Saint Maur des Fossés en Francia y murió el 7 de noviembre de 1983 en París. Perteneció a un grupo de músicos/compositores del mismo país al que se le llamó “Les Six”, eran los protegidos tanto de Jean Cocteau como del excéntrico (y venerado en este blog) Erik Satie; a este grupo también pertenecían Francis Poulenc, Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger y Darius Milhaud, según lo que me encontré en algunas enciclopedias dicen que estos Les Six fueron algo así como un movimiento que se oponía al Impresionismo o al menos renegaban de muchos de sus elementos, sin embargo este dato me resulta bastante confuso ya que he leido en otras partes que se les consideraba también impresionistas, quizás solo por el sencillo detalle de ser de Francia.

Pues buen, Tailleferre fue la única mujer del grupo, su obra suele ser reducida a sus preciosas composiciones para piano sin embargo abarca muchas fomas musicales como sonatas, conciertos, conciertinos, música para ballet, realizó diversos cortes musicales para muchas películas, su característica principal fueron los ensambles musicales poco usuales para su época es decir hacer un quinteto con instrumentos de viento y orquesta de cámara por ejemplo, o sonatas para dos violines y un clarinete, también hizo de la arpa un instrumento principal y no solo secundario al escribir tanto sonatas como concertinos para dicho instrumento. Algo que me llamó mucho la atención fue que Tailleferre cambió su apellido, el original era Taillefesse, según dicen a manera de venganza ya que su padre se negaba a pagarle los estudios en música.

Esta pequeña sonata para arpa que les pongo a su disposición, consta de tres pequeños movimientos en los que dos son rápidos y uno es lento pero no tanto como un adagio, el color que emana su música me recuerda mucho a las obras mas características y famosas de impresionistas de la talla de Ravel sin embargo no tiene muchos elementos de dicho movimiento, por ejemplo en el impresionismo hacen uso de notas alargadas tipo “drone”, en las obras para piano tocan una tecla y presionan el pedal para que esa nota sirva de base para las demás notas que se tocan con rapidez. En esta obra, ambas manos “cantan” al mismo tiempo en un contrapunto que parece enredoso por la velocidad en que se tocan (en los movimientos rápidos) y su tonalidad mayor nos regala al oido melodías “alegres” y de cierto modo “universales”, se escuchan muy complicadas pero es muy fácil gustar de ellas.

Me es muy difícil encontrar una “categoría” o estilo musical en el cual poder clasificar la música de Tailleferre, la única clasificación o periodo que me convence por el momento es “Música del Siglo XX” pero espero en estos dias alguien tenga una mejor. Feliz Lunes xD

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