Frédéric Chopin

31 agosto 2009 at 10:19 (piano, Romanticismo) ()

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Concierto para piano y orquesta no. 2 op. 21 en fa menor y 24 preludios op. 28

Frédéric Chopin, nacido en Zelazowa Wola, Polonia, el 1 de marzo de 1810, fallecido en París el 17 de octubre de 1849. Su casa donde pasó su infancia estaba a unos 60 kilómetros de Varsovia, su padre era Nicholas Chopin quien era francés con ancestros polacos y era maestro de francés y literatura francesa, su madre fue Tekla Justyna Kryzanowska provenía de la nobleza polaca. Poco después tuvieron que trasladarse a Varsovia porque a Nicolás le ofrecieron trabajo como profesor de francés en el Liceo de Varsovia.

Frédéric tenía tres hermanas mayores, Ludwika, Izabella y Emilia, la hermana mayor fue su primera maestra de piano, después notaron que tenía mucho talento y lo inscribieron con el maestro Wojciech Zywny.

Poco después escribió su primer trabajo, una polonesa en sol mayor. Bueno su biografía es muy extensa y tengo mucha hueva, a grandes rasgos su carrera se vió eclipsada pero a la vez beneficiada por los constantes conflictos bélicos en la Europa del siglo XIX y su salud siempre fue frágil, desde que abandonó Polonia jamás volvió a pisar suelo polaco y vivió casi todo el tiempo en París, curiosamente se dice que fue el mismo pueblo polaco quien juntó el dinero necesario para sacarlo del país antes que estallaran los conflictos.

La obra de Chopin es el Romanticismo en su máximo esplendor, aunque solo escribió obras para piano tiene dos conciertos para piano y orquesta, su obra también antecede al nacionalismo que poco tiempo después fue el fervor de la música. Como datos curiosos, no le gustaba tocar para grandes audiencias y prefería tocar para gente que estudiara música o para grandes pianistas, algo curioso ya que a las grandes masas era mas fácil “engañar” que tocar para puros tijeritas. También se dice que su música, en específico sus polonesas, llenaron de valor a los polacos un siglo después en los levantamientos armados contra la invasión nazi.

El concierto para piano no. 2 en realidad es el primero que escribió pero el segundo en publicarse, por eso se le quedó la numeración dos. Consiste de tres movimientos: Maestoso, Larghetto y Allegro Vivace, este concierto es el mas “famoso” de sus dos conciertos para piano porque pareciera que se inclina mas a seguir sus instintos desde el primer movimiento y no caer en la “trampa” de estructurar los otros dos a medida del primero; sin embargo me dijeron que Chopin no era muy bueno para orquestar y por eso se dedicó a obras para piano únicamente, incluso hay rumores que sus amigos le ayudaban a terminar sus orquestaciones.

Los preludios son piezas musicales breves, que por lo general sirven de introducción a movimientos mas complejos y mas largos, su origen se dió cuando al nombre “preludio” se le adjudicaba a las pequeñas improvisaciones que hacían los músicos para comprobar que sus instrumentos estuvieran afinados, después se escribieron varios también de carácter improvisacional como introducción a grandes obras, después Johann Sebastián Bach escribió el monumental “clave bien temperado” y las formas de preludio y fuga alcanzan su máxima cumbre.

Los preludios para piano de Chopin se encuentran catalogados en el Op. 28 y el Op. 45, y otro de ellos es póstumo. Este disco trae los del Op. 28, son piezas breves de entre treinta segundos hasta cinco minutos de duración, y cada uno está escrito en una tonalidad distinta.

Los compuso entre 1835 y 1839, el último año lo pasó en Mallorca en una isla supuestamente para evitar el invierno parisino, sin embargo el frío les llegó pesado y para acabarla de chingar el piano de Chopin llegó muy tarde y tuvo que usar uno todo madreado parecido al mio jajajaja. Se publicaron en 1839 y empezó un debate bien ñoño acerca de la controversial estructura de los preludios, se les consideraban muy cortos y hubo quienes los llamaron solo “bosquejos” de un trabajo a medias; ahora sabemos que estos preludios eran trabajos completos por si solos y que cada uno opera como un envase emocional de la situación de Chopin y por esta característica no se les puede considerar Preludios como tales, sino que marcaron un cambio significativo en esta forma musical ya que dejaron de ser trabajos introductorios a obras y los convirtió en trabajos terminados por sí mismos. Y bastante difíciles.

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Ludwig Van Beethoven

30 agosto 2009 at 10:00 (clasico, Romanticismo) ()

beethoven

Oberturas de Beethoven (rapidshare)

Beethoven solo compuso una ópera, Fidelio, la que hace algunos ayeres puse por acá, pues bueno la obertura de esa ópera tuvo cuatro versiones, tres Leonoras y un Fidelio jeje,  ya que con el paso del tiempo y las exigencias del público Beethoven tuvo que modificarla y de manera curiosa algunas versiones solo se tocaban en ciertas regiones de Europa, algo parecido a lo que Mozart hacía con muchas de sus composiciones al hacerlas “a la medida” tanto de los músicos como del público cuando las circunstancias así lo pedían.

Sus otras oberturas son Prometeo op. 43, Coriolanus op. 62, la gloriosa Egmont op. 84, Las ruinas de Atenas op. 113 y Onomastica op. 115, cada una cargada de dramatismo, energía Beethovenesca, gloriosos estruendos, belleza, poesía auditiva, heroismo.

Prometeo. Es la obertura del Ballet del mismo nombre, se interpretó por primera vez en 1801 en en el teatro imperial de Hof, Vienna; está hecha de creo tres movimientos unidos, creo que son un Adagio y dos Allegros.

Las ruinas de Athenas. Esta obertura fue escrita en 1811 para la inauguración del teatro de Pesth en Alemania, tiene como fuente literaria el trabajo de Kotzebue llamado “el vuelo de Bela” que creo es como un relato de la vida de un rey de Hungría. La tocaron el 9 febrero de 1812 y para celebrar la tendencia de ese tiempo, Beethoven hizo algunas modificaciones características de la música Grecorromana.

Corolianus. Escrita en 1807 y estructurada para convertirla en la introducción de “La tragedia de Collin” de 1802, tuvo un “éxito taquillero” espectacular, tiene una temática de heroismo y circula en la historia de una consciencia partida en pedazos.

Egmont. Fue (por cierto ¿”fué” lleva acento?”) escrita en 1810 y forma parte de la puesta en escena de la tragedia de Goethe que lleva el mismo nombre. Esta es una de mis composiciones favoritas de Beethoven y es considerada una de sus obras mas chingonas y ricas en imágenes de esas que empiezan con sonidos y nos proponen escenas; la parte de la introducción tiene la forma de un baile español lento y simboliza a los invasores españoles, después evoluciona para representar al pueblo conquistado.

La obra de Goethe está cargada de los ideales que movían a Beethoven, relata la pelea del guerrero belga Conde Egmont (1522 – 1568) contra el invasor español Duque de Alba. A pesar de estar bajo amenaza de arresto si no cumplía las órdenes, Egmont decide no escapar y mantener sus ideales de libertad, sus maricas compatriotas huyen y Egmont se convierte en prisionero y es condenado a muerte a pesar de los esfuerzos de su “amiguilla” Klärchen, quien se ve cara a cara con su fracaso y decepción y se suicida. La obra termina con Egmont llamando a la lucha por la independencia por última vez antes de morir, y su muerte como mártir se vuelve una victoria contra la opresión.

Onomastica. Es la única obertura de Beethoven que no fue escrita para el teatro, de hecho no fue escrita para ninguna ocasión en específico, Beethoven le puso título y dijo “es adaptable para cualquier circunstancia y apropiada para tocarse en conciertos”.

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Fernando de la Mora

29 agosto 2009 at 10:03 (mexicana, tenor) ()

mora

Amor Eterno

Fernando De La Mora es un tenor mexicano que se ha encargado de reinventar muchos clásicos de la música mexicana. Para empezar las canciones del disco están chingonsísimas, el resultado de la intervención de Fernando de la Mora fueron 17 canciones orgásmicas que solo falta que les prendan unas velitas para canonizarlas.

pFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFF discazo!!! Me gustó mucho porque no suena a esas transcripciones de música mexicana que terminan sonando a música europea, el toque nacional quedó impregnado del talento del tenor. BRAVOOOOOOOOOOO!! Por cierto estará en tierras Jalisciences en el festival este de mariachis y eso. Iría pero está muy caro :(

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Varios

28 agosto 2009 at 16:31 (barroco, clasico, piano, Romanticismo) (, , , , , , , , , , , )

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Für Elise, my first recital

Este disco está bien chido, es una selección de varias composiciones para piano de diversos composistores del barroco, clásico y romántico en su mayoría. Por la portada parece un disco inocente y como “para aficionados” pero al ver los intérpretes de las obras pfffffffff me quito el sombrero para el que juntó a todos esos pianistas, desde Marta Argerich hasta Willhelm Kempf y Daniel Barenboim; otro punto a favor de este disco es que tiene muchas obras que ya había escuchado antes pero no sabía quien era el autor. Las obras que contiene son:

Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Bagatelle in A minor, WoO 59 -”Für Elise”
1) Poco moto [4:03]
interpretada por Anatol Ugorski

Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
2) Prelude and Fugue in C (WTK, Book I, No.1), BWV 846 [3:26]
interpretada por Wilhelm Kempff


Felix Mendelssohn (1809 – 1847)

Lieder ohne Worte, Op.62

3) No. 6 Andante grazioso in A “Spring Song” [2:08]

interpretada por Daniel Barenboim

Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Piano Sonata No.14 in C sharp minor, Op.27 No.2 -”Moonlight”
4) 1. Adagio sostenuto [6:01]
interpretada por Wilhelm Kempff

Robert Schumann (1810 – 1856)
Kinderszenen, Op.15
5) 1. Von fremden Ländern und Menschen [1:51]
6) 7. Träumerei [2:59]
interpretada por Martha Argerich


Waldszenen, Op.82
7) 7. Vogel als Prophet [2:57]
interpretada por Maria João Pires

Claude Debussy (1862 – 1918)
Suite bergamasque
8) 3. Clair de lune [5:08] $ 1.29
interpretada por Alexis Weissenberg

Frédéric Chopin (1810 – 1849)
12 Etudes, Op.10
9) No. 3 in E “Tristesse” [3:59]
interpretada por Tamás Vásáry

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Piano Sonata No.11 in A, K.331 -”Alla Turca”
10) 3. Alla Turca (Allegretto) [3:41]
interpretada por Maria João Pires

Franz Liszt (1811 – 1886)
Liebestraum No.3 in A flat, S.541 No.3
nach einem Gedicht von Ferdinand Freiligrath
11) Notturno III: O lieb, so lang du lieben kannst Poco Allegro, con affetto [4:35]
interpretada por Daniel Barenboim

Georges Bizet (1838 – 1875)
Jeux d’enfants, Op.22
12) 6. Trompette et tambour [2:07]
13) 2. La toupie [0:57]
14) 12. Le bal [1:39]
interpretadas por Alfons Kontarsky, Aloys Kontarsky

Johannes Brahms (1833 – 1897)
16 Waltzes, Op.39
15) 15. in A flat [1:41]
interpretadas por Aloys Kontarsky, Alfons Kontarsky

Claude Debussy (1862 – 1918)
Children’s Corner
16) 1. Doctor Gradus ad Parnassum [1:49]
interpretada por Alexis Weissenberg

Franz Schubert (1797 – 1828)
4 Impromptus, Op.90, D.899
17) No.2 in E flat: Allegro [4:39]
interpretada por Daniel Barenboim

Frédéric Chopin (1810 – 1849)
18) Waltz No.6 in D flat, Op.64 No.1 -”Minute” [1:53]
interpretada por Jean-Marc Luisada

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
19) 12 Variations in C, K.265 on “Ah, vous dirai-je Maman” [7:47]
interpretada por Clara Haskil

Edvard Grieg (1843 – 1907)
Lyric Pieces, op.57
20) 6. Heimweh [4:19]
interpretada por Emil Gilels

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Magdalena Kozena

27 agosto 2009 at 10:00 (Arias, opera) ()

magdalena

French Arias

Ayer tuve uno de esos dias, fue un dia muy estresante en el trabajo por lo que decidí disminuir el estrés que sentía y puse este disco en la oficina, todo iba bien hasta que el neanderthal que tengo como patrón grita a lo largo de la oficina: “QUITEN ESA CHINGADERAAAAAAAAAAAAAAAAAAA”.

Yo se que cada cabeza es un mundo y todos tenemos derecho a una opinión en absolutamente todos los temas, y tenemos derecho a que se nos respete esa opinión y estar libres de juicios morales. Pero en ese preciso momento me di cuenta que mi patrón es un guey bieeeeeeeeeeeeeeeen pendejo, se le ocurrió catalogar como “chingadera” al aria “les tringles des sistres tintaient” del acto 2 de la ópera Cármen de Georges Bizet, hasta el dia de ayer había escuchado muuuuuuuuuuchísimas formas en que alguien se exprese de la música clásica y de las óperas, he escuchado gente que dice que no le gusta, que le aburre, que le parecen gritos, que le da risa, que no le entiende, que le parece de snobs, pero nuuuuuuuuuuuuuunca había escuchado algo así, fue como ver un pedazo de mierda burlarse del atardecer.

En fin, este disco fue grabado en el 2003 por la orquesta de cámara Mahler, con Magdalena Kozena y dirigida por Marc Winowski. Son quince Arias de óperas de diversos compositores y no conozco a la mayoría, tooodas están en idioma francés y Magdalena Kozena nos presume su talento alcanzando notas muy difíciles.

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Muzio Clementi

26 agosto 2009 at 16:30 (clasico, piano) ()

clementi

Sonatinas para piano

Muzio Clementi fue un músico y compositor nacido en Roma el 24 de enero de 1752, falleció el 10 de marzo de 1832 y fué el primer compositor que dedicó su obra específicamente para el piano (o para el clavecín, el abuelito del piano).

Hijo del platero italiano Nicolo Clementi y la suiza Magdalena Kaiser, desde los siete años comenzó su formación musical y a los trece años ya era organista de la iglesia de su localidad. En 1766 un guey llamado Sir Peter Beckford se interesó en el talento musical de Muzio y ofreció patrocinar sus estudios a cambio de que se trasladase a Inglaterra a su mansión, en esta etapa de su vida Clementi se enfoca en el estudio del clavecín. En 1770 se presenta frente una audiencia por primera vez y todo mundo se sorprendió por sus habilidades y empezó su fama de boca en boca; en 1774 sale de la tutela de Beckford y se dirige a Londres donde empieza su carrera como concertista y en algunas ocasiones como director desde el piano, después sirve un pequeño periodo para la corte de un rey.

En 1781 empieza una gira por casi toda Europa, de corte en corte, para presentar su trabajo de sonatas para piano, en una de las cortes que aterriza es en la de Jose II donde se le invita a un “duelo” contra Wolfgang Amadeus Mozart, supuestamente el duelo terminó como un empate, sin embargo esto era muy común ya que la creciente ola de músicos alemanes empezaba a adquirir un estado de rivalidad contra los músicos italianos que por mucho tiempo siempre habían sido considerados de la misma manera que en el futbol los brasileños son elogiados y alabados.

Este disco contiene algunos de los trabajos para clavecín (harpsichord en inglés), unas sonatas para piano y unas sonatinas para piano. Son de las mas famosas de su repertorio y conviene ponerles mucha atención ya que tienen casi toda la rigurosa estructura del periodo clásico y ayudan mucho para después compararlas con otros compositores de otros periodos y lograr diferenciar un estilo de otro.

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Philip Glass

25 agosto 2009 at 12:59 (minimalismo, Soundtracks) ()

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The Illusionist Soundtrack

Philip Glass es un músico / compositor gringo nacido el 31 de enero de 1937. Es uno de los compositores contemporaneos mas importantes, su prolífica obra incluye óperas, música para teatro, ocho sinfonías, ocho conciertos, sonatas, cuartetos de cuerda y soundtracks para películas, de las cuales tres han sido nominadas al óscar.

Su mayor influencia, o mejor dicho el compositor que dejó una gran estampa en su obra es Steve Reich con su trabajo de Piano Phase y su minimalismo cuya estructura se basa en la repetición y la creación de nuevas formas de interpretar música.

Según leí en una página a Glass no le gusta ser clasificado como minimalista, y por lo que he escuchado en este soundtrack no quiso limitarse a esa etiqueta e hizo uso de muchas otras corrientes y las mezcló en un solo estilo y surgió un bello trabajo para una película que ni he visto completa. En sus otros trabajos para pelícuñas parece que prefiere la música íntima interpretada por un pequeño ensamble, en este trabajo la música se escucha mas ostentosa y cargada de drama sin dejar los elementos Glass-escos como en The Orange Tree o The Secret Plot.

El “detalle” que le encuentro es que si escuchas una canción al azar, enseguida te sales del contexto total del álbum y es muy difícil reconocerlo como un disco de Philip Glass, es en su totalidad que los sellos característicos de su música aparecen flotando.

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Henryk Górecki

25 agosto 2009 at 1:12 (minimalismo) (, )

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Cuartetos para cuerda 1 y 2

En este disco, los míticos cuartetos para cuerda 1 y 2 de Henryk Górecki son interpretados por los también míticos Kronos Quartet. Estos dos cuartetos son considerados como parte del pináculo compositivo lleno de misticismo del repertorio de Górecki, según dicen tienen muchos elementos de Bartok y hacen del minimalismo y el modernismo una mezcla extraña y oscura.

El cuarteto 1 se llama “Already it is dusk” y consta de un solo movimiento laaaaaargo y oscuro, misterioso, al principio me recuerda poquito a su Sinfonía 3 pero puuuuuuuuuuuuuuuuuuuuum de repente los instrumentos atacan como lo recuerdo en películas de terror y otra vez vuelve la calma, casi imperceptibles aparecen a lo lejos como también lo hace Arvo Pärt en algunos de sus trabajos.

El cuarteto 2 se llama Quasi una fantasia y se compone de cuatro movimientos parecido a muchos de los cuartetos para cuerda nacidos en el romanticismo, sin embargo no hay mucho romanticismo en su estructura. El primer movimiento es totalmente lento y meditativo, cuando lo escucho me viene a la mente un cazador acechando a su presa en la oscuridad; el segundo movimiento tiene unos stacatos y el violín haciendo el papel de solista, es muy curioso que los stacatos de cuerda suenan mas tenebrosos y el violín suena alegre y caluroso hasta cierto punto. El tercer movimiento es un adagio que me recuerda al primer cuarteto, también me parece oscuro y meditativo, los sonidos son casi imperceptibles; el cuarto movimiento es un allegro, por lo que puedes esperar velocidad y agilidad, de este movimiento la velocidad se mezcla con algo de ansiedad y esperanza a la vez o al menos esas sensaciones me produce, tiene pocos momentos de tranquilidad y meditación y es la manera perfecta para cerrar el cuarteto.

Para añadirle mas misticismo y belleza, están interpretados por el maravilloso Kronos Quartet. Feliz inicio de semana.

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Bill Evans

23 agosto 2009 at 4:12 (jazz, piano) ()

Sundayatthevillagevanguard

Sunday at the Village Vanguard

Bill Evans fue un pianista estadounidense de jazz, nació en 1929 y falleció en 1980. Su obra es una intensa muestra del jazz instrumental con base en el virtuosismo y en la improvisación, llevando a la música mas allá de sus límites. Las influencias mas importantes en la música de Bill Evans son el impresionismo de Maurice Ravel y Claude Debussy, esto hizo que tanto su música como la de compositores posteriores a Evans mantuvieran algunos cortes de la música europea logrando fusiones bastante interesantes con gente como Herbie Hancock, Brad Mehldau o Keith Jarret.

Este disco es de 1961, se grabó en vivo a lo largo de cinco sesiones, es la última presentación en vivo con el Bill Evans Trio de ese tiempo con Bill Evans en el piano, Scott LaFaro en el bajo y Paul Motian en la batería, diez dias después de su grabación LaFaro muere en un accidente automovilístico.

Me gusta mucho la idea de “jazz impresionista” de los temas de Bill Evans, lo destacable es que usa temas de otros compositores y hace variaciones que resultan una explosión de talento y destreza, en particular la versión de My Man’s gone now original creo de George Gershwin. Perfecto para el domingo :D

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Don Juan de Lienas

9 agosto 2009 at 20:42 (barroco) ()

Salve I, II, III y IV

La figura de Don Juan de Lienas está llena de misterio, si lo que he leido y escuchado es cierto entonces es probable que estemos ante el primer compositor mexicano que data de la época de la colonia española en México. El gran problema es que solo he escuchado estos salves que supuestamente son de su obra, sin embargo es muuuuy difícil encontrar información acerca de Don Juan de Lienas (mas adelante pondré mis teorías) y a estas alturas su existencia me es tan probable como su no-existencia.

Lo que he “descubierto”, entre comillas porque lo leí en algún lugar de internet, es que vivió entre los siglos XVI y XVII en la actual Ciudad de México, el primer dato relevante y sorprendente (para mí) viene directamente en su nombre con el prefijo “Don” ya que en la época colonial así se le llamaba a los descendientes de la realeza azteca, lo cual no solo nos habla de que es el primer mexicano que hace música barroca sino que también nos habla del trato que los españoles le daban a la realeza indígena.

Según la información que encontré, sus partituras se encuentran en los archivos del Convento del Carmen de la Cd. de México y en Chicago (ve tu a saber que putas hacen allá) y parece que fueron escritas para ser cantadas en el Convento de la Encarnación fundado en la Cd. de México en 1595. Supuestamente la otra parte de su obra se encuenra en el Convento del Carmen, lo que hace suponer que fue maestro de capilla de ahí, eso sería otro dato muy interesante porque si lo comparamos con otros compositores legendarios ese puesto era codiciado por ellos.

Estos “Salve” son composiciones para voz, alcanzo a distinguir tres voces pero seguramente son mas, no se si es un solo Salve en cuatro movimientos o cuatro Salve por separado, por cierto el Salve es una forma musical que surgió a principios del renacimiento gracias a la contrarreforma protestante y ya se permitía usar voces de mujeres en los coros.

Y para finalizar un pequeño comparativo, se cree que Don Juan de Lienas vivió entre los siglos XVI y XVII, Johann Sebastian Bach vivió entre los siglos XVI y XVII, Johann Cristoph Pachelbel nació a mediados del siglo XVII, Georg Friedrich Händel en 1685, Henry Purcell en 1659, François Couperin en 1668, Antonio Vivaldi en 1678. Esto quiere decir que sus contemporáneos europeos no eran cualquiera, no he escuchado toda la obra de Don Juan de Lienas (y de verdad espero escucharla) pero creo que no les pide nada a sus contrapartes europeas.

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4 agosto 2009 at 5:46 (Uncategorized)

Descanza en paz Miriam

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Igor Stravinski

1 agosto 2009 at 15:21 (contemporaneo) ()

stra

Suites para ballet vol. 3 (dirigidas por él mismo)

Ígor Fiódorovich Stravinski nació el 17 de junio de 1888 en Oranienbaum Rusia y falleció en Nueva York el 6 de abril de 1971. Su obra es un ejemplo curioso de lo que pasa cuando un talentoso compositor vive a lo largo del surgimiento de distintas formas musicales, cuando hablamos de apreciación musical muchos como yo tenemos la tendencia a hablar de un estilo o género de manera evolutiva, es decir pensamos que la música de hace 300 años es menos “algo” que la música de hace 100 años; Stravinski maneja muchísimas corrientes en su obra y creo que es la primera vez que logro entender que la apreciación musical debe estar basada en el conocimiento del contexto social, económico y cultural del compositor así como sus ideales fundamentales.

Stravinski fue hijo de un cantante de ópera y estuvo a su cuidado así como del de su hermana, estudió derecho pero lo abandonó para estudiar composición. Fue alumno de Nikolai Rimsi-Korsakov, ahí nomás, en este periodo escribió Feu d’artifice, que le dió un poco de fama y fue cuando le encargaron que escribiera El Pájaro de Fuego (obra que está en el cd).

En 1910 viaja a París, la primera vez que sale de Rusia, para asistir al estreno de su obra Pájaro de Fuego por un ballet ruso, mientras permaneció en París escribió Petrushka (que también está en el CD) y La consagración de la primavera, de esta se dice que el dia de su estreno fue rechazada al punto en que el público asistente provocó un desmadre y en el segundo acto tuvo que intervenir la policía para calmar a la gente, tal cual concierto 90ero de los Guns N’ Roses.

Algo que nos habla de la personalidad de Stravinski es su amor por el arte, según dicen se consumía por conocer nuevas obras de arte sobre todo en la literatura y en la pintura, por ahí escuché que en su obra Pulcinella (que también está en el CD) colaboró con Pablo Picasso pero no se en que sentido se dió la colaboración. Estuvo casado dos veces y uno de sus hijos también fue compositor, Soulima Stravinski, quien no es muy conocido por la abrumadora fama de su padre, gran complejo de Edipo.

Los ballets que vienen en el CD tienen como característica común que son para orquestas grandes. Mientras que el Pájaro de Fuego y Petrushka son de su primer periodo compositivo al que llaman “primitivo” o “ruso” en el que hace uso de un nacionalismo ruso y de manera extravagente, Pulcinella se encuentra en su segundo periodo compositivo o Neoclásico en el que “regresa” a los elementos Mozartianos y Johannsebastianbachianos, es decir dividir su obra en movimientos con nombres italianos, reglas musicales estrictas y contrapunto.

Primer dia de agosto :D tenía mucho sin publicar nada, espero les guste

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