Philip Glass

12 noviembre 2012 at 19:55 (electronica, minimalismo)

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¡Que bien se siente estar de vuelta! Hace mucho tiempo que no escribo una reseña para un álbum, he dedicado estos diasmesesaños de mi vida en disfrutar de la música para mi y platicar de mi experiencia con las personas que me rodean y he aprendido mucho de mis amigos y familiares acerca de lo que ellos opinan de la música que les gusta.

He pasado por muchos cambios en mi persona en este último año, inicié una relación de pareja con la mujer mas hermosa del mundo, fortalecí los lazos con mis mejores amigos (tanto los del pasado como los del futuro), he cerrado ciclos que me tenían atado a un pasado fantasmal que solo hacía eco en mis oidos; así también he asistido a un puñado de conciertos que me han cambiado la vida tanto de música popular como académica, siendo el mas impactante el concierto de Arvo Pärt el pasado 19 de octubre en Guanajuato.

Poder estar ante la majestuosa presencia de uno de los compositores mas importantes de toda la historia musical me hizo recordar la belleza de compartir música por el simple hecho de compartirla, recordé el enorme placer que siento en mi alma cuando escribo lo que ocurre en mi mente y corazón cuando escucho las notas que humedecen mis sentimientos a través de mis oidos. Así que, aquí voy a presentarles uno de los discos que mas llamó mi atención este año.

Se trata de un ambicioso proyecto en el que varios artistas (en su mayoría de mi total agrado) decidieron hacer su “tributo” a Philip Glass, otro de los minimalistas mas importantes. Para hablar de este álbum primero quiero dar la impresión que deja en mi la preciosa e hipnotizante música de Philip Glass.

Ya he compartido otras obras de minimalistas por este medio, si la memoria no me falla ya se dijo que la característica principal del minimalismo es la repetición junto con el casi nulo movimiento armónico (a excepción del maestro John Adams), gracias a ese detalle es que el minimalismo ha encontrado un campo fértil en la música popular y desde su aparición ya no se puede distinguir cual de “las dos músicas” es la que sirve de influencia y cual de receptor.

Philip Glass es uno de los expertos en el concepto de esta corriente musical, escuchar sus obras significa visitar otro planeta y aprender su lenguaje sin ningún problema, el minimalismo de Glass en un ejemplo gráfico sería como ver una gotera constante, el agua cae de manera repetitiva hasta que nos hipnotiza y en el momento menos esperado aparece un chorro del vital líquido que se vuelve majestuoso ante nuestra percepción. Me impresiona como para muchas personas este concepto les parece tonto y obsoleto, porque yo lo encuentro delicioso.

Ahora, tengo que recalcar que yo soy una de esas personas que no le agrada mucho la idea del “remix” (ya en la música popular, mucho menos en la académica) y lo único que llamó mi atención de este proyecto, al principio, fue la selección de músicos que aparece en el proyecto: Beck (quien tengo entendido es el líder detrás de todo el proyecto), Cornelius, Dan Deacon, Nosaj Thing, Jóhann Jóhannsson, Peter Broderick, Pantha Du Prince, Tyondai Braxton, Amon Tobin, Memory Tapes, My Great Ghost y Silver Alert, todos eligieron distintas obras del maestro Glass y las llevaron a su mundo, las revisaron y crearon una versión nueva y fresca. No es que la obra de Glass lo necesitara, sus obras son de por si novedosas y entretenidas al cerebro para escuchar, lo que si me hacía falta escuchar era un homenaje de este calibre. Magnífico!

REWORK_

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Saludos!

11 noviembre 2012 at 12:11 (Uncategorized)

Tenía olvidado este blog! Si el tiempo y mi laptop lo permite, estaré publicando un poco mas de música. Saludos a todos!

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Astor Piazzolla & Kronos Quartet

13 julio 2011 at 21:56 (nacionalismo, siglo XX, tango)

Five Tango Sensations

Me parece que ya habíamos hablado con anterioridad del nacionalista argentino Ástor Piazzolla así como del Kronos Quartet, tanto el compositor como el cuarteto parecían estar en un universo paralelo a pesar de estar tan cerca, fue hasta el año de 1987 que Robert Hurwitz (productor ejecutivo del cuarteto) invitó a Piazzolla a un concierto del Kronos Quartet. Después del evento, Piazzolla pasó tras el escenario para felicitarlos e intercambiar teléfonos, después de unos dias David Harrington llamó a Piazzolla quien ya tenía escritas las partituras de los cinco tangos, desde entonces el cuarteto usa las hojas originales.

Creo que grabaron una parte en el álbum “Winter was hard” que ya había publicado por acá hace algunos años, pero su estreno se llevó a cabo con Piazzolla tocando junto con el Kronos Quartet, ese dia Piazzolla confesó haber escrito estos tangos con el propósito de tocar con el cuarteto. Fueron escritos después que Piazzolla sufriera una enfermedad muy grave, según sus palabras estos tangos son “una despedida musical a la vida” y los títulos nos llevan directamente a las emociones que el compositor quería transmitir. Curiosamente, dejó al final “Fear”.

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Benjamin Britten

19 abril 2011 at 18:26 (siglo XX) ()

Preludios para la ópera “Peter Grimes”:

Amanecer

Domingo en la mañana

Luz de luna

Tormenta

Benjamin Britten fue un compositor británico nacido el 22 de noviembre de 1913 en Lowestoft (ni idea donde queda eso) que de manera compleja contribuyó a los cambios impactantes que sufrió la música de principio del siglo XX junto con Igor Stravinsky y los demás compositores que surgieron en el romanticismo tardío. Britten estudió desde muy pequeño con Frank Bridge y después ingresó al Conservatorio Real de Música en 1930. Sus inicios se vieron en componer música para cine, lo que a su vez le llevó a conocer poetas y escritores quienes fueron una gran influencia para su música, al estallar la segunda guerra mundial emigra hacia Canadá y Estados Unidos donde encuentra un ambiente idóneo para seguir componiendo música.

Su biografía me la reservo ya que no cuento con mas datos, su obra musical es casi desconocida para mi a excepción de estos preludios y la ópera completa de Peter Grimes. Estos cuatro movimientos también suelen ser tocados por separados ya que se les puede considerar una “mini” suite y hace algunas semanas la Orquesta Filarmónica de Jalisco las interpretó en el último concierto de la primera temporada del año, ya que la temática de los conciertos fue el agua.

La ópera Peter Grimes fue escrita y estrenada en 1945, el libreto fue escrito por Montagu Slater, basándose en el poema The Borough (La aldea) de George Grabbe (1819). Básicamente y a muy grandes rasgos se trata de la vida de Peter Grimes, un personaje solitario que prefiere mantenerse alejado de la sociedad, la cual a su vez al notarle diferente lo ataca y persigue buscando cualquier pretexto, al final Peter Grimes se suicida y todos son felices. La música empleada para la ópera es muy difícil de clasificar en un solo género, característica muy notable de la música del siglo XX donde el eclecticismo es factor esencial así como la “explosión” de diversas formas musicales, estilo y estética musicales, pero algo muy notable es que la música de los preludios “habla” y describe el paisaje que abre cada acto de la ópera, los títulos nos dan la guía para saber que es lo que debemos esperar de la música y lo que nos está narrando.

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György Ligeti

19 marzo 2011 at 10:16 (siglo XX)

 


6 bagatelas para quinteto de viento

 

György Ligeti fue un compositor de Transilvania, Rumania que falleció en el 2006, se hizo famoso cuando su música apareció en películas, especialmente en 2001: A Space Oddyssey, The Shining y Eyes Wide Shut de Stanley Kubrick.

Esta obra es para quinteto de viento, compuesta en 1953 originalmente se pretendió que fueran 12 para piano pero en algún momento entre 1952 y 1953 Ligeti decidió transportarlas para el quinteto de viento compuesto por clarinete, oboe, flauta transversal, fagot y trompeta. Con excepción de la segunda y quinta bagatela, las demás son rápidas, con notas esparcidas casi todo en staccato para después acentuar con sonidos mas profundos y potentes, esta composición nos muestra a un Ligeti “economizando” el sonido pero maximizando los momentos de intensidad.

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Franz Schubert

2 marzo 2011 at 18:14 (Romanticismo)

Sinfonía no. 5

1er movimiento

2do movimiento

3er movimiento

4to movimiento

 

Franz Schubert, nació el 31 de enero de 1791 y falleció el 19 de noviembre de 1828, nació en Austria muy cerca de Viena en una familia de escasos recursos económicos, su padre fue maestro y su madre había sido ama de casa. Su primera experiencia con la música fue con su padre que le enseñó los elementos básicos de solfeo, después bajo el mando de Antonio Salieri entró al coro que ahora es conocido como “el de los niños cantores de Viena” y Franz Schubert entró a estudiar de manera formal tanto interpretación como composición musical.

A pesar de haber muerto tan joven su obra es enorme, cuenta con óperas, Lieds, sonatas, 9 sinfonías, música de cámara y para piano. Su música no fue apreciada hasta mucho tiempo después de su muerte, que fue redescubierto por gente como Felix Mendelssohn, Frans Liszt y Robert Schumann. Toda su vida tuvo problemas económicos y no fue muy reconocido por sus contemporáneos.

Schubert era admirador de Mozart y Beethoven (mas o menos sus contemporáneos) y en su música se aprecian los “tributos” que rinde a sus héroes compositores, la sinfonía no. 5 es el caso de Mozart. Compuesta de cuatro movimientos, Schubert rinde tributo al color musical de Mozart, al respeto a la forma que su orientación clásica le exigía (a Mozart), a las tonalidades que mas le gustaba usar y al uso extraordinario de las notas mas agudas.

Primer post, después de casi un año. Pude poner los movimientos en mediafire por separado. A disfrutar y feliz dia para todos.

 

 

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:D!

26 febrero 2011 at 13:50 (ey ya te digo)

Después de casi un año de ausencia publicaré este comunicado para los que amamos la música académica y que aquí nos reunimos para refugiarnos de los otros amantes de la música académica pedantes y molestos, cuando empecé este blog mi idea inicial solo era usarlo como “bodega” de música para mí y poco a poco he notado que las visitas incrementaron y las descargas también, así como la participación de todos en sus comentarios.

Debo decir que estoy muy orgulloso de estar detrás de este proyecto ya que en los otros blogs musicales que participo JAMÁS me encuentro con comentarios tan atinados, participativos y nutritivos como los que ustedes aportan aquí. Desgraciadamente el año pasado entré a una de esas relaciones de pareja que te piden mucho tiempo y poco me quedaba para mí y mis pendejadas personales, esa situación ya se terminó pero ahora tengo el problema de que mi nuevo proveedor de servicios de internet LEASE INFINITUM es lo mas lento que existe en el universo, el ejemplo mas claro fue al intentar re-subir algunos archivos caidos, por ejemplo la sinfonía 5 de Beethoven me tomó menos de media hora y con mi nuevo proveedor me dice que tardará 2 HORAS!! es exagerado el tiempo que tarda!

Entonces, a lo que voy es que los posts tardarán un poco mas en llegar al blog debido a la lentitud de mi conexión, también cambiaré el host de los archivos a megaupload.com ya que ahí duran un poco mas que en mediafire. Solo espero que sigamos juntos en este viajesote digital de la música, “la mas alta de todas las filosofías” diría nuestro querido Beethoven.

Y sin mas, les deseo un excelente fin de semana. Nos leemos pronto.

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Silvestre Revueltas

2 mayo 2010 at 13:03 (mexicana, nacionalismo, siglo XX)

La noche de los Mayas

Silvestre Revueltas es uno de los pocos mexicanos cuya obra es reconocida en el extranjero como “productos de la mente de un genio”, un hombre con una vida intensa y breve, que compusó música muy tarde en su carrera y aún así nos dejó música que apenas podemos apreciar y entender, un compositor que escribió para ser entendido y apreciado por generaciones futuras.

Nació el 31 de diciembre de 1899 en Santiago Papasquiaro, Durango y falleció el 5 de octubre de 1940 en la Ciudad de México; estudió violín y dirección orquestal tanto en México como en Estados Unidos, tuvo una relación muy estrecha con el músico, director y compositor Carlos Chávez, hasta su ruptura profesional la cual llevó a Revueltas a crear otra orquesta, la amistad con Carlos Chávez lo llevó a participar en casi todos sus proyectos incluido en la revista musical en la que se encargaban de traer noticias de Europa hacia México, este curioso proceso incluía Europa-Guadalajara-Cd. de México, a través de la tecnología de entonces. También se sabe que era aficionado a las bebidas alcohólicas, tanto que por eso murió :( . Su entorno familiar es por demás interesante, con muchos artistas y pensadores que llevaron al país a tomar una posición política/filosófica distinta a la que ya se tenía en la primera mitad del siglo XX.

Esta obra, La noche de los mayas, es una de sus mas famosas obras orquestales, es nacionalismo mexicano puro con muchos elementos del “modernismo” característico del siglo XX, para su composición utilizó elementos característicos de la música folklórica mexicana pero a un extremo muy interesante, por ejemplo en el último movimiento utiliza sonidos que chocan entre sí simulando a las bandas de pueblo todas desafinadas. La historia que cuenta La Noche de los Mayas es muy interesante, gira alrededor de la vida de una muchacha de la nación Maya, ella se enamora de un guey de su ciudad justo antes de ser elegida como la próxima virgen a ser sacrificada por el bien de su pueblo.

Empieza, en el primer movimiento, con un guey siendo sacrificado en la imagen de Chac Mool, probablemente un prisionero de guerra, la música con que abre es muy interesante ya que dramatiza la escena de una manera muy mexicana, el siguiente movimiento “platica” musicalmente la escena en que la joven coquetea con su galán a pesar de que ya saben que la van a sacrificar, el tercer movimiento es un dia normal en la vida de los mayas y sus diversas costumbres, el último movimiento es BASTANTE peculiar ya que en esta parte de la historia un curandero/brujo/shamán le da unas raíces alucinógenas a la joven y a lo largo de la primera sección la música simboliza el viajesote que se pone con las hierbas, incluso se supone que alucina con un Dios Maya en una especie de malviaje y al final, cuando sale del trance, la sacrifican.

Esta obra fue escrita para la película del mismo nombre, la cual pasa casi desapercibida ante la majestuosa obra de Revueltas. En esta década, donde los mexicanos estamos “celebrando” 200 años de “libertad” y “profundo sentido de identidad nacional”, la música de Revueltas es la mejor opción para recordar que tan mexicanos podemos ser los mexicanos.

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Arvo Pärt

20 marzo 2010 at 15:03 (minimalismo, piano, siglo XX) ()

Variaciones de “Healing of Arinushka” para piano

Esta “micro”obra del gran Arvo Pärt es un viajesote, en corto tiempo. Consta de seis pequeños movimientos donde el mas largo solo dura alrededor de 45 segundos, esta versión es una variación para piano aunque no se para que instrumento sea la original.

Es muy probable que te recuerde a otros de sus trabajos, sobre todo al precioso “Fur Alina” o al magnífico “Spiegel Im Spiegel”, tiene elementos muy parecidos a dichas obras, aunque la diferencia es que esta obra tiene una introducción o algo así en los primeros tres movimientos, donde casi no se usa la mano izquierda, a partir del cuarto movimiento aparece el tema con el que termina la pequeña obra, un tema que me gusta muchísimo, el quinto y sexto movimiento son variaciones de ese mismo tema aunque mas que variaciones son la representación de una de las características principales del minimalismo: LA SUMA DE ELEMENTOS EN EL CLIMAX.

Hermosaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaa obra <3

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Richard Strauss

15 marzo 2010 at 20:22 (Romanticismo) ()

Poema Tonal para Orquesta “Así Habló Zarathustra”, Op. 30

Richard Strauss es uno de muchos compositores que vivieron el periodo romántico tardío y que a principios del siglo XX se movieron a distintas corrientes gracias a los enormes avances musicales de Richard Wagner y y Arthur Shopenhauer. Antes de que Strauss tuviera contacto con la música y tratados de dichos compositores, su música era mas parecida a lo hecho por Schumann o Mendelssohn, hasta que en algún punto de su vida conoce a Alexander Ritter quien lo lleva a esa música y lo invita a cambiar su “dirección artística”.

De esa nueva dirección nacieron sus poemas tonales, en 1896 escribió este. Un poema tonal o poema sinfónico es una forma musical orquestal cuya temática gira alrededor de una obra de arte ya sea de la literatura, pintura u otra disciplina artística, el asunto es que el compositor se inspira y trata de plasmar el mismo placer estético de la obra pero de manera musical. Para esta obra se basó en la aclamada obra de Nietzsche del mismo nombre, cada sección lleva el nombre de algún tema principal del ensayo y se supone que tenemos que imaginar al personaje principal en su “debate” tal y como sucede en el libro.

La obra, como dijimos, está dividida en nueve secciones con los nombres de algunos capítulos importantes del libro, solo existen tres partes donde el silencio es evidente. El tema de la introducción es famosísimo por haber sido utilizado por Stanley Kubrick en su chingonsísima película 2001; una característica espectacular de esta obra es la obvia mezcla del romanticismo tardío y los distintos elementos de la música que poco a poco avanzaba a otros niveles usando recursos como temas sin resolución, disonancias, la participación de dos “personajes” principales: El Universo y la Humanidad, cada uno representado por acordes, cosa novedosa en aquel entonces.

La última sección, llamada “Canción del deambulante nocturno”, ha creado una serie de controversias en cuanto a su significado y sus mensajes escondidos, muchas personas dicen que la manera en que los acordes luchan y el que representa al universo “gana” al final significa que Strauss interpretó la lectura como “la humanidad es pasajera, el universo prevalece” sin embargo al final el acorde que representa al universo queda inconcluso, no le da resolución final, como diciendo que la “solución” expuesta por Nietzsche no llegaba a un final tampoco. Wow.

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John Cage

14 marzo 2010 at 23:21 (aleatoria, avant-garde, siglo XX) ()

Concierto “25 años en retrospectiva”

Esta grabación se hizo alrededor de 1958 en Nueva York, un grupo de excelentes músicos interpretaron varias obras de John Cage, uno de los compositores mas célebres de Estados Unidos, un compositor cuya obra desafió (y sigue desafiando) los estándares de la música por doquier.

La música de John Cage es de las mas difíciles de entender “a la primera” para mí, por lo general necesito que alguien me explique que intentó decir con cada obra, de hecho cada concierto de música de Cage tenía casi por necesidad que ser antecedida por una conferencia del mismo compositor para explicar la razón de cada elemento de la obra a interpretarse. Solo falta leer los antecedentes para desarrollar la famosísima y controversial Sonata 4:33

Las muchas frases célebres que John Cage nos dejó han servido para abrirle la cabeza y las orejas a muchas personas con mentes y apreciaciones limitadas como a mi, suena a cliché pero la música de John Cage me ayuda a salir de mi pequeño y limitado mundo y me permite acceder al mundo de otros sin llevar conmigo mis prejuicios y leyes morales. Espero haga lo mismo por ti.

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Steve Reich

14 febrero 2010 at 14:35 (minimalismo) ()

Tehillim y Tres movimientos para Orquesta

Dentro del inmenso catálogo de obras de Steve Reich se sabe que Tehillim es una de las mas “raras” en el sentido que se aleja del estilo que suele reconocerse en sus otras obras, para empezar es la primera en la que explícitamente muestra su interés por su ascendencia judía (Tehillim significa “Salmo” en hebreo), escrita en 1981 y utiliza textos de cuatro salmos, para cuatro voces femeninas, ensamble de maderas, ensamble de percusión (con una selección característica de Reich como marimba, vibráfono y utilizando otros como crotales, maraca y aplausos), dos órganos eléctricos, dos violines, una viola, un cello y un contrabajo. La diferencia con sus otros trabajos radica principalmente en una especie de “mímica minimalista” hacia la música de concierto occidental, aunque no se separa completamente del minimalismo y se apoya directamente en sus fundamentos mas importantes.

La otra obra del archivo, Tres Movimientos para Orquesta, fue escrita en 1986 y su instrumentación es ensamble de maderas, ensamble de metales, percusión (dos vibráfonos, dos marimbas, un tamborsote de esos que no se como se llaman), dos pianos y ensamble de cuerdas. Los tres movimientos son interpretados sin interrupciones, se combina un pulso rápido con un ritmo armónico y logran un efecto muy interesante de color musical, sugiriendo la imagen de la luz que se filtra en el lento movimiento de las nubes.

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Sofia Asgatovna Gubaidulina

6 febrero 2010 at 15:59 (contemporaneo, siglo XX) ()

Cuarteto para cuerdas 1, 2 y 3, trío para cuerdas

Otra mujer compositora que cautiva a cualquiera, su música resalta la necesidad del ser humano por encontrar otro enfoque de vida cuando lo que conocemos ya no nos es suficiente para explicarnos que ocurre alrededor de nosotros. Sofia Gubaidulina nació en Rusia el 24 de octubre de 1931, vivió los periodos sociales mas críticos de dicha nación y se cree que por eso su música se volvió mas “espiritual” o “mística”, buscando una válvula de escape a la realidad social.

Sus obras por lo general tienen ensambles nada ordinarios, como percusión y saxofón, instrumentos japoneses, variaciones con insrumentos electrónicos y coros, creo que de su basta obra estos cuartetos y trio son los únicos con instrumentación “ordinaria”. Creo que el trio para cuerda se hace llamar “Danish Quartet” por lo que quizás ese sea el cuarteto no. 4 sin embargo no estoy seguro de este dato, no están divididos en movimientos sino que en una sola sentada se toca cada uno; son ricos en el juego con la tensión y la disonancia al estilo de los cuartetos de cuerda de Gorecki, cada uno inicia con elementos característicos diferentes, uno con pizzicatos, otro con un volumen pianissimo y el otro con leves staccatos, el trio para cuerdas si está dividido en movimientos. Feliz Sábado.

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Kaija Saariaho

3 febrero 2010 at 6:13 (contemporaneo) ()

Música de Cámara

Siguiendo con el cotorreo de mujeres compositoras, hoy le toca a una de las mas impresionantes compositoras que he tenido el placer de escuchar, su música juega tanto con mi cerebro como una niña mexicana juega con la matatena.

Nació en Helsinki, Finlandia, mismo lugar que el mítico compositor Jean Sibelius, Kaija Saariaho nació el 14 de octubre de 1952, de su trayectoria y formación como estudiante no se mucho, solo se que estudió en la academia Jean Sibelius y años después se tralsadó a Francia donde reside actualmente y continuó sus estudios; un dato muy interesante de sus composiciones es que involucran mucho a la música electrónica dentro de la música académica, su repertorio abarca ampliamente a las composiciones para cámara sin embargo a partir de su segundo periodo como compositora se involucró a otras formas musicales mucho mas elaboradas como la ópera.

Por la manera en que se titulan sus obras nos deja claro que la tendencia clasicista no existe en su música, en este álbum aparecen nueve de sus composiciones de cámara y todas llevan un título en específico, seguido por la especificación para que instrumento fueron escritas. Hablar de manera general sobre estas obras es quitarles vida y sabor, sin embargo ya es tarde y tengo mucha hueva de escribir, lo mas característico de estas obras es la manera en que Saariaho juega con la tensión y los desenlaces de cada tema, otra característica es que la dinámica es muy variada ya que en el mismo tema podemos encontrar distintas formas dinámicas desde el adagio hasta el allegro (usando términos clásicos pues). La atonalidad es otro factor importante en estas obras, la creación de tensión y falta de resolución (y después resolución sorpresiva) nacen directamente de esa característica, sobre todo en las composiciones para cello.

Sigo traumado con ella.

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Feliz Cumpleaños Johannes Chrisostomus Wolfgang Teophilus Amadeus Mozart

29 enero 2010 at 4:28 (clasico) ()

Eine Kleine Nacht Musik

Casi lo olvido, pero hoy es cumpleaños de Wolfgang Amadeus Mozart, uno de los mas célebres y famosos compositor/músico del periodo clásico, poseedor de un increible y legendario talento para componer e interpretar no solo en su instrumento preferido (piano) sino en otros siendo los mas conocidos el violín y el órgano. Portador de un espíritu de cambio y lucha característico de su época pero nunca antes visto en un músico, decidió alejarse del mecenazgo y siempre vivió de la música, para celebrar su cumpleaños les dejo su archifamosa sonata “Eine Kleine nacht musik” algo así como “pequeña música nocturna”, un deleite al oido y fácil de ubicar en cuanto a secciones, tonalidad, instrumentación y todo eso.

Como extra, las anécdotas y leyendas torno a su figura, por el paso del tiempo seguramente le exageraron y no podemos tomarlas como datos históricos exactos, pero al menos nos divierten:

* REALIDAD: Empezó como niño prodigio, su padre lo sacó de gira para que tocara el piano en diversas cortes de aristócratas, mas adelante esta misma etiqueta hacía que no lo tomaran en serio.

* MITO ULTRAMITO ASQUEROSO HOLLYWOODENSE: Tenía rivalidad con Salieri, ESO NO ES CIERTOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOO.

* REALIDAD: Tenía alrededor de 7 años cuando compuso su primera serie de minuetos para piano.

* REALIDAD: Murió en medio de una situación económica precaria, y fue enterrado en una fosa común, y SALIERI asistió a su funeral en buena onda. Esa pince película madreada generó muchos mitos bien pendejos.

* REALIDAD O MITO?: Se dice que para componer solo se sentaba y la música le salía de la tinta como si nada, al parecer primero pensaba su composición y la almacenaba en la cabeza y después la escribía sin ningún error, lo sabemos porque sus “borradores” son escritos impecables sin manchones ni errores (en comparación con Beethoven y sus indescifrables borradores), incluso se dice que con solo escuchar una obra en una misa pudo escribirla tal cual.

* Al parecer, según la correspondencia entre Wolfgang y su hermana, era muy bromista y solía hacer comentarios “inmaduros” para alguien de su edad en aquella época.

* REALIDAD: Conoció a Beethoven pero nunca le dió clases y tampoco tocó mientras estuvieron en la misma habitación, algunos dicen que Mozart dijo “A huevo ese cabrón va ser una verga cuando crezca” pero otros dicen que Mozart dijo “no mames está bien pendejo este guey”.

Entre otras muy curiosas anécdotas, como la célebre patada en las nalgas que lo sacó de una oficina, las fiestas que se daba, sus enamoramientos, sus incontables enfermedades. etc.etc.etc.etc. Un ícono de la música occidental y un talento que jamás se repetirá. FELIZ CUMPLEAÑOS WOLFIE

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Bun-Ching Lam

18 enero 2010 at 3:55 (contemporaneo, siglo XX) ()

…Like Water

Siguiendo en la línea de mujeres compositoras, en esta ocasión revisaremos el trabajo de una compositora que por falta de un mejor término diré “sigue con nosotros”. Nació en 1954 en Macao, China, según su sitio dice que desde los 7 años estudió piano y a los 15 dió su primer recital; se graduó como intérprete de piano en la Universidad de Hong Kong y ganó una beca en la Universidad de California, su currículum estudiantil es bastante amplio y es muy noche como para ahondar en eso, me da flojera así que pasemos directamente a la obra “…Like Water”.

Según tengo entendido esta obra es para vibráfono, violín, viola, piano y percusiones; su estructura es distinta a lo poco que he visto en música académica ya que consta de al parecer cuatro movimientos, los dos primeros movimientos están divididos a su vez en 7 secciones y los dos últimos movimientos son solo “un track” o un movimiento en sí. Como ya habíamos dicho, la música “moderna” o actual tiene infinidad de estilos, corrientes y clasificaciones y cada semana sale una forma nueva de hacer música por lo que a veces es muy difícil clasificar las obras o hablar de ellas en su totalidad, con “…Like Water” pasa lo mismo ya que la música de esta obra tiene muchísimos rasgos que no puedo describir en su totalidad y me falta saber mucho mas de muchas cosas para poder hablar con plena tranquilidad, sin embargo alcanzo a notar que la atonalidad forma parte de la propuesta de esta obra, también el uso de “atmósferas” o pasajes en los que el sonido es apenas perceptible, quizás la repetición también es un factor importante de lo que ocurre pero tomando en cuenta la corta duración de cada sección es difícil apreciar si esa era la intención.

Según las palabras de la compositora, esta obra es algo así como una metáfora musical, es decir que la música representa un tema en específico, en este caso el tema es el agua y sus diversos estados “sobre todo el hielo, el vapor y la niebla.”

Por cierto, la compuso en 1995 y creo que la etiqueta “Siglo XX” nos servirá un poco otra vez. Feliz inicio de semana.

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Marion Bauer

15 enero 2010 at 0:26 (modernismo, siglo XX)

Diversas Obras

Otra mujer compositora que debería ser mas famosa y mas reconocida a nivel mundial, no solo ella sino el grupo de compositores con el que se le “asocia” han sido eclipsados por la generación siguiente de compositores en los que se encuentra el famoso Aaron Copland y Ruth Crawford, compositora que incluso tuvo una relación estrecha con Bauer.

Marion Bauer nació el 15 de agosto de 1882 en un lugar llamado Walla Walla en Washington Gringolandia, y falleció el 9 de agosto de 1955 en otro lugar llamado South Hadley en Massachussetts del mismo país, sus padres eran emigrantes y venían de Francia. (ADVERTENCIA: La información que sigue la saqué de varias fuentes de internet que aseguran a su vez obtener información de biografías de la compositora, no se que tan confiables sean) Su educación musical comenzó con su hermana mayor Emilie Frances, quien a su vez era una pianista con estudios profesionales en música, alrededor de 1903 las dos hermanas viajan a Nueva York donde Emilie Frances se convirtió en escritora de crítica musical en la publicación “Musical Leader”, en dicha ciudad Marion Bauer estudió con un compositor prolífico llamado Henry Holden Huss cuya música tenía características mas tradicionalistas; años después viajó a París y su maestra fue Nadia Boulanger en una especie de intercambio de conocimientos, Boulanger enseñaba armonía y a su vez Bauer le enseñaba inglés, mientras que un tal Raoul Pugno fue su maestro de piano. Después en Berlín estudió contrapunto con Paul Ertel e ingresó al conservatorio de París siendo su maestro André Gedalge; puros nombres desconocidos para mí xD.

Ya, aquí termina la información de internet, lo que si se es que fundó o cofundó una especie de asociación llamada “American Music Guild” enfocada obviamente a apoyar y preservar la música de dicha nación, también se convirtió en escritora de la misma publicación en la que su hermana había participado antes, escribió algunos libros referentes a la música moderna y su apreciación, también fue maestra en la universidad de Nueva York y entró a la  Executive Board of the League of Composers, algo así como los super amigos pero en compositores. Desde la década de 1920-1930 hasta su muerte publicó muchas de sus obras y fueron interpretadas sobre todo en Nueva York, se dice que en verano se ponía el casco de la creatividad y trabajaba como loca en una colonia llamada Macdowell donde conoció a otras mujeres compositoras como Ruth Crawford Seeger, Amy Beach, Mabel Daniels y Miriam Gideon. Algunas personas dicen que Bauer pertenece a un grupo de compositores al que llaman “la vanguardia olvidada” en los que se encuentran Frederick Jacobi, Emerson Whithorne, Louis Gruenberg, y Albert Stoessel, suponen que la siguiente generación de compositores los eclipsó y quedaron en el olvido, sin embargo su música fue una de las mayores fuerzas motoras para que la música abarcara otros caminos como el de la música atonal o de 12 tonos.

En el archivo se incluyen seis de sus obras: Lamento para un tema africano Op. 20a. de 1927, Concertino para Oboe, Clarinete y Cuerdas Op. 32b de 1939-43, Trio Sonata No. 1 para Flauta, Cello y piano Op. 40 de 1944, Suite Sinfónica para Cuerdas op. 33 de 1940, Duo para Oboe y Clarinete op. 25 de 1932 y el “American Youth Concerto” op. 36 de 1943. Estas obras son muy interesantes ya que son una muestra casi exacta de la trancisión de la música impresionista hacia los primeros acercamientos de la música disonante del siglo XX, sus características se encuentran entre estos dos estilos; tienen movimientos armónicos constantes y agradables, su estilo de composición tiene muchas características tradicionalistas sobre todo en la estructura de cada obra y a su vez en las secciones de cada movimiento de dicha obra.

Música muuuuy muuuuy pero muuuuy interesante, nada complicada de escuchar y muy intrigante para descifrar, es un enigma aún mas grande que su música no sea tan famosa como debiera porque en términos mas humanos al menos estas obras me gustaron mucho y se me hicieron muuuuuuuy chingonas. Ya desde el siglo XIX la música comenzó a ser mas difícil de clasificar y sin embargo todavía se podía hacer, el siglo XX se caracteriza por la aparición de muchas corrientes en un mismo periodo histórico, ¿como llamarle a la música de Marion Bauer? yo no sé, le puse modernismo basado en la aparición histórica y todo eso pero la verdad no se.

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Germaine Tailleferre

12 enero 2010 at 0:04 (siglo XX) ()

Sonata para Arpa

Oh si! Hay muchísimas mujeres en la historia de la música cuyas obras crearon un inmenso impacto en la disciplina como la conocemos el dia de hoy, a pesar de haber tantas mujeres compositoras y que sus obras tengan tantos elementos como sus “contrapartes” masculinos, no tienen el reconocimiento al nivel de otros compositores “de cajón”. Es una gran pena pero nuestros tiempos han cambiado, cada vez mas personas nos interesamos por la música y las infinitas propiedades favorables que nos ofrece. Según me he ido encontrando con compositoras y sus obras, he notado que por lo menos se tiene registro de mujeres en la música desde la época medieval, mas adelante haré un registro de la información que he recabado y sobre todo trataré de publicar la música que tengo.

Una de las compositoras clave dentro de la música del siglo XX es definitivamente Germaine Tailleferre, nació el 19 de abril de 1892 en Saint Maur des Fossés en Francia y murió el 7 de noviembre de 1983 en París. Perteneció a un grupo de músicos/compositores del mismo país al que se le llamó “Les Six”, eran los protegidos tanto de Jean Cocteau como del excéntrico (y venerado en este blog) Erik Satie; a este grupo también pertenecían Francis Poulenc, Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger y Darius Milhaud, según lo que me encontré en algunas enciclopedias dicen que estos Les Six fueron algo así como un movimiento que se oponía al Impresionismo o al menos renegaban de muchos de sus elementos, sin embargo este dato me resulta bastante confuso ya que he leido en otras partes que se les consideraba también impresionistas, quizás solo por el sencillo detalle de ser de Francia.

Pues buen, Tailleferre fue la única mujer del grupo, su obra suele ser reducida a sus preciosas composiciones para piano sin embargo abarca muchas fomas musicales como sonatas, conciertos, conciertinos, música para ballet, realizó diversos cortes musicales para muchas películas, su característica principal fueron los ensambles musicales poco usuales para su época es decir hacer un quinteto con instrumentos de viento y orquesta de cámara por ejemplo, o sonatas para dos violines y un clarinete, también hizo de la arpa un instrumento principal y no solo secundario al escribir tanto sonatas como concertinos para dicho instrumento. Algo que me llamó mucho la atención fue que Tailleferre cambió su apellido, el original era Taillefesse, según dicen a manera de venganza ya que su padre se negaba a pagarle los estudios en música.

Esta pequeña sonata para arpa que les pongo a su disposición, consta de tres pequeños movimientos en los que dos son rápidos y uno es lento pero no tanto como un adagio, el color que emana su música me recuerda mucho a las obras mas características y famosas de impresionistas de la talla de Ravel sin embargo no tiene muchos elementos de dicho movimiento, por ejemplo en el impresionismo hacen uso de notas alargadas tipo “drone”, en las obras para piano tocan una tecla y presionan el pedal para que esa nota sirva de base para las demás notas que se tocan con rapidez. En esta obra, ambas manos “cantan” al mismo tiempo en un contrapunto que parece enredoso por la velocidad en que se tocan (en los movimientos rápidos) y su tonalidad mayor nos regala al oido melodías “alegres” y de cierto modo “universales”, se escuchan muy complicadas pero es muy fácil gustar de ellas.

Me es muy difícil encontrar una “categoría” o estilo musical en el cual poder clasificar la música de Tailleferre, la única clasificación o periodo que me convence por el momento es “Música del Siglo XX” pero espero en estos dias alguien tenga una mejor. Feliz Lunes xD

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Antes de seguir…

11 enero 2010 at 3:40 (ey ya te digo)

Nota a mi mismo:

people are often unreasonable, illogical, and self-centered… forgive them anyway.

if you are kind, people may accuse you of selfish, ulterior motives… be kind anyway.

if you are successful you will win some false friends and true enemies… succeed anyway.

if you are honest and frank, people may cheat you… be honest and frank anyway.

what you spend years building, some could destroy overnight… build anyway.

if you find serenity and happiness, they may be jealous… be happy anyway.

the good you do today, people will often forget tomorrow… do good anyway.

give the world the best you have, and it may never be enough… give the world the best you’ve got anyway.

you see, in the final analysis, it is between you and god—it was never between you and them anyway”

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Lubomyr Melnyk

5 enero 2010 at 23:54 (minimalismo, piano) ()

LA VOZ DE LOS ÁRBOLES

Este compositor es otro show. Nació en Munich el 22 de Diciembre al parecer en 1940 y después emigró a Canadá, creo que estudió Filosofía en la Universidad de Winnipeg pero después eligió una carrera en la música, quizás la mezcla de estas dos le llevo a desarrollar tanto sus ideas como su técnica musical ya que tiene profundas bases filosóficas. Su técnica en el piano lo llevó a desarrollar un estilo con bases del minimalismo pero que lo llevá a otra dirección, este estilo en inglés le llaman “CONTINOUS MUSIC” y que no me atrevo a traducirlo al español por falta de conocimiento, apenas ayer me enteré de su existencia y apenas escuché solo esta obra llamada LA VOZ DE LOS ÁRBOLES.

Pues resulta que la Continous Music es un estilo muy parecido al minimalismo, es decir la repetición de una frase y la leve suma de otros elementos paulatinamente creando un efecto como hipnótico y relajante; una de las características distintas de esta corriente creada (al parecer) por Melnyk es que las frases que se repiten son extremadamente complicadas y rápidas, ya sea haciendo arpegios de una octava en cada tiempo o arpegiando “acordes rotos” usando ambas manos en el piano, por lo que he leido del compositor también tiene obras para otros instrumentos usando ese mismo principio e inspirado profundamente en la obra del gran Terry Riley.

En esta obra Lubomyr hace uso de su gran técnica, escribiendo para dos pianos y tres tubas. Me gustó muchísimo, en ningún momento los sonidos se atropellan o se opacan, siempre se encuentran en parsimoniosa comunión sirviendo uno de enlace para el otro, las tubas crean una base melódica a manera de bajo y creo que le añaden algo mas de emociones; los arpegios de los pianos me dejaron boquiabierto por la rápidez, la nitidez del sonido, lo “fácil” que hacen que se escuche, y porque creo que cumplen el propósito del compositor, ya que según dice esta música debe acercar al escucha a una experiencia mística o algo así al ubicarlo en un estado de trance, después de un rato de escuchar cada “movimiento” me hizo sentir extrañamente bien. Me recordó mucho al trabajo de Steve Reich pero con una perspectiva mas emocional o incluso mas misticona, como mezclarlo con las ideas espirituales de Arvo Pärt. Como datos curiosos, Melnyk tiene el récord en velocidad al tocar el piano, según su sitio en internet ha tocado 19.5 notas en 1 segundo en cada mano y también tiene el récord de la persona que mas notas ha tocado en una hora.

Esta obra fue creada para un Ballet y fue grabada en la primera mitad de los 80’s. Voy a buscar mas trabajos de Melnyk porque ya soy su fan.

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Pyotr Ilyich Tchaikovsky

30 diciembre 2009 at 21:25 (Romanticismo) ()

Suite “El Cascanueces”, Op. 71 a.

No se por que carajos nos metieron a fuerza esta suite como “idea navideña” pero por estas épocas El Cascanueces aparece por todas partes, quizás porque en la escenografía del ballet suele haber nieve JA! sin embargo a mi me gusta mucho y para no romper la tradición la pondré por acá como el último post del año.

Primero hablemos de Tchaikovsky, era un músico y compositor ruso, nació en 1840 y murió en 1893, es uno de los máximos representantes del romanticismo de Rusia, aunque algunas obras de su catálogo tienen estructuras Nacionalistas como la épica Obertura de 1812. Su prolífica y compleja obra abarca prácticamente todas las formas musicales que existían en aquel entonces, teniendo una obra famosa en cada forma, incluso por aquí ya había publicado su concierto para piano y orquesta no. 1 que está precioso. Algo característico de los músicos del romanticismo es que parecía que su vida privada tenía que ser trágica y profundamente problemática, al menos los rumores que nos sobreviven de Tchaikovsky suelen ser muy curiosos.

Ahora hablemos de las suites, la suite es una forma musical cuyos inicios datan mas allá del renacimiento; no es una obra dividida tal cual como por ejemplo un concierto o una sonata que es una sola obra dividida en una serie de movimientos, mas bien una suite está conformada por varias danzas y esto nos lleva a deducir que están hechas para bailar. Una de sus características principales es que su estructura dinámica siempre es “una rápida, una lenta” para establecer una dirección formal a la danza que se esté interpretando junto con la suite, por lo general la primera danza (o primer movimiento de la suite) es rápida y la que sigue es lenta, la tercer danza (o tercer movimiento) es rápida pero no tan rápida como el primer movimiento y así sucesivamente; en algunos periodos como en el barroco o en el rococó se tenían nombres característicos para cada movimiento (como en las suites para cello de Johann Sebastian Bach que también ya están en el blog).

Pues bien, El Cascanueces es un Ballet basado en la adaptación del cuento “El Cascanueces y el Rey Ratón” de E. T. A. Hoffman, esta interpretación está hecha por Alexandre Dumas, sobra decir que la versión original de Hoffman está mas pacheca que la de Dumas incluso la tal Marie se casa con el Cascanueces y le entra a los madrazos.

Por ahí de 1891 Ivan Vsevolozhsky, director de los Teatros Imperiales, comisionó a un tal Marius Petipa para escenificar el ballet con la musica de Tchaikovsky. Después de haber estrenado el ballet, el compositor ruso tomó algunas de las partes musicales y las ordenó para ser interpretadas en conciertos, así nació su Opus 71 a.

Un dato curioso es que se dice que Tchaikovsky odiaba esta obra, mucho se rumora acerca de esta situación ya que poco antes de haber aceptado musicalizar la obra su hermana había fallecido, además que no se sentía satisfecho con su ballet anterior de “La Bella Durmiente”.

Lo curioso es que basándonos en los títulos de cada danza, al parecer Tchaikovsky utilizó ritmos de varios paises como Arabia, China y Rusia entre otras, al escucharlos podemos apreciar que logró mezclar diversas características de esta música con el romanticismo occidental, por ejemplo en la Danza Árabe utiliza pequeños cambios de un tono a otro en las maderas como es característico en la música oriental, aún así en la parte de la Danza China es poco probable que tuviera acceso a la música de dicho país ya que como sabemos China siempre ha sido un país bastante hermético y hasta apenas el siglo pasado pudimos conocer un poco de su cultura, por lo que pienso que en esta parte Tchaikovsky compuso la danza pensando en China o en como sonaría la música en dicho país pero no usando las características principales de la música regional.

La danza que mas me gusta es la ultrafamosa Valse de las Flores, como su nombre lo indica está a ritmo de Valse o mejor dicho ternario, ese de 1, 2, 3, 1, 2, 3; el color que emana su música es muy brillante ya que los acordes resultados de la combinación de maderas y cuerdas son mayores con ligeros cambios apenas perceptibles de un compás a otro. Esta parte siempre me ayuda a sonreír cuando estoy triste, a “nostalgiar” cuando estoy recordando, a recuperar fuerzas cuando estoy agotado emocional o mentalmente; es muy bonito y es la mejor forma de cerrar este año tan extraño y crucial para las decisiones de vida que he tomado hasta el dia de hoy, no había notado que en estos 12 meses tomé decisiones que han cambiado el rumbo de mis dias y sobre todo me hicieron entender que es lo que mas me gusta hacer :D.

Este blog lo abrí con el único propósito de publicar música académica que iba conociendo mientras avanzaba en el taller de música, nunca me imaginé que dos años después iba querer mas y mas. Al final creo que solo soy feliz cuando sigo las instrucciones que nacen en mi corazón, cuando pienso así me doy cuenta que no hay lugar para el miedo.

Feliz año nuevo, mis queridos amigos :D

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Steve Reich

28 noviembre 2009 at 4:48 (minimalismo) ()

Daniel Variations & Variations for Vibes, Pianos & Strings

Este trabajo de Steve Reich me impactó, poco a poco estoy entendiendo esa frase de “Steve Reich warped my fragile little mind”. Esta obra, llamada así en memoria de Daniel Pearl el periodista judío que en el 2002 fue asesinado por radicales Islamistas, fue terminada en el 2006 y la encargó el padre de Pearl para la fundación Pearl y fue estrenada el mismo 2006 como parte de la retrospectiva de la obra de Reich en su cumpleaños no. 70.

Daniel Variations está compuesta para dos voces siendo una soprano y un tenor, cuatro pianos, clarinetes, cuarteto de cuerdas y algunos instrumentos de percusión (asi es, otra vez marimbas). Está dividida en cuatro movimientos, en el primer y tercer movimientos utiliza textos bíblicos del Libro de Daniel y algunas palabras del mismo Daniel Pearl; el movimiento armónico entre los distintos ensambles instrumentales es la clave de esta obra y se vuelve muy rica para escucharla y diferenciar las distintas repeticiones y los cambios de figuras rítmicas en las voces.

El archivo que les pongo aquí también tiene otra obra llamada Variations for Vibes, Pianos & Strings, esa es del 2005 y es una interesante obra en forma de danza para tres cuartetos de cuerda, cuatro vibráfonos y dos pianos. Se sabe que es una danza ya que tiene tres movimientos, el primero es rápido, el segundo es lento y el tercero es rápido, esta característica es notable de las Suites las cuales son formas musicales compuestas por muchas danzas; claro que al escuchar una danza minimalista puede causar un cortocircuito mental ya que si las comparamos con Suites Barrocas, Clásicas o Románticas es muy difícil apreciar la parte de “danza” pero recordemos que para apreciar del todo una forma musical tenemos que verla desde su punto filosófico del que parte (en este caso ya hablamos con anterioridad las bases del minimalismo).

Si ya bajaste “Come Out” de Reich, publicado hace unos dias en este tu blog, entonces ahora te aseguro que la música del compositor se te hará mucho mas digerible y fácil de entender. FELIZ FIN DE SEMANA :D.

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Philip Glass

24 noviembre 2009 at 1:10 (minimalismo, opera) ()

Einstein on the Beach

 

CD 1

CD 2

CD 3

 

Philip Glass es otro de los compositores minimalistas, es uno de los mas famosillos de toda la bola sobre todo por su trabajo en el campo de música para películas, ya hace algunos ayeres publiqué por acá su trabajo para la película El Ilusionista, aunque ese soundtrack no muestra mucho de su estilo como minimalista.

Pues bien, he aquí la ópera Einstein en la playa estrenada en julio de 1976, obviamente escrita y orquestrada por Philip Glass, también participó el director Robert Wilson en algunos detalles del diseño de la puesta en escena y también fue el director dentro del teatro cuando fue estrenada. La obra contiene algunos escritos del poeta Christopher Knowles, Samuel M. Johnson y la coreógrafa/bailarina Lucinda Childs, sin embargo el libreto es algo que trataremos mas adelante.

Esta ópera pertenece (o medio pertenece) a una trilogía que Glass dedicó a personajes cuya vida cambio el rumbo de la historia, en esta obviamente el personaje central es Einstein, después le siguió Satyagraha vagamente basada en Gandhi y la que cerró la trilogía fue la ópera Akhnaten basada en el faraón Amenhotep IV.

Esta obra tiene un ligero giro en su estructura, Glass no quería estropear la figura histórica de Einstein al meterlo en algún tipo de trama, a su vez Wilson compartió esta idea ya que ambos pensaban que debía mostrarse al personaje de manera que el público hiciera su propio argumento y conexión haciendo la interpretación de la ópera un acto de subjetivismo puro. Entonces, ¿que carajos hacer con el libreto?, pues decidieron que los cantantes pronunciaran números, el nombre de las notas y algunos pequeños fragmentos de poemas de los autores ya antes mencionados. Curiosamente, esto de usar figuras musicales y números como libreto quedó perfecto ya que combina con el legado de Einstein hacia la humanidad, es decir en los números.

Notarás que en el mp3 aparecen varios archivos con nombres raros, por ejemplo “Knee”, pues Glass utilizó estas “escenas” de la obra como unión entre un acto y otro, es decir las escenas tituladas “Knee” son interludios que al igual que las rodillas sirven de conjunción entre una parte y otra. Las tres escenas principales: Train, Trial y Spaceship, aluden a las hipótesis de Einstein acerca de su teoría de la relatividad y la teoría del campo unificado.

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John Adams

21 noviembre 2009 at 4:45 (minimalismo, opera) ()

Nixon en China

Cd 1

Cd 2

Cd 3

 

Si a estas alturas la música minimalista te parece extraña, espera a que escuches la ópera minimalista.

“Nixon in China” es una ópera de tres actos terminada en 1987 por el compositor gringo John Adams con libreto de Alice Goodman. El tema, como lo dice el título, es la visita del expresidente estadounidense Richard Nixon a China ocurrida en 1972; en esta visita Nixon conoció a Mao Zedong y otros oficiales chinos.

La Academia de Música de Brooklyn, la Houston Grand Opera y el Centro de Artes John F. Kennedy encargaron la ópera a Adams y se estrenó el 22 de octubre de 1987 precisamente en el Houston Grand Opera.

La temática envuelve a seis personajes: Nixon, su esposa, su traductor y consejero Henry Kisinger y Jiang Qing, Mao Zedong y su consejero cercano Zhou Enlai. Los títulos de cada escena son bastante específicos acerca de lo que ocurre con los diálogos, en el primer acto se desenvuelve en la llegada de Nixon a China y los acontecimientos cercanos a dicho suceso, el segundo acto se enfoca directamente a la esposa Pat Nixon y un tour que se avienta alrededor de China y el último acto trata acerca de la última noche que pasan en China y como reflexionan los personajes acerca de su pasado.

La música es minimalismo a todo lo que da, sin embargo la música de Adams se diferencía sustancialmente del demás minimalismo por su constante juego con dinámicas musicales mas elaboradas y ricas en movimiento armónico y velocidad rítmica, las partes etiquetadas como “beginning” en el mp3 son el equivalente a las oberturas de una ópera de otros periodos, o sea la parte instrumental que da inicio al acto o a la escena y que suponea una cálida bienvenida a la escena, en la obertura del primer acto las cuerdas establecen una especie de “escalerita” muy agradable y los demás instrumentos hacen otra figura rítmica en la que algunos instrumentos acompañan las notas de las cuerdas y otros se limitan a repetir su parte. Cuando los diálogos entran a escena se vuelve bastante interesante, yo nunca había escuchado ópera minimalista y esta se lleva las palmas por su creatividad y la manera tan compleja de entrelazar el tema con la música e incluso hay pequeñas partes corales.

Y así como en las obras minimalistas los elementos se van agregando en el clímax, en esta ópera sucede lo mismo e incluso las distintas ideas esparcidas a lo largo de cada escena se suman en algunas otras escenas, abre bien tus oidos y dale una escuchada.

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Arvo Pärt

16 noviembre 2009 at 16:55 (minimalismo) ()

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De Profundis, Seven Magnificat Antiphones, Magnificat y Beatitudes

Arvo Pärt es otro de los compositores minimalistas mas importantes, lo conocí gracias a la talentosísima soprano mexicana Sheila López, me recomendó escuchar su Spiegel im Spiegel y desde entonces estoy muy agradecido de haber conocido a tan talentosa y bella mujer. La obra de Arvo Pärt se le suele clasificar en varios periodos pero todas siempre tienen el propósito de tocar la parte humana que no podemos explicar, llámese espíritu, alma o mente.

Las obras del disco son:

De Profundis es un trabajo magnífico para coro de voces masculinas, es decir tenor, contra-tenor, barítono y grave, también para órgano y precusión. La terminó en 1980 y algunos textos están cantados en latín, basados en algunos salmos bíblicos; al ver los nombres de cada sección nos damos cuenta que se trata de una misa ya que tiene partes como el Kyrie que es algo así como Gloria a Dios, Gloria, Credo etc. Para Arvo Pärt, la voz humana es el instrumento perfecto y en esta obra la música recuerda mucho a la música coral medieval y renacentista pero con la bella intervención del minimalismo (y las características que mencionábamos en el post anterior), este estilo medievalón cuasi-minimalista fue llamado por Pärt como “tintinnabuli” y se basa en que una voz canta tres notas de algún acorde de preferencia mayor y la otra voz se mueve de manera diatónica creando un efecto musical de velocidad lenta y al igual que las obras de Reich al final se acomodan en una sola linea.

Seven Magnificat Antiphons se terminó en 1988, está cantada en alemán; es considerada como una de las obras maestras de Tintinnabuli, esta obra también es coral y está basada en los rezos llamados Antiphons de la liturgia Cristiana, estos rezos creo que se hacen dias antes de la pascua en las horas de la tarde o algo así la neta no estoy muy enterado de los rituales cristianos ortodoxos. La obra coral es exquisita y sorprendentemente cálida, el color que nace de la música de esta obra provoca un estado de atemporalidad debido a que al fondo se utiliza una base drone, es decir una nota que se mantiene a lo largo de toda la pieza y que sirve como referencia tonal para los demás instrumentos, en este caso las demás voces del coro.

Magnificat es parecida a la anterior pero es otra obra, también hace uso de drones (en Sol y en Do) y es para coro mixto. Está cantada en latín y está basada en textos de salmos de los que tampoco tengo idea de que hablan; tiene un color un poco mas oscuro pero en el sentido misterioso o al menos eso me provoca, sin embargo sigue siendo de esas obras cuya finalidad es poner al escucha en un estado de no-tiempo en la búsqueda de tranquilidad espiritual.

Beatitudes es para coro o  solistas y órgano, la terminó en 1990 y está cantada en inglés, basada en los textos bíblicos de San Mateo 5, 3-12. Las beatitudes son las bendiciones que supuestamente Cristo le dió a sus discípulos en “El sermón de la montaña” de Mateo y “El sermón de la montaña” de Lucas; básicamente habla de lo que pasará con la gente buena onda después de que mueran, dice que:

* Para el pobre, de él será el reino de los cielos

* Para los que sufren, serán confortados

* Al hambriento, lo van a llevar al McDonalds del cielo

* Y a los que fueron perseguidos o ejecutados por buscar causas justas, también se les entregará el reino de los cielos.

Supongo que estos últimos y los pobres van a entrar en conflicto cuando vean que van a tener que compartir su premio.

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Steve Reich

16 noviembre 2009 at 1:34 (minimalismo) ()

Steve+Reich+reich3

 

Vol. I de su boxset titulado “EARLY WORKS”

 

Steve Reich se está convirtiendo en uno de mis idolazos, de hecho la música minimalista rápidamente se ganó mi corazón cuando escuché poquito de la obra de Arvo Pärt y con la hermosa Sinfonía no. 3 de Gorecki, sin embargo las raices de estos compositores se encuentran en las obras de un grupo de compositores estadounidenses que en los años 60 comenzaron el movimiento musical conocido como minimalismo, basado en las mismas estructuras del minimalismo arquitectónico pero aplicado en la música, es decir música que carece de elementos ornamentales complejos, la obra “In C” (es decir En Do) de Terry Riley es considerada como la primera obra musical minimalista, las características principales del minimalismo son:

* Repetición, loop o secuencia

* Suma de elementos sonoros en el desarrollo de la obra, se agregan gradualmente

* Casi nulo movimiento armónico

* Ecstasys o punto cumbre.

Steve Reich nació el 3 de octubre (dia de San Gerardo xD) de 1936 en Nueva York, sus padres se divorciaron y pasó mucho tiempo entre Nueva York y California; a los 14 años comenzó a estudiar música académica después de escuchar música del periodo barroco y periodos anteriores, así como música del siglo XX, después estudió percusiones con Roland Kohloff con el propósito de tocar Jazz, después estudió en la universidad de Cornell y se graduó en Filosofía. Un año después estudió composición de manera privada con Hall Overton y después entró a Juilliard para trabajar con William Bergskma y Vincent Persichetti, después asistió al colegio de Mills en Oakland California, donde estudió con los mismísimos Luciano Berio y Darius Milhaud, este último integrante del famoso grupo de los Seis de Francia (creado por Erik Satie) y ganó su maestría en composición. Su obra es parte fundamental del minimalismo junto con Terry Riley, Phillip Glass, John Adams, Arvo Pärt y Henryk Gorecki, también son considerados minimalistas en cierto nivel Cartel Burmwell y Yann Tiersen (wtf).

El disco contiene:

Come out (1966). De los famosos “experimentos” con cintas magnéticas y discuros, sale el enigmático Come Out. Se dice que este trabajo se le encargó a Reich para interpretarse en una especie de fiesta que se llevó a cabo debido al juicio que se “re-realizó” al grupo llamado “Los seis de Harlem”, seis muchachos acusados de asesinato en los disturbios de Harlem de los cuales solo uno había sido culpable. Se le encargó a Reich la obra y se le dió absoluta libertad creativa, Truman Nelson fue el que encargó la obra y le entregó a Reich una serie de cintas que contenían grabaciones de los testimonios de los muchachos implicados en el juicio.

Utilizó la cinta de Daniel Hamm, uno de los involucrados e inocente, en la cinta Hamm dice “i had to like, open up the bruise and let some of the blood bruise come out to show them” refiriéndose a que tuvo que herirse a sí mismo un poco para que los policías le brindaran atención médica, la cual le querían negar alegando que sus heridas no parecían lo suficientemente profundas; Reich re-grabó la parte que dice “come out to show them” y las toca al unísono al principio y poco a poco se van desfasando (toque característico de la música de Reich en su primera etapa), lentamente las dos voces se convierten en una especie de efecto reverb como de doble eco, después en algo así como un canon, después las dos voces se convierten en cuatro dejando un mensaje incomprensible solo con el ritmo y el tono de la voz.

Piano phase (1967). Esta obra es para dos pianos pero también puede tocarse en dos marimbas. Esta obra es el primer intento de Reich de utilizar su técnica de “doble faseo” de sus obras Come out y de It’s Gonna Rain pero esta vez aplicado en los instrumentos en vivo, los trabajos de faseo de Reich generalmente tienen dos lineas musicales idénticas las cuales empiezan tocando al mismo tiempo y de manera sincronizada, pero lentamente se desfasan cuando una toca ligeramente mas rápido que la otra. En esta obra tiene a dos pianistas tocando la misma secuencia y al poco tiempo uno toca mas rápido de manera que cuando el primero toca la primera nota el segundo pianista está tocando la cuarta o segunda nota y después se regresa a la velocidad anterior, logrando un extraño efecto musical. Después de hacer distintas variaciones de la dinámica anterior, ambos pianistas terminan al unísono.

It’s Gonna Rain (1965). La misma idea que Come Out, la fuente de It’s Gonna Rain es un discurso de un predicador religioso afroamericano llamado Brother Walter, en el que habla acerca del apocalipsis. Ese discurso fue grabado en San Francisco en el Union Square; la obra empieza con la historia de Noé y las repeticiones comienzan cuando dice “it’s gonna rain”, según leí por ahí dicen que este descubrimiento surgió debido a las fallas tecnológicas de aquella época ya que Steve Reich usó dos grabadoras Wollensak con la misma grabación, una de ellas perdió sincronía con la otra y Reich empezó a experimentar con los diferentes cambios de faseo y al final las alineó de nuevo, como podemos ver por las fechas un año mas tarde realizó Come Out.

Four Organs (1970). Para cuatro órganos electrónicos y maracas, los cuatro órganos exponen un acorde de Re, Mi, Fa#, Sol#, La y Si con un La de bajo, después poco a poco se va diseccionando el acorde y la duración del mismo aumenta poco a poco, empezando en algo parecido a un compás de 1/8.

La música minimalista tiene otros matices que apreciar, un buen maestro y amigo me dijo que para apreciar la música en su totalidad primero tenemos que escucharla sin utilizar los juicios de valor que le damos a la música que ya nos gusta con anterioridad, el minimalismo es música de nuestro tiempo y es muy atacada por su aparente falta de sentido, sus elementos como la repetición son considerados aburridos y nefastos, sin embargo te invito a que le eches una escuchada ya que los siguientes trabajos que iré publicando con el paso del tiempo están basados en estas primeras obras de Reich, trabajos como el de John Adams o el de Phillip Glass, incluso las magníficas obras de Arvo Pärt y Hénryk Gorecki.

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:O

7 noviembre 2009 at 23:26 (Uncategorized)

Como lo habrás notado ha pasado algo de tiempo desde la última publicación, en este momento estoy haciendo una lista de los 100 discos que mas me gustaron de la década comprendida entre el 2000 y el 2009, por lo que me ha faltado tiempo de compartir por acá pero mañana pondré mucha mas música minimalista y un poco de nacionalismo, y romanticismo :D

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Modest Petróvich Mussorgsky

20 octubre 2009 at 3:01 (nacionalismo, piano) ()

mussorgsky

Cuadros de una exposición

Tenía un chiiiiiiiiiiiiiingo sin publicar discos peeeeero me he encontrado con mucha mucha mucha mucha música que estoy ansioso de compartir y dialogar con ustedes. Hace algún tiempo atrás hablamos del nacionalismo y de su inicio en Rusia con el grupo de los cinco, pues bien, Mussorgsky es uno de esos cinco.

Nació el 21 de marzo de 1839 y murió el 28 de marzo de 1881, su obra mas famosa es la ópera Boris Godunov, sin embargo otras de sus obras se han convertido en composiciones famosas a lo largo de los años, en especial esta, los cuadros de una exposición.

La historia del por qué las compuso está bien bonita, se dice que en febrero de 1874 Mussorgsky asistió a una exposición de obras de su difunto amigo Victor Hartmann, un pintor célebre que murió a la edad de 34 años en 1873. Los dos había desarrollado una amistad basada en el interés que ambos tenían en crear arte basado en el folclor e historia rusos, es decir los dos tenían mentalidad nacionalista y para entender un poco mas acerca de esto tendríamos que revisar la basta historia de Rusia, no conozco mucho pero solo se que el nacionalismo se dió en gran parte como movimiento político en oposición al Zar que no recuerdo su nombre, ese guey AMABA la influencia de Europa occidental en específico de Francia y su arte, por lo que los artistas nacionalistas comenzaron a notar la falta de festejo hacia su propio sentido nacional y su obra se enfocó a acentuar su historia a través de celebraciones artísticas y, en este caso, composiciones musicales. Pronto se extendió por todo el mundo y es bastaaaaaaaaante interesante lo que ocurre en el nacionalismo de cada país.

En fín, volviendo a los cuadros de una exposición, se supone que cada movimiento de la obra representa uno de los cuadros de la exposición, hay un movimiento que se llama Promenade que se repite en cinco ocasiones y según eso ese movimiento representa al observador caminando de un cuadro a otro, se me hace muy curioso porque todas las veces que se repite es la misma frase musical pero en algunas ocasiones es mas rápida en otras es mas lenta y creo que cambia de tonalidad pero de eso no estoy muy seguro. Los movimientos son:

Gnomus: Era un bosquejo de Hartmann con un “cascanueces” con cara como de diablito con cáscaras de nuez en su boca. Desgraciadamente el diseño original desde hace mucho se perdió y nunca he visto fotitos ni nada de ese bosquejo.

The Old Castle: Está tiene un detalle muy curioso, porque parece dar la impresión de no solo estar viendo la pintura sino también estar dentro del castillo con alguien haciendo música al fondo o en una habitación siguiente. Como su nombre original está en italiano (Vecchio Castello) supongo que el castillo en la pintura era uno de dicho país.

Tuileres: Esta pintura tenía a unos niños jugando en los jardines de Tuileres en Paris. Se supone que mas que jugando, los niños estaban discutiendo algo después de un juego.

Bydlo: Es una palabra polaca que significa “ganado”, según dicen Hartmann pasó un mes en Polonia y dibujó muchos viñedos y esta pintura representaba un arado jalado por burros en un paisaje un tanto lodoso.

Ballet of the chicks in their shells: Esta pintura representa unos como pollitos tratando de salir de sus “prisiones-cascarones”.

Two Polish Jews, one rich and the other poor: Está es muuuy representativa ya que tiene dos temas musicales, uno muy pomposo y lento, como decimos en mi casa “Muy farolón”, y el otro a base de corcheas en 3 representando al pobre.

Limoges, the market place: Hartmann pasó algún tiempo en Limoges, Francia, donde pintó mucho, alrededor de 150 pinturas, casi todas enfocadas en la catedral de Limoges pero también algunas en el mercado, según dicen la imagen que representa este movimiento tenía a unas mujeres chismorreando en la plaza principal cerca del mercado.

Tiene otros tres movimientos, Catacombs, The Hut on fowl’s legs y The Great Gate of Kiev, pero para hacerlo mas interesante escúchalos y dame tu opinión de ellos. Ah por cierto son para piano, pero Maurice Ravel le hizo una orquestación exquisita a toda la obra y ya la conseguí :D

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Stan Getz & João Gilberto

4 octubre 2009 at 1:05 (jazz) (, )

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Getz/Gilberto

Este disco es legendario por si solo, es el disco de jazz que mas tiempo permaneció en las listas de popularidad mundiales y el que mas copias vendió, unió a grandes personalidades del jazz y de la bossa nova como Stan Getz, João Gilberto, Astrud Gilberto y Antonio Carlos Jobim.

Alrededor de 1964 Stan Getz contacta a João Gilberto para unir fuerzas creativas, Gilberto es uno de los principales precursores de la samba y la bossa nova como la conocemos hoy, también contactaron al célebre compositor Antonio Carlos “Tom” Jobim quien a su vez también comparte el trono con Gilberto en cuanto al “padrinazgo” del género. Los trabajos de saxofón en el jazz de Getz ya lo habían llevado a trabajar con la samba en otras ocasiones, sin embargo este disco propulsó la popularidad de la samba a nivel internacional y los hizo acreedores de 3 grammys.

Agregándole un aire de sensualidad, Astrud Gilberto (en ese entonces esposa de João Gilberto) cantó en las famosísimas Girl From Ipanema y Corcovado. Además participó Sebastião Neto en el bajo y Milton Banana (AJJAJAJAJA) en las percusiones.

Por todos lados te puedes encontrar con este disco y reseñas del mismo que digan “ESENCIAL”, opino exáctamente lo mismo. Hasta el dia de hoy, le he prestado este disco a casi todos mis amigos, todos con gustos musicales bastante diferentes, y sieeeeeeeeeeeeeeeeeeempre les gusta a todos; es como el Sgt. Pepper’s Lonely hearts club band de la Bossa nova y la samba actual, creo que desde el compás, las escalas y la instrumentación, pasando por el registro de voz, son cosas que heredaron a las generaciones que le siguieron.

Y por algo sobrevive a nuestros dias

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Penguin Cafe Orchestra

29 septiembre 2009 at 23:23 (contemporaneo, experimental) ()

MusicFromThePenguinCafe(AlbumCover)

(no son mexicanos pero me gustó mucho)

Music From the Penguin Cafe

Nunca me había encontrado un grupo cuya música fuera tan difícil de comparar y categorizar, siempre hay una o dos tres bandas que me recuerdan a otras en cuanto las escucho pero el caso del Penguin Cafe Orchestra me tomó mucho tiempo tratar de encontrar algo similar ya que me parece que nunca había escuchado algo tal cual la propuesta de esta banda.

Su fundación se dió en el año 1972 en la mente del músico, guitarrista, compositor y arreglista Simon Jeffes de Crawley, Sussex en Inglaterra nacido en el año 1949 y falleció en 1997. Su formación musical se dió con la guitarra clásica y el piano, así como el estudio de teoría musical en Chiswick Polythecnic, tenía la intención de estudiar música académica pero sintió que no era su rama por lo que decidió embarcarse en aprender y tocar música por sus propios métodos y durante su carrera escolar conoció a Helen Liebmann una chelista que se convirtió en la cofundadora del Penguin Cafe Orchestra y quien también ha hecho trabajos de investigación en el terreno de la terapia musical.

Durante la existencia de la banda Jeffes y Liebmann fueron los miembros base y tuvieron muchísimos colaboradores y acompañantes en vivo y en el estudio; el inició de la banda surgió después de que Jeffes comió pescado pasado y mientras estuvo enfermo tuvo una “visión” (o alucinación) recurrente en la que veía un edificio con diversos personajes que le transmitían una vida “sin corazón ni sentimientos” y bueeeeno la historia está muy pacheca y no le entiendo muy bien (vease su página penguincafe.com).

Esta belleza que pongo en tus manos y oidos es su primer disco, el productor ejecutivo (o el del dinero) fue nada mas y nada menos que el mismísimo legendario BRIAN ENO y los metió a su sello experimental llamado Obscure, una pequeña división de E.G. (King Crimson, T. Rex, Roxy Music). Me ha costado mucho trabajo tratar de definir a que se parece esta música o ponerle una etiqueta, para empezar se trata de algo parecido a una orquesta de cámara con violines, violas, chelos y contrabajos, en algunos tracks aparece el clavecín, también tiene guitarra y bajos eléctricos, guitarras acústicas, algunas intervenciones vocales ocasionales cortesía de Emily Young, un ukelele, un piano eléctrico, participaron los miembros originales del PCO: Simon Jeffes, Helen Leibmann, Steve Nye y Gavin Wright, junto con la mencionada Emily Young y Neils Rennie.

Me recuerda muchísimo al trabajo de muchas bandas de Constellation records en específico A Silver Mt. Zion y Godspeed You! Black Emperor, la gran diferencia es que aquí trabajan con un enfoque mas orientado a la experimentación y a la creación de música “como de cámara” y no tienen una filosofía tan “expresionista” o pesimista como las dos bandas mencionadas.

Está bien loco el disco, tiene una canción muuuuuy intensa que me produce sentimientos encontrados llamada “The sound of someone you love who’s going away and it doesn’t matter” pero creo que es la única con la capacidad de hacer llorar de todo el catálogo del Penguin Cafe Orchestra, todas las demás canciones suenan muy alegres e igual de interesantes. La curiosa Zopf está dividida en siete movimentos y cada uno es tan diferente del otro como la noche del dia, incluso hay una que suena bastaaaaaante a música mexicana. Este disco es un Epic Win!!

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